Opera in Context: Essays on Historical Staging from the Late Renaissance to the Time of Puccini [Hardcover]
Mark A. Radice (Author)
These essays by respected scholars examine representative operatic productions from diverse national schools and periods, together forming a comprehensive history of the staging techniques of opera over the centuries.
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Product Details
Hardcover: 410 pages
Publisher: Amadeus Press (March 1, 2003)
Language: English
ISBN-10: 1574670328
ISBN-13: 978-1574670325
Superbly edited by Mark Radice, Opera In Context is an impressive compendium of essays by a variety of experts that examines representative operatic productions from diverse national schools and periods.
These informative and original essays document the history of operatic staging using the words of the composers and their contemporaries as revealed in their diaries, letters, and writings. Other issues and topics covered include historical performance practice, elements of operatic stage craft, scenery, costumes, and lighting.
Opera In Context is enthusiastically recommended reading for students of operatic history, as well as producers, directors, set designers, conductors, and performers.
Monday, June 13, 2011
Schmunck, "Rinuccio"
"Hay una crisis de cantantes"
Schmunck nació en Villa Ballester y comenzó cantando heavy metal.
Aquí habla de su singular trayectoria y del buen momento de los tenores argentinos en contraposición con los europeos.
Nacido en Villa Ballester en 1965 y radicado en Viena desde hace cinco años, el tenor Darío Schmunck está de paso en Buenos Aires, convocado por el Colón para el rol protagónico masculino de la zarzuela Doña Francisquita.
Schmunk es un tenor en ascenso. Un exitoso Fausto en la Opera de Bergen (Noruega), en 2003 dio un giro en su carrera, iniciada en 1992 en el Argentino de La Plata y continuada cinco años más tarde en la Opera de Essen.
Tuvo a su cargo el papel de Alfredo en el segundo reparto de La Traviata en la reapertura de La Fenice de Venecia, tal vez el acontecimiento simbólicamente más significativo de la temporada europea 2004.
Cantó en Munich, Frankfurt, Bonn y estuvo cuatro años en la Volksoper de Viena. Schmunk continúa radicado en la capital austríaca, pero ahora iniciando una carrera en forma independiente e iniciando también un matrimonio, que contrajo hace dos semanas con una joven vienesa.
Esta prolija trayectoria profesional tiene un origen curioso.
Quince años atrás Darío Schmunck era un cantante de heavy metal sin ninguna idea de lo que era la ópera ni una partitura.
Su primera banda se llamó Rara Avis y la segunda, Sauvage.
Además de cantar, Schmunck componía letras y melodías, grabador mediante.
El músico intuitivo quiso perfeccionar su técnica y acudió a Andrés Risso, maestro de canto y compositor.
"Risso me abrió un mundo enorme, me hizo escuchar ópera y arias antiguas."
"Me acuerdo que un 13 de agosto (de 1991) grabábamos un demo por un concursito que habíamos ganado con la banda, y el 15 me llama Andrés para decirme que había posibilidades de entrar en el Coro del Argentino de La Plata.
'¿Qué hay que hacer', le pregunto.
'Una vocalización, un aria y leer música', me dice.
Yo no sabía leer música.
El aria era a elección; canté una de La Traviata, a los gritos, y me estudié de memoria la parte de segundo tenor del Réquiem de Verdi, ya que se había filtrado que esa era la pieza de lectura".
Es así como Schmunck entró en el coro de La Plata y poco después debutó como solista en una ópera de Rossini.
Por entonces tuvo que acelerar sus estudios con Nino Falzetti y actualmente se perfecciona con el maestro italiano Antonio Carangelo.
¿Cómo es el trabajo con Carangelo?
Sigo trabajando cosas de respiración, de actitud física y de gusto.
El me orienta en la adaptación de sonido.
Yo adapto mi voz a la obra que estoy cantando.
Hay un porcentaje de mi voz que cambia con la obra.
Vos escuchás a Pavarotti, y la voz de Pavarotti siempre es Pavarotti.
La mía se va acomodando en función de la obra, por eso no me gusta cantar una ópera encima de otra.
Esa adaptación, ¿es algo que se decide o se da naturalmente?
En mi caso es bastante natural.
Yo siento que cada obra tiene un molde.
Uno se va acomodando a ese molde, hay una pequeña metamorfosis.
No es lo mismo cantar un Fausto (Gounod) que un Elisir d'amore (Donizetti).
La madurez mental de los personajes es completamente distinta.
¿Hasta cuándo estudia un tenor?
Voy a seguir estudiando todo lo que pueda, porque me gusta.
Quiero aprovechar esta experiencia, ya que hay una crisis mundial de cantantes y de maestros.
Se habla mucho de crisis, pero la ópera está en auge; si no en la creación, al menos sí en la interpretación.
El auge es de la ópera, pero no de los cantantes.
El otro día me fui a hacer un chequeo y en el consultorio me encontré con el tenor Neil Schicoff.
Me presenté, y tuvimos una conversación.
Me dijo:
"El tema es que ya no hay tenores que estén arribando a la edad que tengo yo" (más de cincuenta).
Ya casi no hay tenores de 45 años.
No hablemos de tenores wagnerianos, sino de tenores líricos para Bohème o Trovatore.
Los últimos tenores grandes fueron Pavarotti, Domingo y Carreras. Y Kraus, obviamente, pero hablo de los vivos o que más o menos siguen en carrera.
Y Schicoff, pero los demás no llegan.
¿Por qué ocurre eso?
Porque ya no hay escuelas sólidas y generalmente los cantantes se entusiasman con repertorios que se les van de las manos.
Sin duda surgen cantantes, pero después de quince años de carrera tal vez ya no pueden cantar más.
Pensando en el peruano Diego Florez, en algunos argentinos como José Cura o Marcelo Alvarez, o en tu caso, no parece este un mal momento para los tenores latinoamericanos.
Flores es técnicamente impecable, pero todavía me llega más Rolando Villazón, que precisamente es mexicano.
Y no es casual.
América tiene una energía que Europa ya no tiene; es como una pila gastada.
Tiene que ver con el clima y con las sociedades.
Nosotros somos buscavidas.
Somos McGiver, arreglando todo con alambre.
Hoy trabajamos en esto, mañana en esto otro.
Nos adaptamos.
En Europa la gente trabaja de una cosa y punto.
Y acá está la cosa de la Pachamama.
Estuve hablando mucho de todo esto en Viena con el pintor argentino Helmut Ditsch.
Ditsch, el cotizado pintor argentino que vive en Irlanda y suele vender sus kilométricos paisajes a 200 o 300 mil euros, es un viejo amigo de Schmunck.
Ditsch tiene 52, Schmunck 39, e iban al mismo colegio de Villa Ballester.
"Es increíble la fuerza de sus cuadros. Son como fotos gigantes, paisajes glaciares, montañas o mar, sin individuos o animales, pero con una tremenda vida de la naturaleza. Uno descubre la fuerza de la tierra cuando llega a Europa. Estar en el campo en la Argentina es verdaderamente una alegría, aun cuando haya que trabajar. En Europa, ni bien te internás en un bosque te encontrás con un teléfono para emergencias o con un bebedero".
Entre los contratos del tenor argentino figura una Traviata en el San Carlo de Nápoles (2007), nada menos que con Angela Gheorghiu y Dmitri Hvorostovsky, y un Nabucco en Florencia (2006) con Ferrucio Furlanetto y Leo Nucci.
En junio de ese año Schmunck volverá al Colón para cantar Lucia di Lammermoor de Donizetti.
"Venir al Colón es muy importante para mí, no sólo por volver con un protagónico (Fernando en Doña Francisquita) ocho años después de un personaje secundario en Fidelio, sino por todo lo que se mueve.
"Hay unas primas de Mendoza que vienen a oírme, lo mismo que mucha gente que me conoce desde que cantaba rock y que nunca pisó Colón."
Es un regalo que nos hacemos mutuamente.
Schmunck nació en Villa Ballester y comenzó cantando heavy metal.
Aquí habla de su singular trayectoria y del buen momento de los tenores argentinos en contraposición con los europeos.
Nacido en Villa Ballester en 1965 y radicado en Viena desde hace cinco años, el tenor Darío Schmunck está de paso en Buenos Aires, convocado por el Colón para el rol protagónico masculino de la zarzuela Doña Francisquita.
Schmunk es un tenor en ascenso. Un exitoso Fausto en la Opera de Bergen (Noruega), en 2003 dio un giro en su carrera, iniciada en 1992 en el Argentino de La Plata y continuada cinco años más tarde en la Opera de Essen.
Tuvo a su cargo el papel de Alfredo en el segundo reparto de La Traviata en la reapertura de La Fenice de Venecia, tal vez el acontecimiento simbólicamente más significativo de la temporada europea 2004.
Cantó en Munich, Frankfurt, Bonn y estuvo cuatro años en la Volksoper de Viena. Schmunk continúa radicado en la capital austríaca, pero ahora iniciando una carrera en forma independiente e iniciando también un matrimonio, que contrajo hace dos semanas con una joven vienesa.
Esta prolija trayectoria profesional tiene un origen curioso.
Quince años atrás Darío Schmunck era un cantante de heavy metal sin ninguna idea de lo que era la ópera ni una partitura.
Su primera banda se llamó Rara Avis y la segunda, Sauvage.
Además de cantar, Schmunck componía letras y melodías, grabador mediante.
El músico intuitivo quiso perfeccionar su técnica y acudió a Andrés Risso, maestro de canto y compositor.
"Risso me abrió un mundo enorme, me hizo escuchar ópera y arias antiguas."
"Me acuerdo que un 13 de agosto (de 1991) grabábamos un demo por un concursito que habíamos ganado con la banda, y el 15 me llama Andrés para decirme que había posibilidades de entrar en el Coro del Argentino de La Plata.
'¿Qué hay que hacer', le pregunto.
'Una vocalización, un aria y leer música', me dice.
Yo no sabía leer música.
El aria era a elección; canté una de La Traviata, a los gritos, y me estudié de memoria la parte de segundo tenor del Réquiem de Verdi, ya que se había filtrado que esa era la pieza de lectura".
Es así como Schmunck entró en el coro de La Plata y poco después debutó como solista en una ópera de Rossini.
Por entonces tuvo que acelerar sus estudios con Nino Falzetti y actualmente se perfecciona con el maestro italiano Antonio Carangelo.
¿Cómo es el trabajo con Carangelo?
Sigo trabajando cosas de respiración, de actitud física y de gusto.
El me orienta en la adaptación de sonido.
Yo adapto mi voz a la obra que estoy cantando.
Hay un porcentaje de mi voz que cambia con la obra.
Vos escuchás a Pavarotti, y la voz de Pavarotti siempre es Pavarotti.
La mía se va acomodando en función de la obra, por eso no me gusta cantar una ópera encima de otra.
Esa adaptación, ¿es algo que se decide o se da naturalmente?
En mi caso es bastante natural.
Yo siento que cada obra tiene un molde.
Uno se va acomodando a ese molde, hay una pequeña metamorfosis.
No es lo mismo cantar un Fausto (Gounod) que un Elisir d'amore (Donizetti).
La madurez mental de los personajes es completamente distinta.
¿Hasta cuándo estudia un tenor?
Voy a seguir estudiando todo lo que pueda, porque me gusta.
Quiero aprovechar esta experiencia, ya que hay una crisis mundial de cantantes y de maestros.
Se habla mucho de crisis, pero la ópera está en auge; si no en la creación, al menos sí en la interpretación.
El auge es de la ópera, pero no de los cantantes.
El otro día me fui a hacer un chequeo y en el consultorio me encontré con el tenor Neil Schicoff.
Me presenté, y tuvimos una conversación.
Me dijo:
"El tema es que ya no hay tenores que estén arribando a la edad que tengo yo" (más de cincuenta).
Ya casi no hay tenores de 45 años.
No hablemos de tenores wagnerianos, sino de tenores líricos para Bohème o Trovatore.
Los últimos tenores grandes fueron Pavarotti, Domingo y Carreras. Y Kraus, obviamente, pero hablo de los vivos o que más o menos siguen en carrera.
Y Schicoff, pero los demás no llegan.
¿Por qué ocurre eso?
Porque ya no hay escuelas sólidas y generalmente los cantantes se entusiasman con repertorios que se les van de las manos.
Sin duda surgen cantantes, pero después de quince años de carrera tal vez ya no pueden cantar más.
Pensando en el peruano Diego Florez, en algunos argentinos como José Cura o Marcelo Alvarez, o en tu caso, no parece este un mal momento para los tenores latinoamericanos.
Flores es técnicamente impecable, pero todavía me llega más Rolando Villazón, que precisamente es mexicano.
Y no es casual.
América tiene una energía que Europa ya no tiene; es como una pila gastada.
Tiene que ver con el clima y con las sociedades.
Nosotros somos buscavidas.
Somos McGiver, arreglando todo con alambre.
Hoy trabajamos en esto, mañana en esto otro.
Nos adaptamos.
En Europa la gente trabaja de una cosa y punto.
Y acá está la cosa de la Pachamama.
Estuve hablando mucho de todo esto en Viena con el pintor argentino Helmut Ditsch.
Ditsch, el cotizado pintor argentino que vive en Irlanda y suele vender sus kilométricos paisajes a 200 o 300 mil euros, es un viejo amigo de Schmunck.
Ditsch tiene 52, Schmunck 39, e iban al mismo colegio de Villa Ballester.
"Es increíble la fuerza de sus cuadros. Son como fotos gigantes, paisajes glaciares, montañas o mar, sin individuos o animales, pero con una tremenda vida de la naturaleza. Uno descubre la fuerza de la tierra cuando llega a Europa. Estar en el campo en la Argentina es verdaderamente una alegría, aun cuando haya que trabajar. En Europa, ni bien te internás en un bosque te encontrás con un teléfono para emergencias o con un bebedero".
Entre los contratos del tenor argentino figura una Traviata en el San Carlo de Nápoles (2007), nada menos que con Angela Gheorghiu y Dmitri Hvorostovsky, y un Nabucco en Florencia (2006) con Ferrucio Furlanetto y Leo Nucci.
En junio de ese año Schmunck volverá al Colón para cantar Lucia di Lammermoor de Donizetti.
"Venir al Colón es muy importante para mí, no sólo por volver con un protagónico (Fernando en Doña Francisquita) ocho años después de un personaje secundario en Fidelio, sino por todo lo que se mueve.
"Hay unas primas de Mendoza que vienen a oírme, lo mismo que mucha gente que me conoce desde que cantaba rock y que nunca pisó Colón."
Es un regalo que nos hacemos mutuamente.
Schmunck's roles in the Colon
DARIO SCHMUNCK
“El mejor público del mundo siempre fue el argentino”
El tenor volvió a cantar después de 13 años en el Teatro Argentino de La Plata, el lugar en donde comenzó su carrera.
"Volver fue un sentimiento muy especial para mí", asegura.
Además, participa como invitado en un espectáculo de ópera y humor en el Paseo La Plaza.
Y en noviembre regresará al país para cantar en el Teatro Colón.
Todo comenzó un viernes a la noche, en la cocina de su casa en Villa Ballester, partido de San Martín.
Ese día, Darío Schmunck -de 19 años en ese momento-, se puso a cantar mientras preparaba algo para comer.
Él sabía que en la habitación de al lado estaba su hermano Claudio con un grupo de compañeros del colegio que, además, tenían una banda de rock.
“Me puse a cantar lo que ellos estaban escuchando, como quien no quiere la cosa”, recuerda Darío.
Y tuvo éxito: lo invitaron a hacer una prueba al día siguiente y, casi sin darse cuenta, Darío se convirtió en el cantante de la banda de rock Avis, “con absoluta inexperiencia”, aclara.
Así empezó un recorrido que terminaría llevándolo a los principales escenarios del mundo.
Pronto, Darío empezó a estudiar canto con un maestro de Villa Ballester, quien desde el principio le dijo que tenía talento para la ópera.
“Un día, mi maestro me comentó sobre una prueba para ingresar como refuerzo al coro del Teatro Argentino de La Plata. Había que cantar una parte de ‘Requiem’ de Verdi, que yo no conocía, porque siempre escuchaba rock o metal con mi hermano.
De ese día recuerdo hasta la fecha: fue el 15 de agosto de 1988”, detalla Darío.
¿Qué significó para vos volver al Teatro Argentino?
Fue muy emocionante. Me reencontré con gente que yo recordaba con gran cariño: desde el portero hasta los vestuaristas, los colegas del coro y directivos.
Significó mucho: allí empecé de refuerzo del coro, y después quedé fijo hasta llegar a solista.
¿Cómo te recibió el público?
Con mucha calidez.
El papel que interpreté -el Duca di Mantova ("La donna e mobile") - es un rol tremendo, muy difícil pero a la vez muy conocido, porque incluye el aria “La donna e movile”, una de las más famosas de la lírica universal.
La mayoría de la gente, sin embargo, no sabe que esa pieza esta ahí, así que siempre que empiezan los primeros acordes se escucha un rumor en el público y todos están muy atentos.
Cantarla es una responsabilidad muy grande pero, a la vez, es un momento fantástico.
¿Qué diferencias encontrás con los públicos de otros lugares del mundo?
El publico argentino es uno de los mejores con los que me tocó cantar, porque es muy cálido y expresivo.
Hay lugares como Inglaterra o Alemania donde no se aplaude durante toda la ópera, pero al final se despachan con un aplauso que no termina más.
Acá se va generando una atmósfera desde los primeros momentos de la función.
Y todo eso confluye en un aplauso final impresionante.
Igualmente, cada teatro tiene sus características particulares y cada lugar su recuerdo único.
¿En qué pensás cuando estás en el escenario?
En muchas cosas: es importante acordarse de los movimientos, de la música, de la letra, de cómo respirar para cada frase que viene y cómo dosificar la energía para poder llegar al final.
Además, hay que cantar mirando siempre al público (porque no tenemos micrófono), hay que superar a la orquesta y llegar hasta la última persona ubicada en el último asiento.
Pienso en todo eso y a la vez en disfrutar, porque es un disfrute poder cantar.
¿Seguís en contacto con el mundo del rock?
Siempre seguí conectado con el rock. Hace poco grabé una versión de Libertango con el grupo Taita y un tema de Ronnie James Dio (de Black Sabbath) con Beto Vázquez.
Sin importar el género, siempre creo que si la música conmueve es porque está bien hecha.
Interpretar un tema musical es formar parte de una expresión de muchos sentimientos, sin importar que sea ópera o rock.
“El mejor público del mundo siempre fue el argentino”
El tenor volvió a cantar después de 13 años en el Teatro Argentino de La Plata, el lugar en donde comenzó su carrera.
"Volver fue un sentimiento muy especial para mí", asegura.
Además, participa como invitado en un espectáculo de ópera y humor en el Paseo La Plaza.
Y en noviembre regresará al país para cantar en el Teatro Colón.
Todo comenzó un viernes a la noche, en la cocina de su casa en Villa Ballester, partido de San Martín.
Ese día, Darío Schmunck -de 19 años en ese momento-, se puso a cantar mientras preparaba algo para comer.
Él sabía que en la habitación de al lado estaba su hermano Claudio con un grupo de compañeros del colegio que, además, tenían una banda de rock.
“Me puse a cantar lo que ellos estaban escuchando, como quien no quiere la cosa”, recuerda Darío.
Y tuvo éxito: lo invitaron a hacer una prueba al día siguiente y, casi sin darse cuenta, Darío se convirtió en el cantante de la banda de rock Avis, “con absoluta inexperiencia”, aclara.
Así empezó un recorrido que terminaría llevándolo a los principales escenarios del mundo.
Pronto, Darío empezó a estudiar canto con un maestro de Villa Ballester, quien desde el principio le dijo que tenía talento para la ópera.
“Un día, mi maestro me comentó sobre una prueba para ingresar como refuerzo al coro del Teatro Argentino de La Plata. Había que cantar una parte de ‘Requiem’ de Verdi, que yo no conocía, porque siempre escuchaba rock o metal con mi hermano.
De ese día recuerdo hasta la fecha: fue el 15 de agosto de 1988”, detalla Darío.
¿Qué significó para vos volver al Teatro Argentino?
Fue muy emocionante. Me reencontré con gente que yo recordaba con gran cariño: desde el portero hasta los vestuaristas, los colegas del coro y directivos.
Significó mucho: allí empecé de refuerzo del coro, y después quedé fijo hasta llegar a solista.
¿Cómo te recibió el público?
Con mucha calidez.
El papel que interpreté -el Duca di Mantova ("La donna e mobile") - es un rol tremendo, muy difícil pero a la vez muy conocido, porque incluye el aria “La donna e movile”, una de las más famosas de la lírica universal.
La mayoría de la gente, sin embargo, no sabe que esa pieza esta ahí, así que siempre que empiezan los primeros acordes se escucha un rumor en el público y todos están muy atentos.
Cantarla es una responsabilidad muy grande pero, a la vez, es un momento fantástico.
¿Qué diferencias encontrás con los públicos de otros lugares del mundo?
El publico argentino es uno de los mejores con los que me tocó cantar, porque es muy cálido y expresivo.
Hay lugares como Inglaterra o Alemania donde no se aplaude durante toda la ópera, pero al final se despachan con un aplauso que no termina más.
Acá se va generando una atmósfera desde los primeros momentos de la función.
Y todo eso confluye en un aplauso final impresionante.
Igualmente, cada teatro tiene sus características particulares y cada lugar su recuerdo único.
¿En qué pensás cuando estás en el escenario?
En muchas cosas: es importante acordarse de los movimientos, de la música, de la letra, de cómo respirar para cada frase que viene y cómo dosificar la energía para poder llegar al final.
Además, hay que cantar mirando siempre al público (porque no tenemos micrófono), hay que superar a la orquesta y llegar hasta la última persona ubicada en el último asiento.
Pienso en todo eso y a la vez en disfrutar, porque es un disfrute poder cantar.
¿Seguís en contacto con el mundo del rock?
Siempre seguí conectado con el rock. Hace poco grabé una versión de Libertango con el grupo Taita y un tema de Ronnie James Dio (de Black Sabbath) con Beto Vázquez.
Sin importar el género, siempre creo que si la música conmueve es porque está bien hecha.
Interpretar un tema musical es formar parte de una expresión de muchos sentimientos, sin importar que sea ópera o rock.
Schmunck -- Villa Ballester
El Intendente Municipal de Villa Ballester, Ricardo Ivoskus, mantuvo esta mañana una reunión con el tenor internacional nacido en Ballester, Dario Schmunck, a quien declaró Ciudadano Ilustre del distrito en un acto que se llevó adelante en el Salón de los Escudos de la comuna
Contó con la presencia de funcionarios municipales, familiares y amigos del cantante, y medios de prensa local.
El artista, nacido en la ciudad de Villa Balester, es actualmente considerado como uno de los más grandes exponentes del género a nivel mundial.
"Realmente no soy un hombre de palabras, no soy bueno en esto. Pero si lo fuera, de todos modos no podría describir el orgullo que me genera esta distinción", se sinceró el tenor, visiblemente emocionado.
"Es hermoso poder volver acá, a mi ciudad, a mi lugar en el mundo, donde me siento seguro."
"Muchas veces, al hablar de personas que dedicamos nuestra vida a viajar por motivos de trabajo, la gente piensa que tenemos un privilegio superior."
"Y esto no siempre es así", soslayó.
"El único privilegio es volver a sentirme seguro en este suelo."
"Donde comencé y empecé a tomar mis primeras clases de canto.”- indicó.
Ivoskus fue el encargado de entregarle el expediente con el Decreto que registra la distinción por parte del departamento ejecutivo de la comuna.
El intendente, flanqueado por Schmunck y por Helmut Ditsch,- quien asistió a la ceremonia- expresó su satisfacción por la gran cantidad de talentos que siguen surgiendo en la comuna y añadió que "de la misma manera que Helmut expuso en la Casa Carnacini, nos sentiríamos muy gustosos de que Schmunck actúe en el Complejo Plaza".
El tenor, de inmediato se comprometió a buscar una fecha para brindar un espectáculo en el complejo Plaza.
Como cierre del acto, el tenor improvisó a cappella un breve pasaje de la ópera Rigoletto de Verdi.
Entre los mejores
Darío Schmunck, quién recibió el más extendido reconocimiento internacional y fue dirigido por los más grandes directores del mundo, desarrolló sus estudios junto a los maestros Andrés Risso y Nino Falzetti, y participó en clases magistrales con Régine Crespin, Denise Dupleix y Antonio Carangelo, referentes artísticos trascendentales.
En 1992 hizo su debut como solista en el Teatro Argentino de La Plata.
En 1997, en el Teatro Colón de Buenos Aires, con una obra de Beethoven.
Ese mismo año es contratado para ser parte del ensamble de solistas por dos temporadas en Alemania, donde canta, roles de obras de Mozart, de Poulenc, de Verdi y de Strauss.
Desde ese momento participó en las producciones de Donizetti en Alemania, de Verdi en la Volksoper de Viena, donde el año 2000 es contratado para ser parte del elenco estable.
Cantó también en Noruega, Portugal, y Suiza, e interpretó los roles de las obras más prestigiosas de la lírica universal en Madrid, Génova y en la Royal Opera House, de Londres.
Fue convocado para la reapertura del más importante teatro lírico de Venecia y luego debutó en la Scala de Milán.
Asimismo, cantó en el Teatro Colón Buenos Aires, en el Teatro Real de Madrid, Opera di Roma, en la Opera Tokyo, en los Campos Elíseos en París, Berlín y Munich.
Contó con la presencia de funcionarios municipales, familiares y amigos del cantante, y medios de prensa local.
El artista, nacido en la ciudad de Villa Balester, es actualmente considerado como uno de los más grandes exponentes del género a nivel mundial.
"Realmente no soy un hombre de palabras, no soy bueno en esto. Pero si lo fuera, de todos modos no podría describir el orgullo que me genera esta distinción", se sinceró el tenor, visiblemente emocionado.
"Es hermoso poder volver acá, a mi ciudad, a mi lugar en el mundo, donde me siento seguro."
"Muchas veces, al hablar de personas que dedicamos nuestra vida a viajar por motivos de trabajo, la gente piensa que tenemos un privilegio superior."
"Y esto no siempre es así", soslayó.
"El único privilegio es volver a sentirme seguro en este suelo."
"Donde comencé y empecé a tomar mis primeras clases de canto.”- indicó.
Ivoskus fue el encargado de entregarle el expediente con el Decreto que registra la distinción por parte del departamento ejecutivo de la comuna.
El intendente, flanqueado por Schmunck y por Helmut Ditsch,- quien asistió a la ceremonia- expresó su satisfacción por la gran cantidad de talentos que siguen surgiendo en la comuna y añadió que "de la misma manera que Helmut expuso en la Casa Carnacini, nos sentiríamos muy gustosos de que Schmunck actúe en el Complejo Plaza".
El tenor, de inmediato se comprometió a buscar una fecha para brindar un espectáculo en el complejo Plaza.
Como cierre del acto, el tenor improvisó a cappella un breve pasaje de la ópera Rigoletto de Verdi.
Entre los mejores
Darío Schmunck, quién recibió el más extendido reconocimiento internacional y fue dirigido por los más grandes directores del mundo, desarrolló sus estudios junto a los maestros Andrés Risso y Nino Falzetti, y participó en clases magistrales con Régine Crespin, Denise Dupleix y Antonio Carangelo, referentes artísticos trascendentales.
En 1992 hizo su debut como solista en el Teatro Argentino de La Plata.
En 1997, en el Teatro Colón de Buenos Aires, con una obra de Beethoven.
Ese mismo año es contratado para ser parte del ensamble de solistas por dos temporadas en Alemania, donde canta, roles de obras de Mozart, de Poulenc, de Verdi y de Strauss.
Desde ese momento participó en las producciones de Donizetti en Alemania, de Verdi en la Volksoper de Viena, donde el año 2000 es contratado para ser parte del elenco estable.
Cantó también en Noruega, Portugal, y Suiza, e interpretó los roles de las obras más prestigiosas de la lírica universal en Madrid, Génova y en la Royal Opera House, de Londres.
Fue convocado para la reapertura del más importante teatro lírico de Venecia y luego debutó en la Scala de Milán.
Asimismo, cantó en el Teatro Colón Buenos Aires, en el Teatro Real de Madrid, Opera di Roma, en la Opera Tokyo, en los Campos Elíseos en París, Berlín y Munich.
Schmunck: Rinuccio -- "Firenze e come un albero fiorito"
“Senza trucco!…” Dario Schmunck
settembre 12, 2009
Giorgio Bagnoli
In questi giorni è impegnato a cantare il ruolo di Tebaldo ne I Capuleti e i Montecchi di Bellini, alla Deutsche Oper di Berlino.
Un ruolo di “cattivo”, o meglio di antagonista amoroso, abbastanza inusuale per la voce di tenore, da sempre destinata ad essere contrapposta a quella del baritono.
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Il tenore argentino Dario Schmunck, trova in Bellini (ha recentemente inciso La Straniera ) e in Donizetti i suoi autori ideali.
Lo possiamo anche definire un “tenore per caso”, visto che la sua prima grande passione musicale era per l’Heavy Metal.
In questa intervista Schmunck si lascia scoprire in quelle che sono le sue passioni, ma anche debolezze e fragilità
Il tratto principale del tuo carattere?
L’onestà verso me stesso e con gli altri
Il tuo principale difetto?
Un eccesso di autocritica
Segno zodiacale?
Leone ascendente toro
Superstizioso?
No, ma a volte ho dei riti, diciamo “scaramantici”. Quando sono soddisfatto di una recita, per quella successiva vorrei ricreare le stesse condizioni favorevoli che hanno determinato l’ottima riuscita…In realtà non funziona quasi mai!
Cosa volevi fare da grande?
Sicuramente non il cantante lirico.
Nella mia famiglia non c’era nessun artista.
Mio padre era calzolaio.
Io ho iniziato a lavorare nel suo negozio e mi dedicavo alla musica Heavy Metal…
Poi?…
Quasi casualmente mi sono accostato alla musica classica, poi sono entrato nel coro di La Plata ed è partito un po’ tutto…
I tuoi ricordi più cari…
Sono molti, sicuramente legati ai miei genitori che non ho. Ricordo il loro stupore, l’emozione che avevano quando mi hanno sentito al mio debutto come solista…
Il tuo ideale di felicità…
Realizzarmi nella vita privata: avere una famiglia fantastica. Non ho mai messo la carriera al primo posto della mia vita
Il momento di massimo orgoglio…
Quando ho superato l’audizione per entrare nel Coro Argentino di La Plata, che mi dava la possibilità di vivere nella musica
La tua sfida più importante
E’ la sfida del mio lavoro:mantenere il mio livello artistico il più alto possibile,cercando di non cadere nella “routine”
Un libro che hai amato…
“Il potere di adesso” di Eckhardt Tolle. Un libro straordinario sulla spiritualità. Quando lo leggi provi sensazioni di pace e serenità straordinari
Cosa ti manca di più nella tua vita di oggi?
Pur amando molto il mio lavoro, sicuramente sento sempre l’assenza dei miei affetti
Un ricordo triste?
Nel 2006, al Festival di Martina Franca cantavo “Idomeneo” di Mozart nella versione di Richard Strauss.
In Argentina mia madre stava per morire e io non ho potuto raggiungerla e vederla per un’ultima volta perché non avevo nessun cantante che mi poteva sostituire.
Che importanza dai al denaro?
Molto poca. Dovrei avere un maggior autocontrollo. Mi sono sono reso conto che soffro di una sorta di frenesia da shopping, soprattutto quando sono per lunghi periodi lontano da casa
Raccontami un tuo sogno ricorrente?
Entrare in scena e avere la netta sensazione di non sapere la parte. Un incubo che sicuramente condivido con molti altri artisti
Di che cosa hai paura?
Di non avere la sensazione di essere felice
A te, chi o cosa ti imbarazza?
Ballare. Mi sento del tutto imbranato e inadeguato
La situazione più rilassante?
Tornare a casa dopo una recita
Materia scolastica preferita?
La geografia
Città preferita?
Buenos Aires e Madrid
Colore preferito?
Il viola
Fiore preferito?
La rosa
Vacanza ideale?
Vorrei andare nel nord del Brasile
Giorno o notte?
Il giorno
Il film più amato?
“Braveheart” di Mel Gibson
La stagione dell’anno?
La primavera
Il tuo rapporto con il cibo?
Un problema tremendo, una lotta costante con la bilancia. Anche in questo caso, ho un rapporto nervoso con il cibo, una sorta di compensazione ai momenti di solitudine
Piatto preferito?
Da buon argentino, la carne. Credo anche di saperla cucinare piuttosto bene.
Il cantante o i cantanti preferiti?
Fritz Wunderlich
Giuseppe Di Stefano
Luciano Pavarotti
Ronnie James Dio.
A chi non conoscesse la sua voce, cosa faresti ascoltare di te?
“Salut demeure” dal “Faust” di Gounod
Il rapporto con la tua voce?
Di assoluto rispetto.
Non credo di averne mai forzato la natura. Ho sempre fatto delle scelte consapevoli.
Mi sono state spesso offerto di cantare “Don Carlo” o “Boheme” ma, almeno per adesso non mi sento adatto
Se adesso potessi scegliere un ruolo?
Mi piacerebbe cantare la “Manon” di Massenet o il “Roberto Devereux” di Donizetti, il mio autore preferito
Cosa fai un’ora prima di salire sul palco?
Cerco di rilassarmi, di ricordare cosa dovrò cantare….mi chiedo anche perche canto (risata). Poi il mio pensiero va sempre ai miei Maestri, e principalmente pensare a Griselda, la mia fidanzata e alla mia famiglia, e a i miei parenti…
Cosa non manca mai nel tuo camerino?
Integratori e mille botiglie di acqua!…(risata)
A cosa pensi quando ti guardi allo specchio?
A tutto quello che ho fatto ed in quello che non ho potuto fare
Come vorresti morire?
Sereno e con Griselda accanto a me
Stato d’animo attuale?
Eccellente, ma sotto stress…
Il tuo motto?
Cercare di essere sempre semplice e positivo (cosa che non e facile…)
*********************
Il tenore Dario Schmunck è nato a Villa Ballester,
nella provincia di Buenos Aires, Argentina.
Ha iniziato gli studi musicali con il Maestro Andrés Risso e successivamente con il professor Nino Falzetti.
Ha quindi seguito “master classes” con Régine Crespin, Denise Dupleix e Antonio Carangelo.
Il suo esordio risale al 1992 nel ruolo di Lindoro nell’ “L’italiana in Algeri” al Teatro Argentino de La Plata (Argentina) dove ha poi cantato ne “Il Barbiere di Siviglia” e “Don Giovanni”.
In 1997 ha debuttato al Teatro Colón in Buenos Aires come Jacquino nel “Fidelio” di Beethoven’s “Fidelio”.
Successivamente si è trasferito in Europa, dove ha iniziato a esibirsi soprattutto nei teatri tedeschi.
Nel 1999 ad Ancona, ha vinto la s seconda edizione del “Concorso Internazionale di Canto Franco Corelli”.
Da allora canta regolarmente sui maggiori palcoscenici internazionali: Staatsoper di Vienna, Covent Garden di Londra, Scala di Milano, La Fenice di Venezia, Staatsoper e Volksoper di Vienna, ecc.
Il suo repertorio poggia principalemente sull’operismo italiano del nostro 800′, in particolare Donizetti (Lucia di Lammermoor, Elisir d’amore, Don Pasquale, Maria Stuarda…) e Verdi (La Traviata, Rigoletto).
Ho conosciuto Dario al teatro la Fenice in sartoria.
Di lui, oltre alla bellissima voce, ho apprezzato la sua
modestia, la sua gentilezza e la sua umanità.
Ho scorto anche in lui la malinconia degli uomini del SUD
e questo me lo fa amare ancora di più!!
settembre 12, 2009
Giorgio Bagnoli
In questi giorni è impegnato a cantare il ruolo di Tebaldo ne I Capuleti e i Montecchi di Bellini, alla Deutsche Oper di Berlino.
Un ruolo di “cattivo”, o meglio di antagonista amoroso, abbastanza inusuale per la voce di tenore, da sempre destinata ad essere contrapposta a quella del baritono.
---------------------
Il tenore argentino Dario Schmunck, trova in Bellini (ha recentemente inciso La Straniera ) e in Donizetti i suoi autori ideali.
Lo possiamo anche definire un “tenore per caso”, visto che la sua prima grande passione musicale era per l’Heavy Metal.
In questa intervista Schmunck si lascia scoprire in quelle che sono le sue passioni, ma anche debolezze e fragilità
Il tratto principale del tuo carattere?
L’onestà verso me stesso e con gli altri
Il tuo principale difetto?
Un eccesso di autocritica
Segno zodiacale?
Leone ascendente toro
Superstizioso?
No, ma a volte ho dei riti, diciamo “scaramantici”. Quando sono soddisfatto di una recita, per quella successiva vorrei ricreare le stesse condizioni favorevoli che hanno determinato l’ottima riuscita…In realtà non funziona quasi mai!
Cosa volevi fare da grande?
Sicuramente non il cantante lirico.
Nella mia famiglia non c’era nessun artista.
Mio padre era calzolaio.
Io ho iniziato a lavorare nel suo negozio e mi dedicavo alla musica Heavy Metal…
Poi?…
Quasi casualmente mi sono accostato alla musica classica, poi sono entrato nel coro di La Plata ed è partito un po’ tutto…
I tuoi ricordi più cari…
Sono molti, sicuramente legati ai miei genitori che non ho. Ricordo il loro stupore, l’emozione che avevano quando mi hanno sentito al mio debutto come solista…
Il tuo ideale di felicità…
Realizzarmi nella vita privata: avere una famiglia fantastica. Non ho mai messo la carriera al primo posto della mia vita
Il momento di massimo orgoglio…
Quando ho superato l’audizione per entrare nel Coro Argentino di La Plata, che mi dava la possibilità di vivere nella musica
La tua sfida più importante
E’ la sfida del mio lavoro:mantenere il mio livello artistico il più alto possibile,cercando di non cadere nella “routine”
Un libro che hai amato…
“Il potere di adesso” di Eckhardt Tolle. Un libro straordinario sulla spiritualità. Quando lo leggi provi sensazioni di pace e serenità straordinari
Cosa ti manca di più nella tua vita di oggi?
Pur amando molto il mio lavoro, sicuramente sento sempre l’assenza dei miei affetti
Un ricordo triste?
Nel 2006, al Festival di Martina Franca cantavo “Idomeneo” di Mozart nella versione di Richard Strauss.
In Argentina mia madre stava per morire e io non ho potuto raggiungerla e vederla per un’ultima volta perché non avevo nessun cantante che mi poteva sostituire.
Che importanza dai al denaro?
Molto poca. Dovrei avere un maggior autocontrollo. Mi sono sono reso conto che soffro di una sorta di frenesia da shopping, soprattutto quando sono per lunghi periodi lontano da casa
Raccontami un tuo sogno ricorrente?
Entrare in scena e avere la netta sensazione di non sapere la parte. Un incubo che sicuramente condivido con molti altri artisti
Di che cosa hai paura?
Di non avere la sensazione di essere felice
A te, chi o cosa ti imbarazza?
Ballare. Mi sento del tutto imbranato e inadeguato
La situazione più rilassante?
Tornare a casa dopo una recita
Materia scolastica preferita?
La geografia
Città preferita?
Buenos Aires e Madrid
Colore preferito?
Il viola
Fiore preferito?
La rosa
Vacanza ideale?
Vorrei andare nel nord del Brasile
Giorno o notte?
Il giorno
Il film più amato?
“Braveheart” di Mel Gibson
La stagione dell’anno?
La primavera
Il tuo rapporto con il cibo?
Un problema tremendo, una lotta costante con la bilancia. Anche in questo caso, ho un rapporto nervoso con il cibo, una sorta di compensazione ai momenti di solitudine
Piatto preferito?
Da buon argentino, la carne. Credo anche di saperla cucinare piuttosto bene.
Il cantante o i cantanti preferiti?
Fritz Wunderlich
Giuseppe Di Stefano
Luciano Pavarotti
Ronnie James Dio.
A chi non conoscesse la sua voce, cosa faresti ascoltare di te?
“Salut demeure” dal “Faust” di Gounod
Il rapporto con la tua voce?
Di assoluto rispetto.
Non credo di averne mai forzato la natura. Ho sempre fatto delle scelte consapevoli.
Mi sono state spesso offerto di cantare “Don Carlo” o “Boheme” ma, almeno per adesso non mi sento adatto
Se adesso potessi scegliere un ruolo?
Mi piacerebbe cantare la “Manon” di Massenet o il “Roberto Devereux” di Donizetti, il mio autore preferito
Cosa fai un’ora prima di salire sul palco?
Cerco di rilassarmi, di ricordare cosa dovrò cantare….mi chiedo anche perche canto (risata). Poi il mio pensiero va sempre ai miei Maestri, e principalmente pensare a Griselda, la mia fidanzata e alla mia famiglia, e a i miei parenti…
Cosa non manca mai nel tuo camerino?
Integratori e mille botiglie di acqua!…(risata)
A cosa pensi quando ti guardi allo specchio?
A tutto quello che ho fatto ed in quello che non ho potuto fare
Come vorresti morire?
Sereno e con Griselda accanto a me
Stato d’animo attuale?
Eccellente, ma sotto stress…
Il tuo motto?
Cercare di essere sempre semplice e positivo (cosa che non e facile…)
*********************
Il tenore Dario Schmunck è nato a Villa Ballester,
nella provincia di Buenos Aires, Argentina.
Ha iniziato gli studi musicali con il Maestro Andrés Risso e successivamente con il professor Nino Falzetti.
Ha quindi seguito “master classes” con Régine Crespin, Denise Dupleix e Antonio Carangelo.
Il suo esordio risale al 1992 nel ruolo di Lindoro nell’ “L’italiana in Algeri” al Teatro Argentino de La Plata (Argentina) dove ha poi cantato ne “Il Barbiere di Siviglia” e “Don Giovanni”.
In 1997 ha debuttato al Teatro Colón in Buenos Aires come Jacquino nel “Fidelio” di Beethoven’s “Fidelio”.
Successivamente si è trasferito in Europa, dove ha iniziato a esibirsi soprattutto nei teatri tedeschi.
Nel 1999 ad Ancona, ha vinto la s seconda edizione del “Concorso Internazionale di Canto Franco Corelli”.
Da allora canta regolarmente sui maggiori palcoscenici internazionali: Staatsoper di Vienna, Covent Garden di Londra, Scala di Milano, La Fenice di Venezia, Staatsoper e Volksoper di Vienna, ecc.
Il suo repertorio poggia principalemente sull’operismo italiano del nostro 800′, in particolare Donizetti (Lucia di Lammermoor, Elisir d’amore, Don Pasquale, Maria Stuarda…) e Verdi (La Traviata, Rigoletto).
Ho conosciuto Dario al teatro la Fenice in sartoria.
Di lui, oltre alla bellissima voce, ho apprezzato la sua
modestia, la sua gentilezza e la sua umanità.
Ho scorto anche in lui la malinconia degli uomini del SUD
e questo me lo fa amare ancora di più!!
Villa Ballester's Schmunck
Darío Schmunck es un tenor argentino nacido en Villa Ballester en 1965, que desde hace cuatro años forma parte de la compañía de la Volksoper de Viena y que ha sido invitado para el título inaugural de la temporada lírica 2004-2005 de La Fenice de Venecia.
Hizo el papel de Alfredo en La Traviata que dirigio Lorin Maazel en noviembre, en alternancia con el tenor Roberto Saccà, una de las principales estrellas de la actual escena lírica.
Renacida una vez más de su tercer incendio de 1996, la reinauguración de la Opera veneciana es sin duda uno de los hechos más esperados de toda la temporada europea.
El debut local de Schumunck tuvo lugar en el Teatro Argentino de La Plata, en 1992, con una ópera de Rossini.
Luego hizo algunos papeles en el Colón, entre ellos un celebrado Jaquino en el Fidelio (Beethoven) de 1997 y, un año antes, un sacerdote en La Flauta Mágica de Mozart.
Esa misma temporada audicionó para el director de la Opera de Essen, que vino al Colón para dirigir Aida, y consiguió trabajo en la Opera alemana para la temporada 1997-1998.
"Fue bastante duro —- admite Schmunck en la entrevista telefónica mantenida con Clarín desde el departamento vienés donde vive con su novia austríaca --." "En Essen canté unas 60 funciones en la temporada, sin contar los ensayos, por menos de lo que ganaba en el Coro del Argentino de La Plata".
Luego cantó también en Munich, Frankfurt, Bonn, hasta que recaló en la Volksoper de Viena.
La situación en Viena es hoy más cómoda que en Essen.
En 2003 hizo unas 25 funciones para cuatro títulos (La viuda alegre, El murciélago, Martha y La traviata), lo que le deja más tiempo libre para moverse por otros teatros europeos.
El exitoso Fausto de 2003 en la Opera de Bergen dio un vuelco en su carrera.
Fue a partir de esa experiencia que Sergio Segalini, director de La Fenice, lo convocó para La traviata:
"A partir de este tipo de cosas uno tal vez pueda acercarse a la posición que hoy tienen José Cura, Darío Volonté o Marcelo Alvarez".
Schmunck cita a los tres tenores argentinos que, junto con el selecto belcantista Raúl Giménez, ocupan un lugar especial en el mundo de la lírica.
¿Qué pasa con los tenores argentinos? ¿Están en alza?
En Europa se sabe que un cantante argentino es alguien que va a llegar con cierto profesionalismo y que va a cantar con cierta garra, y eso acá gusta mucho.
¿Eso tiene que ver con una escuela?
Yo creo que más con nuestro temperamento.
Hoy hay tres países que ofrecen tenores a la ópera: España, México y Argentina.
Italia, el mayor proveedor en la primera mitad del siglo, hoy no cuenta.
Creo que la escuela italiana murió. Hoy los chicos se apuran por escalar y se arruinan. No se toman tiempo.
¿Y cómo fue tu proceso?
Curioso.
Yo estudié con Nino Falzetti.
Cuando debuté en La Plata con La Italiana en Argel fue como tirarme a la pileta.
No tenía idea de cómo iba a responder mi sistema nervioso.
Tenía 27 años.
Había empezado a estudiar cuatro o cinco años antes, inducido por Andrés Risso.
Yo cantaba heavy metal con una banda de Ballester, Rara Avis, y hacíamos sobre todo cosas nuestras.
Fui a ver a Risso para mejorar mi rock, y terminé en el refuerzo del coro del Argentino de La Plata.
¿Tu experiencia con el rock te hizo las cosas más fáciles o más difíciles?
Me ayudó.
De hecho, fue mi conexión con la música.
En mi familia no hay nadie que se dedique al arte.
El rock pesado me dio soltura.
Cuando entré en La Plata nunca había visto una orquesta sinfónica.
¿Podrías nombrar un favorito?
Entre los tenores, Fritz Wunderlich.
Es la paz, un lago quietísimo. Hoy no hay tipos así.
Hay que volver a esas fuentes.
No creo que la técnica del canto haya cambiado tanto en cuarenta años.
Lo que cambió es el tiempo, la dedicación, la actitud en general.
Además del debut inaugural, Schmunck hará un segundo título en Venecia, una exhumación de Donizetti, Pia de Ptolomei, además de Doña Francisquita en el Teatro de la Zarzuela, y La Dolores en el Teatro Real.
Por ahora no tiene nada previsto en la Argentina.
Hizo el papel de Alfredo en La Traviata que dirigio Lorin Maazel en noviembre, en alternancia con el tenor Roberto Saccà, una de las principales estrellas de la actual escena lírica.
Renacida una vez más de su tercer incendio de 1996, la reinauguración de la Opera veneciana es sin duda uno de los hechos más esperados de toda la temporada europea.
El debut local de Schumunck tuvo lugar en el Teatro Argentino de La Plata, en 1992, con una ópera de Rossini.
Luego hizo algunos papeles en el Colón, entre ellos un celebrado Jaquino en el Fidelio (Beethoven) de 1997 y, un año antes, un sacerdote en La Flauta Mágica de Mozart.
Esa misma temporada audicionó para el director de la Opera de Essen, que vino al Colón para dirigir Aida, y consiguió trabajo en la Opera alemana para la temporada 1997-1998.
"Fue bastante duro —- admite Schmunck en la entrevista telefónica mantenida con Clarín desde el departamento vienés donde vive con su novia austríaca --." "En Essen canté unas 60 funciones en la temporada, sin contar los ensayos, por menos de lo que ganaba en el Coro del Argentino de La Plata".
Luego cantó también en Munich, Frankfurt, Bonn, hasta que recaló en la Volksoper de Viena.
La situación en Viena es hoy más cómoda que en Essen.
En 2003 hizo unas 25 funciones para cuatro títulos (La viuda alegre, El murciélago, Martha y La traviata), lo que le deja más tiempo libre para moverse por otros teatros europeos.
El exitoso Fausto de 2003 en la Opera de Bergen dio un vuelco en su carrera.
Fue a partir de esa experiencia que Sergio Segalini, director de La Fenice, lo convocó para La traviata:
"A partir de este tipo de cosas uno tal vez pueda acercarse a la posición que hoy tienen José Cura, Darío Volonté o Marcelo Alvarez".
Schmunck cita a los tres tenores argentinos que, junto con el selecto belcantista Raúl Giménez, ocupan un lugar especial en el mundo de la lírica.
¿Qué pasa con los tenores argentinos? ¿Están en alza?
En Europa se sabe que un cantante argentino es alguien que va a llegar con cierto profesionalismo y que va a cantar con cierta garra, y eso acá gusta mucho.
¿Eso tiene que ver con una escuela?
Yo creo que más con nuestro temperamento.
Hoy hay tres países que ofrecen tenores a la ópera: España, México y Argentina.
Italia, el mayor proveedor en la primera mitad del siglo, hoy no cuenta.
Creo que la escuela italiana murió. Hoy los chicos se apuran por escalar y se arruinan. No se toman tiempo.
¿Y cómo fue tu proceso?
Curioso.
Yo estudié con Nino Falzetti.
Cuando debuté en La Plata con La Italiana en Argel fue como tirarme a la pileta.
No tenía idea de cómo iba a responder mi sistema nervioso.
Tenía 27 años.
Había empezado a estudiar cuatro o cinco años antes, inducido por Andrés Risso.
Yo cantaba heavy metal con una banda de Ballester, Rara Avis, y hacíamos sobre todo cosas nuestras.
Fui a ver a Risso para mejorar mi rock, y terminé en el refuerzo del coro del Argentino de La Plata.
¿Tu experiencia con el rock te hizo las cosas más fáciles o más difíciles?
Me ayudó.
De hecho, fue mi conexión con la música.
En mi familia no hay nadie que se dedique al arte.
El rock pesado me dio soltura.
Cuando entré en La Plata nunca había visto una orquesta sinfónica.
¿Podrías nombrar un favorito?
Entre los tenores, Fritz Wunderlich.
Es la paz, un lago quietísimo. Hoy no hay tipos así.
Hay que volver a esas fuentes.
No creo que la técnica del canto haya cambiado tanto en cuarenta años.
Lo que cambió es el tiempo, la dedicación, la actitud en general.
Además del debut inaugural, Schmunck hará un segundo título en Venecia, una exhumación de Donizetti, Pia de Ptolomei, además de Doña Francisquita en el Teatro de la Zarzuela, y La Dolores en el Teatro Real.
Por ahora no tiene nada previsto en la Argentina.
Argentine tenors
Donde nacieron y que edad tienen los tenores argentinos más conocidos?
... los cinco mas conocidos son:
Dario Volonte,
nació en Marcos Paz, Province Bs Aires en 1963.
Jose Cura, nació en Rosario, pcia. Santa Fe en 1962.
Marcelo Alvarez, nació en Córdoba en 1963.
Darío Schmunck, nació en Villa Ballester, pcia. Bs. Aires en 1965.
Omar Hasan (el rugbier "puma"), nació en Tucuman en 1971.
... los cinco mas conocidos son:
Dario Volonte,
nació en Marcos Paz, Province Bs Aires en 1963.
Jose Cura, nació en Rosario, pcia. Santa Fe en 1962.
Marcelo Alvarez, nació en Córdoba en 1963.
Darío Schmunck, nació en Villa Ballester, pcia. Bs. Aires en 1965.
Omar Hasan (el rugbier "puma"), nació en Tucuman en 1971.
"Rinuccio" in "Gianni Schicchi": Schmunck
Darío Schmunck nació en Buenos Aires, Argentina, donde comenzó sus estudios con los maestros Andrés Risso y Nino Falzetti.
Participó en clases magistrales con Régine Crespin, Denise Dupleix y Antonio Carangelo.
En 1992 hizo su debut como solista interpretando el rol de Lindoro, en
"L'italiana in Algeri" de Rossini, en el Teatro Argentino de La Plata.
En 1997 debuta en el Teatro Colón de Buenos Aires, con el Jacquino de Fidelio de Beethoven.
Ese mismo año es contratado para ser parte del ensamble de solistas por dos temporadas del Aalto Musiktheater Essen (Alemania), donde canta, entre otros roles, Tamino en Die Zauberflöte de Mozart, el Chevalier de la Force de Dialogue de Carmélites de Poulenc, Alfredo en La Traviata de Verdi, Alfred en Die Fledermaus de J. Strauss.
Desde ese momento participó en las producciones de Maria di Rohan de Donizetti en Aachen (Alemania), Falstaff de Verdi en la Volksoper de Viena, L´equivoco stravagante de Rossini en Bad Wildbad (Alemania) dirigido por Alberto Zedda, Maria Stuarda de Donizetti en Wiesbaden (Alemania), Bayerische Staatsoper München y en la Frankfurt Opera.
En el año 2000 es contratado para ser parte del elenco estable de la Volksoper de Viena, donde cantó el Fenton en Falstaff, Nemorino en L'elisir d'amore, Alfredo en La Traviata, Fenton en Die lustigen Weiber von Windsor de Otto Nicolai, Príncipe Pio en La Generalade Vives, con puesta de Emilio Sagi; Luciano en Si de Mascagni, Alfredo en La Traviata, Lyonel en Martha de Flotow y Rosignol en Lustige Witwe de Lehar.
En 2003 cantó los siguientes roles: Fausto de Gounod en Bergen (Noruega), Ferrando de Così fan tutte en Lisboa (Portugal), y debutó con Ernesto de Don Pasquale en Saint Gallen (Suiza).
Interpretó además los roles de Fernando en Doña Francisquita, Celemin de La Dolores de Breton en Madrid, Ghino de Pia dei Tolomei de Donizetti, Duca de Rigoletto, Leopold en La Juive de Halevy en Londres dirigido por Daniel Oren, Ferrand de La favorite de Donizetti, Tebaldo en Capuleti ed i Montecchi en Genova y la Royal Opera House de Londres.
Fue convocado para la reapertura del Teatro La Fenice de Venecia dirigido por Lorin Maazel en la puesta de Robert Carsen de La Traviata.
Debutó en la Scala de Milán en Maria Stuarda junto a Mariela Devia, en la Royal Opera House de Londres junto a Anna Netrebko y Elina Garanca.
Fue dirigido por Marcello Viotti, Lorin Maazel, Daniel Oren, Donato Renzetti, Bruno Campanella, Mark Elder, Paolo Arrivabene, entre otros.
Cantó en los teatros alla Scala di Milano, Colón Buenos Aires, La Fenice de Venecia, Staatsoper Hamburg, Royal Opera House de Londres, Real de Madrid, Opera di Roma, San Carlo di Napoli, Opera Tokyo, des Champs-Elysées, Staatsoper Berlín, Deutsche Oper Berlin, Staatsoper de Viena, Carlo Felice di Genova, Vancouver Opera y Bayerische Staatsoper München.
Participó en clases magistrales con Régine Crespin, Denise Dupleix y Antonio Carangelo.
En 1992 hizo su debut como solista interpretando el rol de Lindoro, en
"L'italiana in Algeri" de Rossini, en el Teatro Argentino de La Plata.
En 1997 debuta en el Teatro Colón de Buenos Aires, con el Jacquino de Fidelio de Beethoven.
Ese mismo año es contratado para ser parte del ensamble de solistas por dos temporadas del Aalto Musiktheater Essen (Alemania), donde canta, entre otros roles, Tamino en Die Zauberflöte de Mozart, el Chevalier de la Force de Dialogue de Carmélites de Poulenc, Alfredo en La Traviata de Verdi, Alfred en Die Fledermaus de J. Strauss.
Desde ese momento participó en las producciones de Maria di Rohan de Donizetti en Aachen (Alemania), Falstaff de Verdi en la Volksoper de Viena, L´equivoco stravagante de Rossini en Bad Wildbad (Alemania) dirigido por Alberto Zedda, Maria Stuarda de Donizetti en Wiesbaden (Alemania), Bayerische Staatsoper München y en la Frankfurt Opera.
En el año 2000 es contratado para ser parte del elenco estable de la Volksoper de Viena, donde cantó el Fenton en Falstaff, Nemorino en L'elisir d'amore, Alfredo en La Traviata, Fenton en Die lustigen Weiber von Windsor de Otto Nicolai, Príncipe Pio en La Generalade Vives, con puesta de Emilio Sagi; Luciano en Si de Mascagni, Alfredo en La Traviata, Lyonel en Martha de Flotow y Rosignol en Lustige Witwe de Lehar.
En 2003 cantó los siguientes roles: Fausto de Gounod en Bergen (Noruega), Ferrando de Così fan tutte en Lisboa (Portugal), y debutó con Ernesto de Don Pasquale en Saint Gallen (Suiza).
Interpretó además los roles de Fernando en Doña Francisquita, Celemin de La Dolores de Breton en Madrid, Ghino de Pia dei Tolomei de Donizetti, Duca de Rigoletto, Leopold en La Juive de Halevy en Londres dirigido por Daniel Oren, Ferrand de La favorite de Donizetti, Tebaldo en Capuleti ed i Montecchi en Genova y la Royal Opera House de Londres.
Fue convocado para la reapertura del Teatro La Fenice de Venecia dirigido por Lorin Maazel en la puesta de Robert Carsen de La Traviata.
Debutó en la Scala de Milán en Maria Stuarda junto a Mariela Devia, en la Royal Opera House de Londres junto a Anna Netrebko y Elina Garanca.
Fue dirigido por Marcello Viotti, Lorin Maazel, Daniel Oren, Donato Renzetti, Bruno Campanella, Mark Elder, Paolo Arrivabene, entre otros.
Cantó en los teatros alla Scala di Milano, Colón Buenos Aires, La Fenice de Venecia, Staatsoper Hamburg, Royal Opera House de Londres, Real de Madrid, Opera di Roma, San Carlo di Napoli, Opera Tokyo, des Champs-Elysées, Staatsoper Berlín, Deutsche Oper Berlin, Staatsoper de Viena, Carlo Felice di Genova, Vancouver Opera y Bayerische Staatsoper München.
Carl Tanner as Luigi in "Il Tabarro"
Tenor Carl Tanner was born in 1962, in Arlington, Virginia.
Born into "very modest means," Tanner's earliest exposure to music was in the form of country icons such as John Denver, Willie Nelson, and Roy Clark.
Tanner began taking violin lessons at the age of 13 and, although he never took the instrument seriously, he claims that this was the start of his love for classical music.
A neighbour convinced him to try out for the high school chorus after hearing him sing in the shower, and after a year of singing as soloist for the chorus he auditioned for The Madrigals.
After graduating high school, Tanner attended the Shenandoah Conservatory of Music at Shenandoah University in Winchester, Virginia where in 1985 he earned a Bachelor's degree.
Upon his return to Arlington he enrolled in the Northern Virginia Trucking Academy and spent the next several years as a big rig truck driver.
To earn extra money he moonlighted as a modern-day bounty hunter for Arlington-area bail bondsmen.
A turning point for Tanner came one day while he was inching his way along Interstate 95 in the cab of his 18-wheeler, singing the Giacomo Puccini aria
"E lucevan le stelle"
from Act III of Tosca to pass the time, when a woman in a convertible in the next lane called up to him:
"Is that you, or is that the radio?"
"That's me, lady," Tanner replied.
"Well then, you've missed your calling," the woman declared.
"You should be singing for a living, not driving."[3]
Soon thereafter Tanner decided to embark upon a musical career.
With the support of his employer, he moved to New York City in 1990 and, in late 1991 while working as a singing waiter in the restaurant
"Bianchi and Margarita's", he was heard by Richard Gaddes, the head of the Santa Fe Opera, who arranged for him to join the Apprentice Program for Singers for 1992 (and then 1993) to obtain more training.
His most recent work was the role of Otello in Palm Beach Opera's Otello.
One of Tanner's first breaks came from the Opera Theatre of Northern Virginia, which signed him in 1994 to sing the title role in the rarely performed "Edgar" by Puccini.
Tanner has since starred in a variety of leading roles in major opera houses, including Pagliacci in La Monnaie, Brussels, "Cavaradossi" in the Minnesota Orchestra production of Tosca, and Radames (alongside soprano Angela Brown) in Opera Pacific's Aida.
After performances with the Washington National Opera in their 2004-2005 season productions of Samson and Delilah and "Il Trovatore", he returned to Santa Fe to sing "Calaf" in Turandot during the company's 2005 summer season.
Tanner has also sung Calaf at many major opera houses in Germany plus, in 2006, he sang the role at the Maggio Musicale Fiorentino under the direction of Zubin Mehta and toured with that festival organization to Japan for several more performances.
On the concert stage Tanner has performed as soloist with many symphony orchestras including the St. Louis and Atlanta Symphonies, and the Roanoke and West Virginia Symphony orchestras in Verdi's Requiem.
Perhaps most notably, he sang "O Holy Night" at the Christmas Tree lighting ceremony at the White House in 2004.
He has recorded Puccini's "Edgar" (title role) and the role of Menalaeus in Richard Strauss' Die ägyptische Helena with Deborah Voigt.
In November of 2006 Tanner released a CD of Christmas songs entitled Hear the Angel Voices.
He was inducted as a National Patron of Delta Omicron, an international professional music fraternity on August 8, 2005.
Tanner received an Honorary Doctorate in Music from his alma mater, Shenandoah University in 2009.
Tanner is an alumnus of Washington-Lee High School, the alma mater of actors Forrest Tucker, Gena Rowlands, Shirley MacLaine, Warren Beatty, Pat Priest, and Sandra Bullock.
References
Carl Tanner's official website
^ a b Shenandoah University Website commencement announcement from August 2009. http://www.su.edu/B03363835AF64829BDDFB873F4C6DA95.asp (retrieved August 2010)
^ "In the Opera Hall, This Trucker Delivers."
^ Washington Post article.
^ "SU Alumnus Carl Tanner Performs at National Tree Lighting"
^ Delta Omicron
^ Delta Omicron News August 8, 2005
^ The Whistle 2006, Page 6
"Till The Bounty Hunter Sings: Carl Tanner Went From Hunter To Rising Opera Star"
"Trucker Turned Tenor Sings 'Samson' "
"SU Alumnus Carl Tanner Performs at National Tree Lighting"
"In the Opera Hall, This Trucker Delivers: Carl Tanner's Career Is Picking Up Speed"
[edit] External linksCarl Tanner's official web site
Persondata
Name Tanner, Carl
Alternative names
Short description
Date of birth 1962
Place of birth
Date of death
Place of death
Retrieved from "http://en.wikipedia.org/wiki/Carl_Tanner"
Categories: 1962 births | Living people | People from Arlington County, Virginia | American opera singers | Operatic tenors
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Born into "very modest means," Tanner's earliest exposure to music was in the form of country icons such as John Denver, Willie Nelson, and Roy Clark.
Tanner began taking violin lessons at the age of 13 and, although he never took the instrument seriously, he claims that this was the start of his love for classical music.
A neighbour convinced him to try out for the high school chorus after hearing him sing in the shower, and after a year of singing as soloist for the chorus he auditioned for The Madrigals.
After graduating high school, Tanner attended the Shenandoah Conservatory of Music at Shenandoah University in Winchester, Virginia where in 1985 he earned a Bachelor's degree.
Upon his return to Arlington he enrolled in the Northern Virginia Trucking Academy and spent the next several years as a big rig truck driver.
To earn extra money he moonlighted as a modern-day bounty hunter for Arlington-area bail bondsmen.
A turning point for Tanner came one day while he was inching his way along Interstate 95 in the cab of his 18-wheeler, singing the Giacomo Puccini aria
"E lucevan le stelle"
from Act III of Tosca to pass the time, when a woman in a convertible in the next lane called up to him:
"Is that you, or is that the radio?"
"That's me, lady," Tanner replied.
"Well then, you've missed your calling," the woman declared.
"You should be singing for a living, not driving."[3]
Soon thereafter Tanner decided to embark upon a musical career.
With the support of his employer, he moved to New York City in 1990 and, in late 1991 while working as a singing waiter in the restaurant
"Bianchi and Margarita's", he was heard by Richard Gaddes, the head of the Santa Fe Opera, who arranged for him to join the Apprentice Program for Singers for 1992 (and then 1993) to obtain more training.
His most recent work was the role of Otello in Palm Beach Opera's Otello.
One of Tanner's first breaks came from the Opera Theatre of Northern Virginia, which signed him in 1994 to sing the title role in the rarely performed "Edgar" by Puccini.
Tanner has since starred in a variety of leading roles in major opera houses, including Pagliacci in La Monnaie, Brussels, "Cavaradossi" in the Minnesota Orchestra production of Tosca, and Radames (alongside soprano Angela Brown) in Opera Pacific's Aida.
After performances with the Washington National Opera in their 2004-2005 season productions of Samson and Delilah and "Il Trovatore", he returned to Santa Fe to sing "Calaf" in Turandot during the company's 2005 summer season.
Tanner has also sung Calaf at many major opera houses in Germany plus, in 2006, he sang the role at the Maggio Musicale Fiorentino under the direction of Zubin Mehta and toured with that festival organization to Japan for several more performances.
On the concert stage Tanner has performed as soloist with many symphony orchestras including the St. Louis and Atlanta Symphonies, and the Roanoke and West Virginia Symphony orchestras in Verdi's Requiem.
Perhaps most notably, he sang "O Holy Night" at the Christmas Tree lighting ceremony at the White House in 2004.
He has recorded Puccini's "Edgar" (title role) and the role of Menalaeus in Richard Strauss' Die ägyptische Helena with Deborah Voigt.
In November of 2006 Tanner released a CD of Christmas songs entitled Hear the Angel Voices.
He was inducted as a National Patron of Delta Omicron, an international professional music fraternity on August 8, 2005.
Tanner received an Honorary Doctorate in Music from his alma mater, Shenandoah University in 2009.
Tanner is an alumnus of Washington-Lee High School, the alma mater of actors Forrest Tucker, Gena Rowlands, Shirley MacLaine, Warren Beatty, Pat Priest, and Sandra Bullock.
References
Carl Tanner's official website
^ a b Shenandoah University Website commencement announcement from August 2009. http://www.su.edu/B03363835AF64829BDDFB873F4C6DA95.asp (retrieved August 2010)
^ "In the Opera Hall, This Trucker Delivers."
^ Washington Post article.
^ "SU Alumnus Carl Tanner Performs at National Tree Lighting"
^ Delta Omicron
^ Delta Omicron News August 8, 2005
^ The Whistle 2006, Page 6
"Till The Bounty Hunter Sings: Carl Tanner Went From Hunter To Rising Opera Star"
"Trucker Turned Tenor Sings 'Samson' "
"SU Alumnus Carl Tanner Performs at National Tree Lighting"
"In the Opera Hall, This Trucker Delivers: Carl Tanner's Career Is Picking Up Speed"
[edit] External linksCarl Tanner's official web site
Persondata
Name Tanner, Carl
Alternative names
Short description
Date of birth 1962
Place of birth
Date of death
Place of death
Retrieved from "http://en.wikipedia.org/wiki/Carl_Tanner"
Categories: 1962 births | Living people | People from Arlington County, Virginia | American opera singers | Operatic tenors
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Poda's "Trittico", Colon.
There doesn't seem to be an English wiki entry for "Stefano Poda" -- there is one in Italian and one in Spanish. The info should include
Stefano Poda, nacido en Trento, Italia, es un director de escena, escenógrafo, figurinista, diseñador de luces y coreógrafo italiano.
Con la finalidad de una interpretación operística estéticamente unitaria, Poda reúne las funciones de director de escena, escenógrafo, figurinista, diseñador de luces y coreógrafo.
Ha recorrido y recorre, con su característico sello estético, las ciudades de todo el mundo.
Sus puestas en escena, por un peculiar estilo, han despertado no sólo singular interés del público teatral y televisivo, sino que han obtenido también una excelente acogida de crítica, que le han valido titulares de Roger Alier como
“Stefano Poda: el mágico prodigioso”
en La Vanguardia de Barcelona.
El País, en España, ha comentado:
“Sus puestas en escena son tremendamente cargadas en lo conceptual, con segundas e intricadas terceras lecturas, pero funcionan también en la primera, en la inmediatez de la sensualidad escénica."
"Detrás hay una mente teórica de alto voltaje, pero también hay una genuina mente de teatro que sabe convertir en imágenes cautivadoras las ideas, una mente que sabe pensar en términos de escenario, que sabe iluminar exquisitamente, que crea un vestuario fantástico, que maneja un complejo movimiento de masas y personajes y que, al final, crea una producción sólidamente fundada en lo dramatúrgico y abarrocada y difícil en la creación.”
(El País, Año XXII.N°7.297).
Jaume Radigales, critico de La Vanguardia, en varios ensayos publicados (“El Esteta Sabio” del 1996; “La genial búsqueda del mito” del 1997; “Samson y el bautismo laico de Stefano Poda” del 1999; “Stefano Poda o el Fausto de la modernidad” del 2001) tilda su estilo de “Decadentismo Trágico”.
A partir de 1994 ha realizado más de 70 espectáculos entre España, Portugal, Italia, Sudamérica (Uruguay, Brasil, Argentina), Centro América, Bulgaria, Bélgica y USA.
En el Teatro Regio de Torino, en diciembre de 2008, firma la dirección escénica, la escenografía, el vestuario, las luces y la coreografía de la nueva producción de Thaïs de Massenet, representada con enorme éxito de público bajo la dirección musical de Gianandrea Noseda y con Barbara Frittoli en el rol protagónico.
Realiza el vestuario en la sastrería Tirelli de Roma.
La RAI produce un DVD en alta definición, editado por RAI Trade y distribuido por Arthaus.
En noviembre de 2009 pone en escena "Falstaff" en la Opéra Royal de Wallonie-Liège, retransmitido en 3D en 140 salas cinematográficas en USA, Italia, España, Bélgica. En 2009 prepara también Il Concilio de' Pianeti di Albinoni con Claudio Scimone y I Solisti Veneti.
En 2010, para el Teatro delle Muse di Ancona, prepara Hin und Zurück de Hindemith y L’Heure Espagnole de Ravel, y en febrero de nuevo Don Giovanni para el Palm Beach Opera Festival.
De sus puestas en escenas mas recientes han sido realizados 3 Dvd:
Thaïs, realizado por RaiTrade y distribuido por Arthaus, Falstaff por Dynamic e Il Concilio de' Pianeti por Metisfilm.
Además ha creado una puesta en escena para: Requiem de Mozart (1999); Stabat Mater de Pergolesi (2001); Requiem de Fauré (2004).
En diciembre de 1999, en el Teatro Solís de Montevideo, desmantelado durante su reconstrucción, crea "El Crepúsculo de un siglo" sobre el RÉQUIEM de W. A. Mozart, un espectáculo de metáforas teatrales que involucra a más de 300 artistas. En mayo de 2001, inaugura, en Montevideo, después de treinta años de reconstrucción, el Nuevo Teatro del Sodre, con una nueva producción de Aida.
Es autor de "La Isla de los Cipreses", obra para cantantes, actores, ballet, coro y orquesta, estrenada en 2002, en ocasión del 105 aniversario del Teatro Nacional de Costa Rica, emitida por Canal 13.
En 2005 pone en escena una adaptación de La Divina Commedia de Dante.
OPERAS:
1994 - "La Traviata" (Verdi)
1995 - Don Giovanni de Mozart (con diez reposiciones hasta el 2007 en diferentes teatros de Europa y Sudamérica, transmitida tres veces por Televisión Española);
1995 - Così fan tutte de Mozart (en Santander);
1995 - Nabucco de Verdi (que abrió la temporada del São Carlos de Lisboa y fue retransmitida por RTP);
1995 - Anna Bolena de Donizetti (en 97, con reposiciones en Oviedo y Montevideo, emitida por Canal 33 en Barcelona y por Canal 5 en Montevideo)
1995 - Lucia di Lammermoor de Donizetti
1995 - Madama Butterfly de Puccini (dos diferentes producciones nuevas, en 1998 y en 2002)
1996 - Die Zauberflöte de Mozart (repuesta siete veces entre Europa y Sudamérica, televisada por TVE en España, por Rede Globo en Brasil y por Canal 4 en Montevideo);
1998 - Falstaff de Verdi (en 98, grabada por TVE y emitida por Canal Digital; en 2007 una nueva producción para el Teatro Nacional de Costa Rica);
1998 - Aida de Verdi (tres diferentes producciones nuevas en 1998, en 2001 y en 2005, con 1200 artistas sobre el escenario, al aire libre);
1998 - La Serva Padrona de Pergolesi;
1999 - Maria Stuarda de Donizetti;
1999 - Samson et Dalila de Saint-Saëns (con Dolora Zajick)
2000 - Orfeo ed Euridice de Gluck;
2000 - La Medium de Menotti;
2001 - Macbeth de Verdi (dos producciones, una al aire libre);
2001 - Mefistofele de Boito;
2003 - La Forza del Destino de Verdi;
2003 - Faust de Gounod;
2004 - Il Trovatore de Verdi;
2007 - Le Nozze di Figaro de Mozart;
2007-08- Falstaff de Verdi (2007 e 2008; 2009 nueva realizacion);
2008 - Medea de Cherubini;
2008 - Carmen de Bizet;
2008 - Faust de Gounod;
2008 - Thaïs de Massenet (Teatro Regio di Torino);
2009 - Don Giovanni de Mozart (nueva realización);
2009 - Falstaff de Verdi (Jerez de la Frontera)
2009 - Il Concilio de' Pianeti (en el Palazzo della Ragione de Padova)
2009 - Falstaff di Verdi (en la Opéra Royal de Wallonie-Liège)
2010 - Don Giovanni de Mozart (en Palm Beach Opera)
2011 - Leggenda (en el Teatro Regio Torino)
2011 - Il Trittico (Giacomo Puccini, Teatro Colon). With Carl Tanner as Luigi and Dario Schmunck as Rinuccio.
Obtenido de «http://es.wikipedia.org/wiki/Stefano_Poda»
Stefano Poda, nacido en Trento, Italia, es un director de escena, escenógrafo, figurinista, diseñador de luces y coreógrafo italiano.
Con la finalidad de una interpretación operística estéticamente unitaria, Poda reúne las funciones de director de escena, escenógrafo, figurinista, diseñador de luces y coreógrafo.
Ha recorrido y recorre, con su característico sello estético, las ciudades de todo el mundo.
Sus puestas en escena, por un peculiar estilo, han despertado no sólo singular interés del público teatral y televisivo, sino que han obtenido también una excelente acogida de crítica, que le han valido titulares de Roger Alier como
“Stefano Poda: el mágico prodigioso”
en La Vanguardia de Barcelona.
El País, en España, ha comentado:
“Sus puestas en escena son tremendamente cargadas en lo conceptual, con segundas e intricadas terceras lecturas, pero funcionan también en la primera, en la inmediatez de la sensualidad escénica."
"Detrás hay una mente teórica de alto voltaje, pero también hay una genuina mente de teatro que sabe convertir en imágenes cautivadoras las ideas, una mente que sabe pensar en términos de escenario, que sabe iluminar exquisitamente, que crea un vestuario fantástico, que maneja un complejo movimiento de masas y personajes y que, al final, crea una producción sólidamente fundada en lo dramatúrgico y abarrocada y difícil en la creación.”
(El País, Año XXII.N°7.297).
Jaume Radigales, critico de La Vanguardia, en varios ensayos publicados (“El Esteta Sabio” del 1996; “La genial búsqueda del mito” del 1997; “Samson y el bautismo laico de Stefano Poda” del 1999; “Stefano Poda o el Fausto de la modernidad” del 2001) tilda su estilo de “Decadentismo Trágico”.
A partir de 1994 ha realizado más de 70 espectáculos entre España, Portugal, Italia, Sudamérica (Uruguay, Brasil, Argentina), Centro América, Bulgaria, Bélgica y USA.
En el Teatro Regio de Torino, en diciembre de 2008, firma la dirección escénica, la escenografía, el vestuario, las luces y la coreografía de la nueva producción de Thaïs de Massenet, representada con enorme éxito de público bajo la dirección musical de Gianandrea Noseda y con Barbara Frittoli en el rol protagónico.
Realiza el vestuario en la sastrería Tirelli de Roma.
La RAI produce un DVD en alta definición, editado por RAI Trade y distribuido por Arthaus.
En noviembre de 2009 pone en escena "Falstaff" en la Opéra Royal de Wallonie-Liège, retransmitido en 3D en 140 salas cinematográficas en USA, Italia, España, Bélgica. En 2009 prepara también Il Concilio de' Pianeti di Albinoni con Claudio Scimone y I Solisti Veneti.
En 2010, para el Teatro delle Muse di Ancona, prepara Hin und Zurück de Hindemith y L’Heure Espagnole de Ravel, y en febrero de nuevo Don Giovanni para el Palm Beach Opera Festival.
De sus puestas en escenas mas recientes han sido realizados 3 Dvd:
Thaïs, realizado por RaiTrade y distribuido por Arthaus, Falstaff por Dynamic e Il Concilio de' Pianeti por Metisfilm.
Además ha creado una puesta en escena para: Requiem de Mozart (1999); Stabat Mater de Pergolesi (2001); Requiem de Fauré (2004).
En diciembre de 1999, en el Teatro Solís de Montevideo, desmantelado durante su reconstrucción, crea "El Crepúsculo de un siglo" sobre el RÉQUIEM de W. A. Mozart, un espectáculo de metáforas teatrales que involucra a más de 300 artistas. En mayo de 2001, inaugura, en Montevideo, después de treinta años de reconstrucción, el Nuevo Teatro del Sodre, con una nueva producción de Aida.
Es autor de "La Isla de los Cipreses", obra para cantantes, actores, ballet, coro y orquesta, estrenada en 2002, en ocasión del 105 aniversario del Teatro Nacional de Costa Rica, emitida por Canal 13.
En 2005 pone en escena una adaptación de La Divina Commedia de Dante.
OPERAS:
1994 - "La Traviata" (Verdi)
1995 - Don Giovanni de Mozart (con diez reposiciones hasta el 2007 en diferentes teatros de Europa y Sudamérica, transmitida tres veces por Televisión Española);
1995 - Così fan tutte de Mozart (en Santander);
1995 - Nabucco de Verdi (que abrió la temporada del São Carlos de Lisboa y fue retransmitida por RTP);
1995 - Anna Bolena de Donizetti (en 97, con reposiciones en Oviedo y Montevideo, emitida por Canal 33 en Barcelona y por Canal 5 en Montevideo)
1995 - Lucia di Lammermoor de Donizetti
1995 - Madama Butterfly de Puccini (dos diferentes producciones nuevas, en 1998 y en 2002)
1996 - Die Zauberflöte de Mozart (repuesta siete veces entre Europa y Sudamérica, televisada por TVE en España, por Rede Globo en Brasil y por Canal 4 en Montevideo);
1998 - Falstaff de Verdi (en 98, grabada por TVE y emitida por Canal Digital; en 2007 una nueva producción para el Teatro Nacional de Costa Rica);
1998 - Aida de Verdi (tres diferentes producciones nuevas en 1998, en 2001 y en 2005, con 1200 artistas sobre el escenario, al aire libre);
1998 - La Serva Padrona de Pergolesi;
1999 - Maria Stuarda de Donizetti;
1999 - Samson et Dalila de Saint-Saëns (con Dolora Zajick)
2000 - Orfeo ed Euridice de Gluck;
2000 - La Medium de Menotti;
2001 - Macbeth de Verdi (dos producciones, una al aire libre);
2001 - Mefistofele de Boito;
2003 - La Forza del Destino de Verdi;
2003 - Faust de Gounod;
2004 - Il Trovatore de Verdi;
2007 - Le Nozze di Figaro de Mozart;
2007-08- Falstaff de Verdi (2007 e 2008; 2009 nueva realizacion);
2008 - Medea de Cherubini;
2008 - Carmen de Bizet;
2008 - Faust de Gounod;
2008 - Thaïs de Massenet (Teatro Regio di Torino);
2009 - Don Giovanni de Mozart (nueva realización);
2009 - Falstaff de Verdi (Jerez de la Frontera)
2009 - Il Concilio de' Pianeti (en el Palazzo della Ragione de Padova)
2009 - Falstaff di Verdi (en la Opéra Royal de Wallonie-Liège)
2010 - Don Giovanni de Mozart (en Palm Beach Opera)
2011 - Leggenda (en el Teatro Regio Torino)
2011 - Il Trittico (Giacomo Puccini, Teatro Colon). With Carl Tanner as Luigi and Dario Schmunck as Rinuccio.
Obtenido de «http://es.wikipedia.org/wiki/Stefano_Poda»
Nizza -- and her great grandmother: at the old Colon, 1884!
Perfil.com | "Los cantantes de ópera somos normales"
Posted by habitués en junio 13, 2011
Perfil.com
Amarilli Nizza y Juan Pons
"Los cantantes de ópera somos normales"
Il Trittico, que se presenta en el Teatro Colón, habla de tres fases distintas de la historia y la política italiana. El barítono español asegura que es una oportunidad para disfrutar a Puccini.
Por Gustavo Otero 05/06/11
Luego de 14 años de ausencia vuelve al escenario del Colón Il Trittico, de Giacomo Puccini, obra singular, ya que se conforma con tres óperas breves de temas contrastantes: la violenta tragedia Il tabarro, el lirismo de Suor Angelica y la cáustica comicidad de Gianni Schicchi.
Dos cantantes de trascendencia internacional están dentro de los elencos de la obra pucciniana: la soprano italiana Amarilli Nizza y el barítono español Juan Pons, ambos compartieron con PERFIL sus impresiones.
Historia. Amarrilli Nizza, al lado de Juan Pons, es de la nueva camada de sopranos. Su tatarabuela debutó en el Colón en 1884.
—¿Cómo son los personajes que interpretarán?
NIZZA: Angelica es noble y el convento es para ella una prisión. Vive con la angustia constante de no saber nada de su hijo, fruto de una relación extramatrimonial. Giorgetta es una mujer simple que se casó muy joven con un hombre mucho mayor que ella. Pero la pareja está rota desde la muerte del hijo. Ella busca salir de la vida deprimente dentro de un barco y busca en el amor del joven Luigi una salida.
PONS: Michele lleva una gran amargura dentro. Es la diferencia de edad, el amor perdido, el hijo muerto. Gianni Schicchi es astuto y despreciado por los aristócratas Donati. Pero hace una estafa que le sale bien. Me divierto mucho en el escenario
—¿Y desde lo vocal?
P: Es un gran reto componer dos personajes tan distintos. Michele es muy dramático, brutal y con agudos difíciles. …Schicchi es un juego donde hay que disfrutar.
N: Angelica es una parte complicada, con muchos agudos. Lo más difícil es cantar sin que las emociones quiebren la voz. Todas las veces termino llorando, probé mil veces no emocionarme y es imposible. Giorgetta emociona por su dramatismo. Siempre me meto dentro de un personaje, no sólo lo canto. Si está mal hacerlo, ¡para mí no hay esperanza!
Amarili Nizza tiene menos de 40 años y representa a la nueva generación de cantantes italianos. Pero proviene de una familia dedicada a la música. Su tatarabuela debutó en 1884 en el viejo Teatro Colón y luego cantó en 1903 en el Teatro de la Opera, estrenando para los porteños La Gioconda y Adriana Lecouvreur. La soprano se siente “conmocionada de tener datos de la carrera de su antepasada Medea Mei Finger, que cantó seis roles en Buenos Aires junto a artistas míticos, como Tamagno, Caruso o Toscanini. Es extraño y emocionante venir, a más de cien años, a cantar a la misma ciudad y a un teatro impresionante y bellísimo”.
Nizza belongs to the new generation of Italian singers. However, she hails from a family dedicated to music. Her great grandmother, Medea Mei Finger, had her debut at the Colon back in 1884, and she later sang at the "Teatro dell'Opera" the first Gioconda and Adriana Lecouvreur. Nizza feels "moved in having information of la Finger in Buenos Ayres. Finger sang six different roles in Buenos Ayres along such mythical artists like tenors Tamagno and Caruso and conductor Toscanini." "It is strange, and very moving, to come, a hundred years later, to sing in the same city and in an impressive and beautiful theatre", she said.
Juan Pons se presentó en 1993 y 1996 y también coincide en que el Colón es un teatro que impresiona. Sobre su vuelta, da “gracias a Dios de estar nuevamente” y “muy contento de poder contribuir en esta nueva etapa”.
—¿Los cantantes de ópera son aún divos?
P: Somos gente normal. Cuando no tengo trabajo me encanta tomar café en mi pueblo con amigos y conversar sobre cómo arreglar los problemas de mi municipio. Me gusta estar con gente joven y colaborar en sus carreras.
N: Somos personas que hacemos un trabajo bellísimo. Pero que es muy sacrificado. Estamos mucho fuera de casa y solos. Hay que tomarlo con fuerza y amor.
—¿Por qué recomendarían al público este espectáculo?
Why would you recommend "Trittico"?
N:
Estas tres óperas muestran tres fases diversas de la historia y la política italiana, además de las historias personales. En Gianni Schicchi la llegada de la gente nueva a las ciudades, o sea, los campesinos y mercaderes que superan a los nobles. En Suor Angelica, casi vemos la mano de la Inquisición, con las mujeres quemadas o confinadas en un convento. Y en Il tabarro, las miserables condiciones de trabajo luego de la Revolución Industrial.
------- "Trittico" show three different phases of Italian history and politics, besides the personal stories. In "Gianni Schicci", it's the arrival of the 'gente nova' to the city, i.e. contadini a mercanti which supersede the nobility. "Suor Angelica" shows almost the Inquisition. In "Il tabarro" we see the miserable conditions of work after the Industrial Revolution.
P: Puccini vale la pena siempre. La música es bellísima. Son tres óperas cortas y diferentes como tres tiempos de una sinfonía. No hay que perder la oportunidad.
‘Il Trittico’, en el Colón
Las funciones de Il Trittico, de Puccini, se llevarán a cabo los días 10, 11, 12, 15 y 17 de junio en el Teatro Colón.
La dirección musical está a cargo de Richard Buckley al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón. El diseño de escenografía corresponde a Daniel Feijoo, el de vestuario a Cristina Pineda y la dirección escénica e iluminación a Stefano Poda.
Intervendrán, en los roles principales, Juan Pons (Michele y Gianni Schicchi), Amarilli Nizza (Giorgetta y Suor Angelica), Carl Tanner (Luigi), Agnes Zwierko (la tía Princesa), Beatriz Díaz (Lauretta) y Dario Schmunck (Rinuccio). En la representación del sábado 11, cantarán Luis Gaeta, Haydee Dabusti, Fernando Chalabe, Virginia Wagner, Agnes Zwierko, Eliana Bayón y Dario Schmunck. Mientras que el 17, Haydee Dabusti y Virginia Wagner asumirán los papeles de Giorgetta y Suor Angelica.
Posted by habitués en junio 13, 2011
Perfil.com
Amarilli Nizza y Juan Pons
"Los cantantes de ópera somos normales"
Il Trittico, que se presenta en el Teatro Colón, habla de tres fases distintas de la historia y la política italiana. El barítono español asegura que es una oportunidad para disfrutar a Puccini.
Por Gustavo Otero 05/06/11
Luego de 14 años de ausencia vuelve al escenario del Colón Il Trittico, de Giacomo Puccini, obra singular, ya que se conforma con tres óperas breves de temas contrastantes: la violenta tragedia Il tabarro, el lirismo de Suor Angelica y la cáustica comicidad de Gianni Schicchi.
Dos cantantes de trascendencia internacional están dentro de los elencos de la obra pucciniana: la soprano italiana Amarilli Nizza y el barítono español Juan Pons, ambos compartieron con PERFIL sus impresiones.
Historia. Amarrilli Nizza, al lado de Juan Pons, es de la nueva camada de sopranos. Su tatarabuela debutó en el Colón en 1884.
—¿Cómo son los personajes que interpretarán?
NIZZA: Angelica es noble y el convento es para ella una prisión. Vive con la angustia constante de no saber nada de su hijo, fruto de una relación extramatrimonial. Giorgetta es una mujer simple que se casó muy joven con un hombre mucho mayor que ella. Pero la pareja está rota desde la muerte del hijo. Ella busca salir de la vida deprimente dentro de un barco y busca en el amor del joven Luigi una salida.
PONS: Michele lleva una gran amargura dentro. Es la diferencia de edad, el amor perdido, el hijo muerto. Gianni Schicchi es astuto y despreciado por los aristócratas Donati. Pero hace una estafa que le sale bien. Me divierto mucho en el escenario
—¿Y desde lo vocal?
P: Es un gran reto componer dos personajes tan distintos. Michele es muy dramático, brutal y con agudos difíciles. …Schicchi es un juego donde hay que disfrutar.
N: Angelica es una parte complicada, con muchos agudos. Lo más difícil es cantar sin que las emociones quiebren la voz. Todas las veces termino llorando, probé mil veces no emocionarme y es imposible. Giorgetta emociona por su dramatismo. Siempre me meto dentro de un personaje, no sólo lo canto. Si está mal hacerlo, ¡para mí no hay esperanza!
Amarili Nizza tiene menos de 40 años y representa a la nueva generación de cantantes italianos. Pero proviene de una familia dedicada a la música. Su tatarabuela debutó en 1884 en el viejo Teatro Colón y luego cantó en 1903 en el Teatro de la Opera, estrenando para los porteños La Gioconda y Adriana Lecouvreur. La soprano se siente “conmocionada de tener datos de la carrera de su antepasada Medea Mei Finger, que cantó seis roles en Buenos Aires junto a artistas míticos, como Tamagno, Caruso o Toscanini. Es extraño y emocionante venir, a más de cien años, a cantar a la misma ciudad y a un teatro impresionante y bellísimo”.
Nizza belongs to the new generation of Italian singers. However, she hails from a family dedicated to music. Her great grandmother, Medea Mei Finger, had her debut at the Colon back in 1884, and she later sang at the "Teatro dell'Opera" the first Gioconda and Adriana Lecouvreur. Nizza feels "moved in having information of la Finger in Buenos Ayres. Finger sang six different roles in Buenos Ayres along such mythical artists like tenors Tamagno and Caruso and conductor Toscanini." "It is strange, and very moving, to come, a hundred years later, to sing in the same city and in an impressive and beautiful theatre", she said.
Juan Pons se presentó en 1993 y 1996 y también coincide en que el Colón es un teatro que impresiona. Sobre su vuelta, da “gracias a Dios de estar nuevamente” y “muy contento de poder contribuir en esta nueva etapa”.
—¿Los cantantes de ópera son aún divos?
P: Somos gente normal. Cuando no tengo trabajo me encanta tomar café en mi pueblo con amigos y conversar sobre cómo arreglar los problemas de mi municipio. Me gusta estar con gente joven y colaborar en sus carreras.
N: Somos personas que hacemos un trabajo bellísimo. Pero que es muy sacrificado. Estamos mucho fuera de casa y solos. Hay que tomarlo con fuerza y amor.
—¿Por qué recomendarían al público este espectáculo?
Why would you recommend "Trittico"?
N:
Estas tres óperas muestran tres fases diversas de la historia y la política italiana, además de las historias personales. En Gianni Schicchi la llegada de la gente nueva a las ciudades, o sea, los campesinos y mercaderes que superan a los nobles. En Suor Angelica, casi vemos la mano de la Inquisición, con las mujeres quemadas o confinadas en un convento. Y en Il tabarro, las miserables condiciones de trabajo luego de la Revolución Industrial.
------- "Trittico" show three different phases of Italian history and politics, besides the personal stories. In "Gianni Schicci", it's the arrival of the 'gente nova' to the city, i.e. contadini a mercanti which supersede the nobility. "Suor Angelica" shows almost the Inquisition. In "Il tabarro" we see the miserable conditions of work after the Industrial Revolution.
P: Puccini vale la pena siempre. La música es bellísima. Son tres óperas cortas y diferentes como tres tiempos de una sinfonía. No hay que perder la oportunidad.
‘Il Trittico’, en el Colón
Las funciones de Il Trittico, de Puccini, se llevarán a cabo los días 10, 11, 12, 15 y 17 de junio en el Teatro Colón.
La dirección musical está a cargo de Richard Buckley al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón. El diseño de escenografía corresponde a Daniel Feijoo, el de vestuario a Cristina Pineda y la dirección escénica e iluminación a Stefano Poda.
Intervendrán, en los roles principales, Juan Pons (Michele y Gianni Schicchi), Amarilli Nizza (Giorgetta y Suor Angelica), Carl Tanner (Luigi), Agnes Zwierko (la tía Princesa), Beatriz Díaz (Lauretta) y Dario Schmunck (Rinuccio). En la representación del sábado 11, cantarán Luis Gaeta, Haydee Dabusti, Fernando Chalabe, Virginia Wagner, Agnes Zwierko, Eliana Bayón y Dario Schmunck. Mientras que el 17, Haydee Dabusti y Virginia Wagner asumirán los papeles de Giorgetta y Suor Angelica.
"Georgetta" in Colon's Trittico: Aida Amarilli Nizza
Amarilli Nizza, soprano italiana, nasce a Milano.
Nizza cresce in una famiglia dedita al canto da quattro generazioni.
Da bambina, Nizza comincia lo studio del pianoforte e poi del canto con la nonna Claudia Biadi da sempre sua insegnante.
Nel 1993 vince giovanissima il concorso Mattia Battistini ed esordisce nel ruolo di Madama Butterfly (Cio-Cio-San) di Puccini al teatro Flavio Vespasiano di Rieti.
Dopo una serie di esperienze giovanili, nel 2001 si affaccia alle ribalte internazionali.
La vocalità è duttile e autorevole e la tecnica vocale solida e raffinata.
Il fraseggio si esprime attraverso una ricchissima varietà di sfumature e le doti interpretative sono eccellenti.
La presenza fisica è di assoluto rilievo.
Queste sono le peculiarità che l' hanno portata ad emergere nei più prestigiosi Teatri e Festival internazionali: Staatsoper Vienna (Tosca 2007 e 2009) Fondazione Arena di Verona (Aida 2005/2006/2007/2008/2009/2010, I Pagliacci 2006, La Vedova Allegra 2005, Tosca 2004, Manon Lescaut 2011), Teatro del Maggio Musicale Fiorentino (Madama Butterfly 2008, I Pagliacci 2009), Teatro Regio di Torino (Edgar 2008), Teatro lirico di Cagliari (I Pagliacci 2009), Teatro Carlo Felice di Genova (Madama Butterfly 2006 ,Il Trovatore 2008), Teatro San Carlo di Napoli (Otello 2006 e Madama Butterfly 2006, Madama Butterfly 2009), Teatro dell'Opera di Roma ( Il Tabarro 2002, Francesca da Rimini 2003, Thais 2005, Carmen 2006,Amica 2008, Mefistofele 2010, Madama Butterfly 2010), Teatro alle Terme di Caracalla Roma (Madama Butterfly 2008, Aida 2010), Teatro Massimo di Palermo (I Vespri Siciliani 2004, I Pagliacci 2007, Tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi 2008, Aida 2008, Simon Boccanegra 2009, Nabucco 2010), Teatro Verdi di Trieste (Suor Angelica 2007, Manon Lescaut 2007, La Vedova Allegra 2005, I Cavalieri di Ekebù 2004, I Pagliacci 2003), Teatro Regio di Parma (Tosca 2002), Macerata Opera Festival (Aida 2001, Carmen 2002, I Pagliacci 2003, Simon Boccanegra 2004, Requiem di Verdi 2001), Deutsche Opera di Berlino (Aida 2003, I Pagliacci 2006, Suor Angelica 2007), Mosca Palazzo del Cremlino ( I Pagliacci 2007 ), Opera di Nizza ( Manon Lescaut 2009 ), Cesis Latvian Festival (Aida 2007), Palma di Mallorca (Tosca 2006), Avenches Opera Festival (Aida 2007), Megaron Mussikis di Atene (Aida 2001), New National Theatre di Tokyo (Tosca 2002, Il Trovatore 2002), Tokyo Bunka Kaikan (Tosca 2005, La Forza del destino 2011), Opera Royal Wallonie di Liegi (I Masnadieri 2005, Aida 2006),Teatro Campoamor di Oviedo ( Un ballo in maschera 2009), Busseto Verdi Festival (Luisa Miller 2002, Aida 2003, I Vespri Siciliani 2003, Requiem di Verdi 2004), Teatro Comunale di Modena (Manon Lescaut 2010, Ernani 2009, Suor Angelica 2007, Tabarro 2007, Gianni Schicchi 2007, I Vespri Siciliani 2004), Teatro Ponchielli Cremona (Adriana Lecouvreur 2002, Le Nozze di Figaro 2005), Teatro Municipale di Piacenza (MAnon Lescaut 2010,Ernani 2009, Tabarro 2007, Suor Angelica 2007, Aida 2003), Teatro Comunale di Ferrara ( Tabarro 2007, Suor Angelica 2007, I Vespri Siciliani 2004, Manon Lescaut 2010 ) Teatro Grande di Brescia (Adriana Lecouvreur 2002, Nozze di Figaro 2005), Teatro Argentina di Roma (Aida 2003 e Don Giovanni 2001), Tokyo Bunkamura ( I vespri siciliani 2007), Teatro Goldoni di Livorno ( Il trittico 2007), Teatro del Giglio di Lucca ( Il trittico 2007), Puccini festival Torre del lago ( Tosca 2009, Madama Butterfly 2010), Operaireland ( Tosca 2010), Teatro Cilea Reggio Calabria ( La Bohème 2010).
RICONOSCIMENTI:
Premio Orazio Tosi per Tosca - Regio di Parma (2002)
Premio Giulietta per Aida - Arena di Verona (2006)
Premio Internazionale Gianni Poggi per il Trittico - Piacenza (2007)
Premio Speciale Città di Anguillara (2007)
Premio Internazionale Tiberini D'Oro 2008 (San Lorenzo in Campo)
Premio Matassa d'Oro 2009 (Carpi)
Premio Giovanni Zenatello 2009 (Verona)
Premio Civetta d'oro 2010 alla carriera ( Vizzini)
Premio Marcella Pobbe 2010 ( Vicenza )
Premio Francesco Cilea 2011 ( Reggio Calabria)
Amarilli Nizza ha lavorato con grandi Maestri:
Maurizio Rinaldi,Zubin Metha,Daniel Oren,Eve Queler,Bruno Bartoletti, Alain Lombard,Philippe Auguin,Markus Letonja, Patrick Fourniller,Renato Palumbo,Maurizio Arena,Maurizio Benini, Gianluigi Gelmetti, Alain Guingal, Donato Renzetti, Giuliano Carella, Gianluca Martinenghi, Riccardo Frizza,Gunter Nehueld, Piegiorgio Morandi,Massimo De Bernardt, Stefano Ranzani, Kery-Linn Wilson, Steven Mercurio, Niksa Bareza, Ralph Weikart, Yoram David, Massimiliano Stefanelli, Viekoslav Sutey, Romano Gandolfi, George Pehlivanian, Paolo Carignani,Julian Kovachev,Carlo Palleschi,Roberto Rizzi-Brignoli,Paolo Arrivabeni, Fabrizio Maria Carminati,Antonino Fogliani.
E registi quali:
Franco Zeffirelli, Grahm Vick, PierLuigi Pizzi,Saverio Marconi,Vivien Hewitt Stefano Vizioli,Stephen Lawless,Jean Luis Grinda,Gianfranco De Bosio,Walter Pagliaro, Hugo De Ana, Gilbert Delfo, Alberto Fassini, Roberto De Simone, Massimo Ranieri, Federico Tiezzi, Nicolas Joel, Gino Landi, Cristina Pezzoli, Isabelle Wagner, Giorgio Gallione , Ivan Stefanutti, Dieter Kaegi, Leo de Bernardinis, Beppe De Tomasi, Pierfrancesco Maestrini, Renata Scotto, Antonello Madau Diaz, David Poutney, Goetzhe Friedrich, Pier Alli, Lorenzo Mariani,Renzo Giacchieri,Franca Valeri, Giovanni Scandella,Giulio Ciabatti,Francesco Micheli.
Numerosi progetti
Il Trittico Buenos Aires, Teatro Colon -- regie: S. Poda. Nizza as Giorgetta and Suor Angelica.
Aida Arena Verona
Madama Butterfly London Covent Garden
Nabucco Atene Herode Atticus
Il Trovatore Palermo Teatro Massimo
Macbeth Lipsia Staatsoper
Amarilli Nizza vive ad Anguillara Sabazia sulle rive del lago di Bracciano a nord di Roma.
Nizza cresce in una famiglia dedita al canto da quattro generazioni.
Da bambina, Nizza comincia lo studio del pianoforte e poi del canto con la nonna Claudia Biadi da sempre sua insegnante.
Nel 1993 vince giovanissima il concorso Mattia Battistini ed esordisce nel ruolo di Madama Butterfly (Cio-Cio-San) di Puccini al teatro Flavio Vespasiano di Rieti.
Dopo una serie di esperienze giovanili, nel 2001 si affaccia alle ribalte internazionali.
La vocalità è duttile e autorevole e la tecnica vocale solida e raffinata.
Il fraseggio si esprime attraverso una ricchissima varietà di sfumature e le doti interpretative sono eccellenti.
La presenza fisica è di assoluto rilievo.
Queste sono le peculiarità che l' hanno portata ad emergere nei più prestigiosi Teatri e Festival internazionali: Staatsoper Vienna (Tosca 2007 e 2009) Fondazione Arena di Verona (Aida 2005/2006/2007/2008/2009/2010, I Pagliacci 2006, La Vedova Allegra 2005, Tosca 2004, Manon Lescaut 2011), Teatro del Maggio Musicale Fiorentino (Madama Butterfly 2008, I Pagliacci 2009), Teatro Regio di Torino (Edgar 2008), Teatro lirico di Cagliari (I Pagliacci 2009), Teatro Carlo Felice di Genova (Madama Butterfly 2006 ,Il Trovatore 2008), Teatro San Carlo di Napoli (Otello 2006 e Madama Butterfly 2006, Madama Butterfly 2009), Teatro dell'Opera di Roma ( Il Tabarro 2002, Francesca da Rimini 2003, Thais 2005, Carmen 2006,Amica 2008, Mefistofele 2010, Madama Butterfly 2010), Teatro alle Terme di Caracalla Roma (Madama Butterfly 2008, Aida 2010), Teatro Massimo di Palermo (I Vespri Siciliani 2004, I Pagliacci 2007, Tabarro, Suor Angelica, Gianni Schicchi 2008, Aida 2008, Simon Boccanegra 2009, Nabucco 2010), Teatro Verdi di Trieste (Suor Angelica 2007, Manon Lescaut 2007, La Vedova Allegra 2005, I Cavalieri di Ekebù 2004, I Pagliacci 2003), Teatro Regio di Parma (Tosca 2002), Macerata Opera Festival (Aida 2001, Carmen 2002, I Pagliacci 2003, Simon Boccanegra 2004, Requiem di Verdi 2001), Deutsche Opera di Berlino (Aida 2003, I Pagliacci 2006, Suor Angelica 2007), Mosca Palazzo del Cremlino ( I Pagliacci 2007 ), Opera di Nizza ( Manon Lescaut 2009 ), Cesis Latvian Festival (Aida 2007), Palma di Mallorca (Tosca 2006), Avenches Opera Festival (Aida 2007), Megaron Mussikis di Atene (Aida 2001), New National Theatre di Tokyo (Tosca 2002, Il Trovatore 2002), Tokyo Bunka Kaikan (Tosca 2005, La Forza del destino 2011), Opera Royal Wallonie di Liegi (I Masnadieri 2005, Aida 2006),Teatro Campoamor di Oviedo ( Un ballo in maschera 2009), Busseto Verdi Festival (Luisa Miller 2002, Aida 2003, I Vespri Siciliani 2003, Requiem di Verdi 2004), Teatro Comunale di Modena (Manon Lescaut 2010, Ernani 2009, Suor Angelica 2007, Tabarro 2007, Gianni Schicchi 2007, I Vespri Siciliani 2004), Teatro Ponchielli Cremona (Adriana Lecouvreur 2002, Le Nozze di Figaro 2005), Teatro Municipale di Piacenza (MAnon Lescaut 2010,Ernani 2009, Tabarro 2007, Suor Angelica 2007, Aida 2003), Teatro Comunale di Ferrara ( Tabarro 2007, Suor Angelica 2007, I Vespri Siciliani 2004, Manon Lescaut 2010 ) Teatro Grande di Brescia (Adriana Lecouvreur 2002, Nozze di Figaro 2005), Teatro Argentina di Roma (Aida 2003 e Don Giovanni 2001), Tokyo Bunkamura ( I vespri siciliani 2007), Teatro Goldoni di Livorno ( Il trittico 2007), Teatro del Giglio di Lucca ( Il trittico 2007), Puccini festival Torre del lago ( Tosca 2009, Madama Butterfly 2010), Operaireland ( Tosca 2010), Teatro Cilea Reggio Calabria ( La Bohème 2010).
RICONOSCIMENTI:
Premio Orazio Tosi per Tosca - Regio di Parma (2002)
Premio Giulietta per Aida - Arena di Verona (2006)
Premio Internazionale Gianni Poggi per il Trittico - Piacenza (2007)
Premio Speciale Città di Anguillara (2007)
Premio Internazionale Tiberini D'Oro 2008 (San Lorenzo in Campo)
Premio Matassa d'Oro 2009 (Carpi)
Premio Giovanni Zenatello 2009 (Verona)
Premio Civetta d'oro 2010 alla carriera ( Vizzini)
Premio Marcella Pobbe 2010 ( Vicenza )
Premio Francesco Cilea 2011 ( Reggio Calabria)
Amarilli Nizza ha lavorato con grandi Maestri:
Maurizio Rinaldi,Zubin Metha,Daniel Oren,Eve Queler,Bruno Bartoletti, Alain Lombard,Philippe Auguin,Markus Letonja, Patrick Fourniller,Renato Palumbo,Maurizio Arena,Maurizio Benini, Gianluigi Gelmetti, Alain Guingal, Donato Renzetti, Giuliano Carella, Gianluca Martinenghi, Riccardo Frizza,Gunter Nehueld, Piegiorgio Morandi,Massimo De Bernardt, Stefano Ranzani, Kery-Linn Wilson, Steven Mercurio, Niksa Bareza, Ralph Weikart, Yoram David, Massimiliano Stefanelli, Viekoslav Sutey, Romano Gandolfi, George Pehlivanian, Paolo Carignani,Julian Kovachev,Carlo Palleschi,Roberto Rizzi-Brignoli,Paolo Arrivabeni, Fabrizio Maria Carminati,Antonino Fogliani.
E registi quali:
Franco Zeffirelli, Grahm Vick, PierLuigi Pizzi,Saverio Marconi,Vivien Hewitt Stefano Vizioli,Stephen Lawless,Jean Luis Grinda,Gianfranco De Bosio,Walter Pagliaro, Hugo De Ana, Gilbert Delfo, Alberto Fassini, Roberto De Simone, Massimo Ranieri, Federico Tiezzi, Nicolas Joel, Gino Landi, Cristina Pezzoli, Isabelle Wagner, Giorgio Gallione , Ivan Stefanutti, Dieter Kaegi, Leo de Bernardinis, Beppe De Tomasi, Pierfrancesco Maestrini, Renata Scotto, Antonello Madau Diaz, David Poutney, Goetzhe Friedrich, Pier Alli, Lorenzo Mariani,Renzo Giacchieri,Franca Valeri, Giovanni Scandella,Giulio Ciabatti,Francesco Micheli.
Numerosi progetti
Il Trittico Buenos Aires, Teatro Colon -- regie: S. Poda. Nizza as Giorgetta and Suor Angelica.
Aida Arena Verona
Madama Butterfly London Covent Garden
Nabucco Atene Herode Atticus
Il Trovatore Palermo Teatro Massimo
Macbeth Lipsia Staatsoper
Amarilli Nizza vive ad Anguillara Sabazia sulle rive del lago di Bracciano a nord di Roma.
Luigi/Georgetta Duets -- With Amarilli Nizza, creating Georgette at the Colon -- "Trittico"
Amarilli Nizza, nata a Milano, è un soprano italiano.
Nizza vive sul lago di Bracciano, ad Anguillara Sabazia, Roma.
Nizza e la trisnipote del Soprano falcon Medea Mei FIGNER(nata a Firenze, 1859 - Parigi 1952), sua trisavola.
La Figner fu la musa di Tchaijkovskij, che per lei ed il marito, il tenore Niccola Figner, scrisse "La Dama di Picche" (1890) e "Iolanta" (1892) rappresentate al Teatro Marijnskij di San Pietroburgo.
Da bambina, Nizza, comincia lo studio del pianoforte e poi del canto con la nonna Claudia Biadi.
Nel 1993 vince giovanissima il concorso Mattia Battistini ed esordisce nel ruolo di Madama Butterfly (Cio-Cio-San) di Puccini al Teatro Flavio Vespasiano di Rieti.
Dopo una serie di esperienze giovanili, nel 2001 si affaccia alle ribalte internazionali.
Dove interpreta soprattutto il grande repertorio lirico Italiano.
Riconoscimenti
Premio Orazio Tosi per Tosca - Regio di Parma (2002)
Premio Giulietta per Aida - Arena di Verona (2006)
Premio Internazionale Gianni Poggi per il "Trittico" - Piacenza (2007)
Premio Speciale Città di Anguillara (2007)
Premio Internazionale Tiberini D'Oro 2008 (San Lorenzo in Campo)
Premio Matassa d'Oro 2009 (Carpi)
Premio Giovanni Zenatello 2009 (Verona)
Premio Civetta d'oro 2010 alla carriera (Vizzini)
Premio Marcella Pobbe 2010 (Vicenza)
Amarilli Nizza ha lavorato con grandi Maestri: Maurizio Rinaldi, Daniel Oren, Eve Queler, Bruno Bartoletti, Alain Lombard, Philippe Auguin, Markus Letonja, Patrick Fourniller, Renato Palumbo, Maurizio Arena, Maurizio Benini, Gianluigi Gelmetti, Alain Guingal, Donato Renzetti, Giuliano Carella,Gunter Nehueld, Piegiorgio Morandi,Massimo De Bernardt, Stefano Ranzani, Kery-Linn Wilson, Steven Mercurio, Niksa Bareza, Ralph Weikart, Yoram David, Massimiliano Stefanelli, Viekoslav Sutey, Romano Gandolfi, George Pehlivanian, Paolo Carignani,Julian Kovachev,Carlo Palleschi,Roberto Rizzi-Brignoli,Paolo Arrivabeni, Fabrizio Maria Carminati,Antonino Fogliani.
E registi quali:
Franco Zeffirelli, PierLuigi Pizzi,Saverio Marconi,Vivien Hewitt Stefano Vizioli,Stephen Lawless,Jean Luis Grinda,Gianfranco De Bosio,Walter Pagliaro, Hugo De Ana, Gilbert Delfo, Alberto Fassini, Roberto De Simone, Massimo Ranieri, Federico Tiezzi, Nicolas Joel, Gino Landi, Cristina Pezzoli, Isabelle Wagner, Giorgio Gallione , Ivan Stefanutti, Dieter Kaegi, Leo de Bernardinis, Beppe De Tomasi, Pierfrancesco Maestrini, Renata Scotto, Antonello Madau Diaz, David Poutney, Goetzhe Friedrich, Pier Alli, Lorenzo Mariani,Renzo Giacchieri,Franca Valeri, Giovanni Scandella,Giulio Ciabatti,Francesco Micheli.
Collegamenti esterni[modifica]Sito ufficiale
Estratto da "http://it.wikipedia.org/wiki/Amarilli_Nizza"
Categoria: Soprani italiani | [altre]
Categorie nascoste: Voci mancanti di fonti - cantanti | Voci mancanti di fonti - gennaio 2011 | Wikificare - cantanti | Wikificare - gennaio 2011 | BioBot
Nizza vive sul lago di Bracciano, ad Anguillara Sabazia, Roma.
Nizza e la trisnipote del Soprano falcon Medea Mei FIGNER(nata a Firenze, 1859 - Parigi 1952), sua trisavola.
La Figner fu la musa di Tchaijkovskij, che per lei ed il marito, il tenore Niccola Figner, scrisse "La Dama di Picche" (1890) e "Iolanta" (1892) rappresentate al Teatro Marijnskij di San Pietroburgo.
Da bambina, Nizza, comincia lo studio del pianoforte e poi del canto con la nonna Claudia Biadi.
Nel 1993 vince giovanissima il concorso Mattia Battistini ed esordisce nel ruolo di Madama Butterfly (Cio-Cio-San) di Puccini al Teatro Flavio Vespasiano di Rieti.
Dopo una serie di esperienze giovanili, nel 2001 si affaccia alle ribalte internazionali.
Dove interpreta soprattutto il grande repertorio lirico Italiano.
Riconoscimenti
Premio Orazio Tosi per Tosca - Regio di Parma (2002)
Premio Giulietta per Aida - Arena di Verona (2006)
Premio Internazionale Gianni Poggi per il "Trittico" - Piacenza (2007)
Premio Speciale Città di Anguillara (2007)
Premio Internazionale Tiberini D'Oro 2008 (San Lorenzo in Campo)
Premio Matassa d'Oro 2009 (Carpi)
Premio Giovanni Zenatello 2009 (Verona)
Premio Civetta d'oro 2010 alla carriera (Vizzini)
Premio Marcella Pobbe 2010 (Vicenza)
Amarilli Nizza ha lavorato con grandi Maestri: Maurizio Rinaldi, Daniel Oren, Eve Queler, Bruno Bartoletti, Alain Lombard, Philippe Auguin, Markus Letonja, Patrick Fourniller, Renato Palumbo, Maurizio Arena, Maurizio Benini, Gianluigi Gelmetti, Alain Guingal, Donato Renzetti, Giuliano Carella,Gunter Nehueld, Piegiorgio Morandi,Massimo De Bernardt, Stefano Ranzani, Kery-Linn Wilson, Steven Mercurio, Niksa Bareza, Ralph Weikart, Yoram David, Massimiliano Stefanelli, Viekoslav Sutey, Romano Gandolfi, George Pehlivanian, Paolo Carignani,Julian Kovachev,Carlo Palleschi,Roberto Rizzi-Brignoli,Paolo Arrivabeni, Fabrizio Maria Carminati,Antonino Fogliani.
E registi quali:
Franco Zeffirelli, PierLuigi Pizzi,Saverio Marconi,Vivien Hewitt Stefano Vizioli,Stephen Lawless,Jean Luis Grinda,Gianfranco De Bosio,Walter Pagliaro, Hugo De Ana, Gilbert Delfo, Alberto Fassini, Roberto De Simone, Massimo Ranieri, Federico Tiezzi, Nicolas Joel, Gino Landi, Cristina Pezzoli, Isabelle Wagner, Giorgio Gallione , Ivan Stefanutti, Dieter Kaegi, Leo de Bernardinis, Beppe De Tomasi, Pierfrancesco Maestrini, Renata Scotto, Antonello Madau Diaz, David Poutney, Goetzhe Friedrich, Pier Alli, Lorenzo Mariani,Renzo Giacchieri,Franca Valeri, Giovanni Scandella,Giulio Ciabatti,Francesco Micheli.
Collegamenti esterni[modifica]Sito ufficiale
Estratto da "http://it.wikipedia.org/wiki/Amarilli_Nizza"
Categoria: Soprani italiani | [altre]
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Interview with Poda
A conversation with the stage-manager Stefano Poda, who directed "Trittico" at the Colon.
With every production he creates an overall picture that he works out himself: stage management, décor, light, choreography! The spiritual journey of Thais!
Rarely, we have the possibility to meet the stage manager when there is a new production, because generally he is leaving the ensemble after the premiere. This was not the case with stage manager Poda, because he was staying in Torino for every performance.
The Teatro Regio di Torino has called on this Italian artist for the opera Thais from Massenet.
"During my stay in Torino, where I attended the performance with the two casts, I regularly met this great artist and we could exchange views about this production."
------------
Stefano Poda was born in Trento. He débuted in Rio de Janeiro, where he worked as assistant of Beni Montresor.
Poda worked in various theatres all over the world.
His big début as stage manager (décor, costumes) was at the teatro San Carlo in Lissabon fin 1995 with Mozart’s opera Don Giovanni with Carlos Alvarez in the star part.
This performance was broadcasted on television and his work received a lot of success with the audience and had very good reviews.
His work speaks well for his great intelligence and proves that he gives serious consideration to the story, the music, the philosophy, the expression and the photographic project.
He worked with many great singers in the world of the opera:
- Samson and Dalila: with Dolora Zajick in 1995
- Nabucco: with Giorgio Zancanaro in Lissabon 1995
- Traviata: with Carlos Alvarez as father Germont
- Die Zauberflöte: with José Bros as Tamino
- Etc…
Some pictures representing the vision of Poda for Verdi’s Aida
Back to the production of Thais in Torino:
Q: Before you start working on Thais, how do you see the two star parts Thais and Athanael?”
PODA:
The two personalities are very complex, but they have both their own story to live and their paths are crossing but they do not meet each other.
The epilogue is showing that the meaning of life in one big mystery.
In an opera, the artists do not talk, but are only singing.
The characters do not have a body, but only movements and thoughts.
In an opera the meaning of live stands on a very high level and is becoming more abstract.
Q: You are very special, but you also have a genius for your way of thinking. How long does it take to do a new production?
PODA:
Well, I first listen to the music.
As a housebreaker who wants to open a safe, I wait for the CLICK.
This comes sometimes spontaneously as in the case of Thais, but it also happens that I need more time.
At that moment, I close my eyes while I am listening to the music and the work can start.
I translate my ideas into practice and I make sketches and technical drawings.
This is a very important moment because at that particular moment I can see if my vision is aesthetically justified.
It is fundamental that every detail gives out the same concept!
I always look to the external reality and work it out the way I see.
For the costumes I worked together with Mrs. Santoria Tirelli and our co-operation was fantastic.
This house, located in Rome, is specialised in the making of customes for movies and opera productions.
Below, you see some creations for the opera Thais.
Thais is wearing the costumes during the performance.
Q: Stefano, I have seen your production. May I suppose that the curtain of the opera is like a mirror?
Stefano’s answer is firm:
PODA:
Correct! That’s the way it is! It is the key to my work.
The audience has to be his own audience!
The real protagonist is the audience that is interpreting the symbols in accordance to its own intellectual faculties.
In my work, everybody is watching their own feelings.
Q: Many of your characters are nearly naked. What is the meaning and how do you see the nudity?
PODA:
First I want to say that there is a great difference between nudity and sensuality.
In reality, it is very difficult to know the reality.
The naked bodies appearing in the scene of the convent represent the souls as for the illustrations of the Divina Comedia.
The choreography evocates the decadence, the fear and the despair, but is never erotic.
Together with Poda on stage
The activity on stage is progressing smoothly. There are no rough movements from the soloists and from the chorus. This is something very thrilling such as when Thais is going to the convent after Athanael brought her to that place. This is the most thrilling moment of the performance!!! A Spanish newspaper has called Stefano “THE REAL MAGICIEN!”
During one of our various conversations, I realised that the ideas of Stefano about the stage management would be highly appreciated by Maria Callas. Stefano answered:
“Callas was a phenomenon. She was a great artist and had a great personality!”
At the same period that Thais was played in Torino, this opera was also performed at the Metropolitan opera with Thomas Hampson and Renée Fleming.
A reporter wrote a review for La Stampa:
“The production of Poda was abstract and visual much better staged than the banality of John Cox at the Met!”
This is a wonderful compliment.
Below, pictures of two other productions. Left Mefistofele and right Orfeo!
I thanked Stefano for the explanation about his unforgettable régie and we agreed to meet in Liège for the opera Falstaff as this is the opera is near to your heart!
With every production he creates an overall picture that he works out himself: stage management, décor, light, choreography! The spiritual journey of Thais!
Rarely, we have the possibility to meet the stage manager when there is a new production, because generally he is leaving the ensemble after the premiere. This was not the case with stage manager Poda, because he was staying in Torino for every performance.
The Teatro Regio di Torino has called on this Italian artist for the opera Thais from Massenet.
"During my stay in Torino, where I attended the performance with the two casts, I regularly met this great artist and we could exchange views about this production."
------------
Stefano Poda was born in Trento. He débuted in Rio de Janeiro, where he worked as assistant of Beni Montresor.
Poda worked in various theatres all over the world.
His big début as stage manager (décor, costumes) was at the teatro San Carlo in Lissabon fin 1995 with Mozart’s opera Don Giovanni with Carlos Alvarez in the star part.
This performance was broadcasted on television and his work received a lot of success with the audience and had very good reviews.
His work speaks well for his great intelligence and proves that he gives serious consideration to the story, the music, the philosophy, the expression and the photographic project.
He worked with many great singers in the world of the opera:
- Samson and Dalila: with Dolora Zajick in 1995
- Nabucco: with Giorgio Zancanaro in Lissabon 1995
- Traviata: with Carlos Alvarez as father Germont
- Die Zauberflöte: with José Bros as Tamino
- Etc…
Some pictures representing the vision of Poda for Verdi’s Aida
Back to the production of Thais in Torino:
Q: Before you start working on Thais, how do you see the two star parts Thais and Athanael?”
PODA:
The two personalities are very complex, but they have both their own story to live and their paths are crossing but they do not meet each other.
The epilogue is showing that the meaning of life in one big mystery.
In an opera, the artists do not talk, but are only singing.
The characters do not have a body, but only movements and thoughts.
In an opera the meaning of live stands on a very high level and is becoming more abstract.
Q: You are very special, but you also have a genius for your way of thinking. How long does it take to do a new production?
PODA:
Well, I first listen to the music.
As a housebreaker who wants to open a safe, I wait for the CLICK.
This comes sometimes spontaneously as in the case of Thais, but it also happens that I need more time.
At that moment, I close my eyes while I am listening to the music and the work can start.
I translate my ideas into practice and I make sketches and technical drawings.
This is a very important moment because at that particular moment I can see if my vision is aesthetically justified.
It is fundamental that every detail gives out the same concept!
I always look to the external reality and work it out the way I see.
For the costumes I worked together with Mrs. Santoria Tirelli and our co-operation was fantastic.
This house, located in Rome, is specialised in the making of customes for movies and opera productions.
Below, you see some creations for the opera Thais.
Thais is wearing the costumes during the performance.
Q: Stefano, I have seen your production. May I suppose that the curtain of the opera is like a mirror?
Stefano’s answer is firm:
PODA:
Correct! That’s the way it is! It is the key to my work.
The audience has to be his own audience!
The real protagonist is the audience that is interpreting the symbols in accordance to its own intellectual faculties.
In my work, everybody is watching their own feelings.
Q: Many of your characters are nearly naked. What is the meaning and how do you see the nudity?
PODA:
First I want to say that there is a great difference between nudity and sensuality.
In reality, it is very difficult to know the reality.
The naked bodies appearing in the scene of the convent represent the souls as for the illustrations of the Divina Comedia.
The choreography evocates the decadence, the fear and the despair, but is never erotic.
Together with Poda on stage
The activity on stage is progressing smoothly. There are no rough movements from the soloists and from the chorus. This is something very thrilling such as when Thais is going to the convent after Athanael brought her to that place. This is the most thrilling moment of the performance!!! A Spanish newspaper has called Stefano “THE REAL MAGICIEN!”
During one of our various conversations, I realised that the ideas of Stefano about the stage management would be highly appreciated by Maria Callas. Stefano answered:
“Callas was a phenomenon. She was a great artist and had a great personality!”
At the same period that Thais was played in Torino, this opera was also performed at the Metropolitan opera with Thomas Hampson and Renée Fleming.
A reporter wrote a review for La Stampa:
“The production of Poda was abstract and visual much better staged than the banality of John Cox at the Met!”
This is a wonderful compliment.
Below, pictures of two other productions. Left Mefistofele and right Orfeo!
I thanked Stefano for the explanation about his unforgettable régie and we agreed to meet in Liège for the opera Falstaff as this is the opera is near to your heart!
Poda -- his Colon debut
From an interview for his American debut:
The production will be Italian stage director Stefano Poda's United States debut. Poda's take on the famous rake isn't what most people might expect. "I am not interested in Don Giovanni as a seducer," he said during a break from rehearsal recently at the Kravis Center. This about a character whose conquests are the subject of an entire aria? "Don Giovanni is above all a hero, a transgressor of laws and prohibitions: like Promethus who rebelled against the gods and raised a solitary flag from his own strength," Poda says in the director's notes for the production.
The character changes with the times, he said. Today, you'd scarcely be able to pick him out in a crowd, according to Poda. "Today, everybody wants to be Don Giovanni," he said. "It's everywhere. There are no limits."
********************************
Poda is an all-in-one director.
He not only steers the dramatic aspects of his productions, he also designs the sets, costumes and lighting.
(In this production he worked with lighting designer Marc Bagur.)
He has directed 70 productions, mostly in Spain, Portugal, and Central and South America.
Bruno Aprea, Palm Beach Opera's artistic director, became a fan of Poda's when he was invited to see his production of Thais in December 2008 at the Teatro Regio in Turin, Italy.
The only stage directors whose work has impressed him as much as Poda's are Robert Wilson and Robert Lepage, Aprea said.
"I'm proud to have discovered this great talent," he said.
"I am sure he will become one of the most famous directors in the world."
And maybe one of the most resilient.
The company had planned to use Poda's sets and costumes from a 1995 production of Don Giovanni.
But the ship that was to have carried the goods to the United States got stuck in Customs in Spain.
Company officials weren't alerted to the hold-up until late January — too late to transport anything by boat.
"We could have flown everything over, but that would have cost a fortune," General Director Daniel Biaggi said.
"Plus the artist got inspired and came up with a better solution."
Poda's solution was to create a production that combines old and new elements.
A large, white rectangular set piece with several doors in it was built locally.
The structure will frame 17 hand-painted scrims Poda created for other productions, which could be flown to Florida more cheaply than heavy sets.
The scrims — rendered in a style Poda describes as "baroque" — do the work of suggesting the opera's setting in 18th century Venice during the Carnival.
They can be opaque — like paintings — when illuminated from the front or translucent when lit from the back.
"Light is a fundamental aspect, because only light can reflect the spirituality of Mozart's music," Poda said.
There are few props and little portable scenery.
Poda professes to dislike high-tech productions, which he says rob opera of its poetry.
His staging for Don Giovanni is in some ways old-fashioned, yet it's far from literal, he said.
The combination of the austere minimalist frame, the lighting and the pictorial scrims position the opera in a timeless realm.
"Each set is a world, each is a state of consciousness," the director said.
What could have been a catastrophe worked out for the best, he said.
His new interpretation of Mozart's opera "is more evolved, because my whole way of thinking has changed since 1995," he said.
The production will be Italian stage director Stefano Poda's United States debut. Poda's take on the famous rake isn't what most people might expect. "I am not interested in Don Giovanni as a seducer," he said during a break from rehearsal recently at the Kravis Center. This about a character whose conquests are the subject of an entire aria? "Don Giovanni is above all a hero, a transgressor of laws and prohibitions: like Promethus who rebelled against the gods and raised a solitary flag from his own strength," Poda says in the director's notes for the production.
The character changes with the times, he said. Today, you'd scarcely be able to pick him out in a crowd, according to Poda. "Today, everybody wants to be Don Giovanni," he said. "It's everywhere. There are no limits."
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Poda is an all-in-one director.
He not only steers the dramatic aspects of his productions, he also designs the sets, costumes and lighting.
(In this production he worked with lighting designer Marc Bagur.)
He has directed 70 productions, mostly in Spain, Portugal, and Central and South America.
Bruno Aprea, Palm Beach Opera's artistic director, became a fan of Poda's when he was invited to see his production of Thais in December 2008 at the Teatro Regio in Turin, Italy.
The only stage directors whose work has impressed him as much as Poda's are Robert Wilson and Robert Lepage, Aprea said.
"I'm proud to have discovered this great talent," he said.
"I am sure he will become one of the most famous directors in the world."
And maybe one of the most resilient.
The company had planned to use Poda's sets and costumes from a 1995 production of Don Giovanni.
But the ship that was to have carried the goods to the United States got stuck in Customs in Spain.
Company officials weren't alerted to the hold-up until late January — too late to transport anything by boat.
"We could have flown everything over, but that would have cost a fortune," General Director Daniel Biaggi said.
"Plus the artist got inspired and came up with a better solution."
Poda's solution was to create a production that combines old and new elements.
A large, white rectangular set piece with several doors in it was built locally.
The structure will frame 17 hand-painted scrims Poda created for other productions, which could be flown to Florida more cheaply than heavy sets.
The scrims — rendered in a style Poda describes as "baroque" — do the work of suggesting the opera's setting in 18th century Venice during the Carnival.
They can be opaque — like paintings — when illuminated from the front or translucent when lit from the back.
"Light is a fundamental aspect, because only light can reflect the spirituality of Mozart's music," Poda said.
There are few props and little portable scenery.
Poda professes to dislike high-tech productions, which he says rob opera of its poetry.
His staging for Don Giovanni is in some ways old-fashioned, yet it's far from literal, he said.
The combination of the austere minimalist frame, the lighting and the pictorial scrims position the opera in a timeless realm.
"Each set is a world, each is a state of consciousness," the director said.
What could have been a catastrophe worked out for the best, he said.
His new interpretation of Mozart's opera "is more evolved, because my whole way of thinking has changed since 1995," he said.
Interview with S. Poda, who directed "Trittico" at Colon
Q:
Sig Poda, anzi Architetto Poda, di norma quando si parla di architettura si suole pensare agli interni od agli esterni di un edificio, mentre nel suo caso ritengo sia più corretto parlare di spazi. Infatti, fin dal primo allestimento –Traviata- ad oggi si è sempre proposto in qualità di regista, scenografo, coreografo, costumista, leight designer, ovvero quale totale realizzatore dello spazio dell’opera, ad esclusione della parte musicale. In un’intervista alla televisione italiana, durante la recente rappresentazione di ‘Rigoletto’ a Padova, lei si è definito un artigiano, ma se mi permette una battuta, direi un ‘artigiano dal multiforme ingegno”
PODA:
In realtà non ho mai saputo differenziare una professione dall’altra.
Per me tutto ha a che vedere con tutto -- come nella vita.
Ascolto la musica e la vedo, ne sento i sentimenti.
Pertanto non potrei mai chiedere ad altri di realizzare ciò che vedo o sento.
Mi sono fatto e formato a “modo mio”, fuori e lontano dal sistema, per cui non saprei neppure dire fino a che punto arriva la regia, la scenografia o la luce o meno la coreografia.
Non sono uno regista-scenografo e neppure uno scenografo-regista.
Ascolto la musica e creco di darvi corpo.
Sin da bambino ho cercato di raccogliere maniere, forme, mestiere e manualità per riuscirvi.
Per questo mi sento un artigiano.
Così mi succede in sartoria quando cerco la forma del costume, taglio le stoffe, oppure le dipingo, le brucio, le sfilaccio per renderle materiche o scultoriche.
Prima pensavo che bastasse dominare la drammaturgia o saper disegnare, poi mi son reso conto che non era neppure l’inizio, che bisognava saper operare direttamente sulla materia, poi (e questo soprattutto in anni recenti) ho dovuto pure superare una certa sfida tecnologica come per le luci.
Ma la vera sfida consiste nel riuscire a trasmettere una forma di visione ad altre persone che poi la trasmettano al pubblico, ossia ai cantanti, ai danzatori, ai tecnici, ai realizzatori.
E’ un metodo che mi sono formato da solo e che viene da lontano, che ha attraversato molte esperienze, molti Paesi, tante culture.
Ogni esperienza, ogni incontro ha generato un piccolo “click”, una piccola-grande scoperta, capitale sul momento, relativa nel tempo.
I passi sono stati lenti.
Piccole conquiste che unite insieme marcano un cammino, una piccola evoluzione che è stato per me anche Werdengang.
Prima è stato l’aspetto visivo, estetico, che però era innato e involontario, poi quello interno, quello sull’energia, che oggi è frose quello che più mi interessa perché è anche quello più misterioso, più ricco, più attraesnte.
Per esempio è stato molto, molto importante la scoperta del Butho, ossia della “non-danza”.
L’opera è un genere a sé, un genere per il quale mai si è elaborata una vera formula di espressione.
Vi si è applicata prima la maniera del teatro di prosa, poi del cinema, ora quella del teatro di regia (che è pura intelligenza e con l’intelligenza tutto è possibile).
Eppure nell’opera non parla, ma si canta.
Tutto viene spinto ad un grado di astrazione che non è quello della vita sveglia.
La musica, alla maniera del sogno, libera le catena del corpo e della mente.
La musica orta all’inconscio.
Non è problema di facile soluzione mettere in relazione il conscio e l’inconscio.
Viene da pensare che in un’epoca molto distante o primitiva, senza il riflesso condizionato di contaminazioni culturali, sarebbe stato più facile, perché la creazione rituale ed artistica era senza discontinuità, la poesia era canto, il canto incantesimo, il movimento era danza.
Sensazione e riflessione dovrebbero in questo caso creare una coscienza-spazio temporale, non necessariamente mentale, ma capace di superare la contrapposizione astrazione-figurazione secondo una dinamica tra fisico e psichico, movimento e immobilità, vicina, per intenderci, alla dimensione del Butoh, che ha a che fare più con la meditazione che con il teatrodanza e che fa ricerca con la dilatazione della dimensione spazio temporale, in cui sono i ricordi, la memoria delle esperienze vissute fin dalla nascita che lasciano un segno indelebile a suggerire movimenti che rivelano, come per empatia, segni o tracce del vissuto di coloro che ne vengano in contatto.
L’interprete non dovrebbe allora mostrare solo una verità ma, se l’unica verità è quella propria, profonda, diventare un catalizzatore o un tramite attraverso il quale lo spettatore si riconosca anche nella sua intimità dimenticata.
Questa concezione è evidentemente molto diversa da quella in cui il corpo dell’interprete o del danzatore esprime un’emozione o un’idea astratta.
La cosa importante non è trasformarsi in qualcuno o qualcosa, ma la metamorfosi in sé, il fatto che ci si trasformi.
Una musica può essere danzata rappresentando un’immagine o un movimento che diventerà un’immagine o un movimento “esterno”, banale e di scarso interesse.
Ma se, al contrario, si mette la bellezza dell’immagine e l’emozione della musica che evoca dentro il corpo morto in regressione emozionale, senza necessità pleonastica di movimento descrittivo, allora l’immagine vincolata alla musica sarà unica e vera.
Solo così anche il movimento sarà interno.
Ovviamente una cosa è luce, altra è pazienza.
Serve un lungo percorso di lavoro, un cammino di ricerca umile ed ostinata, che è ancora tutto da fare e che non sarà mai definitivo.
Le ambientazioni, le atmosfere che propone paiono sempre ispirate alle funzioni religiose, come anche nella sua ultima realizzazione in Italia, ovvero ‘La Forza del destino’ al Teatro Regio di Parma.
E’ affascinato dalla scenografia liturgica?
Tutto è iniziato con la liturgia, dalla fascinazione straordinaria del rito.
Ero molto, molto piccolo, ma l’incenso, quelle stoffe sontuose e mistiche consunte dal tempo eppure eterne, quell’esercizio del mistero liberarono subito la mia fantasia e mi fecero riconoscere immediatamente il mondo da cui provenivo e che non era purtroppo lo stesso degli altri bambini.
Solamente che da bambino non capivo bene se la mia vocazione fosse mistica o appena estetica.
Era qualcosa di strano.
Eppure tuto è partito di là.
******************************
Io sono nato a Trento e al Duomo si conserva tutto l’intorno del Concilio.
******************************
Là mi rifugiavo perché non riuscivo a giocare e comunicare con i coetanei.
Molto più tardi ho fatto “click”.
E grazie all’opera, poi, il cerchio si è compiuto.
Grazie alla musica, che libera il pensiero e le forze dello spirito.
L’opera, intesa come sommatoria di arti – e non come dissociazione egoistica di ognuna di esse – sviluppa in maniera detonante questa facoltà della musica perché permette di accogliere in un’unica, inesauribile dimensione molteplici pensieri (sia liberi che necessari, sia volontari sia inconsci) che la musica comprende e sostiene tutti insieme, permettendo a volte la completa esperienza dell’opera d’arte.
Ogni suo allestimento ha rimandi classici, di repertorio, pur contenendo sempre una nuova ed amplificata chiave di lettura; ad esempio le coreografie modernissime vanno ad incastonarsi in un impianto classico con la perfezione dell’orafo, come anche nella ‘Thais’ al Regio di Torino.
Questo suo lavoro d’incastro ha l’intenzione della contemporaneizzazione o dell’espansione del messaggio insito nell’opera?
Vorrei tanto che i miei spettacoli fossero fuori del tempo, “antichi”.
Vorrei che mantenessero validità a distanza di anni.
Per questo cerco sempre di non lasciarmi irretire dalle novità tecnologiche o dagli entusiasmi.
Ho orrore della modernità apparente: quella interna non si riconosce mai come tale.
Non dimentico che la partitura è eterna e che non esistono allestimenti definitivi.
Ogni nuovo allestimento deve essere coerente con il tempo e con la sensibilità a cui si rivolge.
Per questo cerco sempre di mantenere una corenza con il mio tempo che è e resta post-contemporaneo.
La forma classica (mi riferisco al concetto greco) è e resta il supporto, l’appiglio, la nostalgia, la certezza prima della sua caduta.
Q: Ogni artista ha un personale modo di firmare le proprie opere. Nel suo caso - quale firma - credo si possa pensare agli appesi, ai pulviscoli dorati, ai corpi seminudi aggrovigliati, alle sfere ed ai tagli di luce che assurgono a protagonisti. Quali significati o simbologie affida a questi elementi?
PODA:
I simboli, spogli di significazioni e spaesati dai loro riferimenti semantici o da ogni rinvio metaforico, sono offerti in una poetica libera ed aperta per cui l’immagine non abbia necessariamente in sé, ma riceva da chi la fruisca un significato etico o estetico.
Lo spettatore deve essere spettatore di se stesso.
La messa in scena può allora funzionare come una sorta di strumento ottico che gli permetta di scorgere ciò che, forse, da solo non avrebbe potuto vedere in se stesso.
Se la realtà da esprimere risiede non nell’apparenza del soggetto ma ad una profondità cui tale apparenza conta ben poco, il riconoscimento entro di sé, da parte dello spettatore, è prova di verità e viceversa.
L’essenzialità, l’unica opera vera, non c’è da inventarla, in quanto esiste già in ognuno di noi, ma c’è da scoprirla. Se la messa in scena è innanzitutto “messa in pratica” e consiste nel rendere visibile la musica che è spirito senza corpo, la delusione è inevitabile, come quando incontriamo una persona di cui ci ha affascinato prima la voce o come quando vediamo un film tratto da un libro amato. Sempre ci si aspetta qualcosa di diverso.
Quel che noi sentiamo della vita non lo sentiamo sotto forma di idee e quindi la sua traduzione letteraria o figurativa, cioè intellettuale, rendendocene conto, lo spiega, lo analizza, ma non lo ricrea, come fa invece la musica, in cui sembra che i suoni prendano l’inflessione delle sensazioni.
Nonostante l’arte figurativa dal Novecento in avanti si sia proclamata astratta, la pittura del secolo XIX prima e poi il cinema (sintesi dei linguaggi codificati del secolo XX) ci hanno riempito lo sguardo con immagini formali, a volte banali, che hanno abituato il pubblico ad una imitazione-interpretazione convenzionale del mondo, impoverendone la fantasia creatrice e lo spirito di pura percezione.
Questa contaminazione “narrativa”, per cui tutto viene detto, mostrato, descritto, spiegato, o al limite simbolizzato, ha soffocato lo sviluppo della conoscenza “interna” che è scoperta di sé.
Così lo spettatore si aspetta anche sul palcoscenico una cronologia conchiusa di eventi, di habitat, magari un rimando sentimentale vero e tangibile, verificabile o riconducibile al conforto dei riferimenti convenzionali.
Quel che noi chiamiamo “realtà” è un certo rapporto tra quelle sensazioni e i ricordi che ci circondano simultaneamente – rapporto che sopprime una qualsiasi visione cinematografica, la quale appunto per questo tanto più si allontana dal vero quanto più pretende di aderirvi.
Ovviamente lo spettatore non chiede tutto questo al compositore: è cosciente del fatto che è compito dell’autore impostare i destini umani e gli eventi secondo norme che valgono in ambiti poetici universali ed extratemporali, convertendo gli stessi in metafora anziché farne delle riproduzioni.
Lo spettatore sa che la meta dell’autore è la rappresentazione della verità interiore e non della realtà esteriore.
È veramente strano come oggi, in epoca post-moderna (termine usato non in contrapposizione al moderno ma designando la posizione di una cultura che, attraverso la memoria computerizzata, può muoversi su un territorio dilatato, senza frontiere spaziali e temporali), un secolo dopo il discorso indiretto libero ed il flusso di coscienza di Joyce e Proust, che avrebbero dovuto segnare un punto di non ritorno, ci si dimostri invece ancora così ancorati a leggi aristoteliche e griglie cartesiane che costituiscono un “hic sunt leones” da non varcare se non per gioco o per surrealismo, che è comunque una forma dissimulata di iperrealismo.
La problematica della messa in scena d’opera e la sua evoluzione sono d’esempio.
Il pubblico d’opera assume, molto presto in gioventù, con patto tacito, un codice che poi non discuterà mai più per il resto della vita: assurdamente accetta a priori di non lasciarsi disturbare dall’apparente attentato alla logica comune rappresentato da un genere in cui non si parla, ma si canta ed in cui i tempi musicali non coincidono con quelli reali, arrivando a situazioni estreme come quelle topiche dell’agonia esageratamente dilatata di un protagonista; o come altre più complesse quando nei concertati più personaggi e coro contrappongono contemporaneamente concetti differenti o formule reiterate, tutto in maniera assolutamente inintelligibile, per di più rese con modalità non necessariamente astratte ma realistiche.
Reagiscono, forse, solo i bambini con spudorata innocenza.
Eppure per il genere operistico non è mai stata elaborata seriamente e compiutamente una formula di rappresentazione pura e specifica: gli è stata applicata prima la convenzione del teatro di prosa, poi quella del cinema, più recentemente quella della drammaturgia forzosa che astutamente rende spiegabile e “attuale” un contenuto che non ha bisogno d’essere né compreso né modernizzato e che per genesi è già “altro”, al di là di qualsiasi moda e tempo. Persino le trasposizioni d’epoca e gli adattamenti – moderni in apparenza ma antiquati nella sostanza –, ostinandosi in giustificazioni narrative, non considerando che il mistero della vita e dell’arte consistente proprio nella non-comprensione, riaffermano ancora lo stesso vizio di fondo.
Eppure sono tollerati perché i cambi restano alla superficie senza sfondamento interdisciplinare.
Il pubblico, educato fin dal liceo a studiare le materie come discipline avulse tra loro, mai intercomunicabili, finge di scandalizzarsi ma si sente a salvo e non si accorge che quello che non funziona è ben altro.
Q: Riandando ancora alla versatile completezza del suo lavoro, come nasce ‘l’idea’ ? è il risultato di una costruzione derivante dall’ esperienza o una sorta di folgorazione che si configura in una subitanea soluzione complessiva?
PODA:
Lo ripeto sempre perché è la veità e così funziono.
Faccio come il ladro con la cassaforte: appoggio l’orecchio e aspetto il click.
In altre parole il processo è quello di neutralizzazione dell’intelligenza.
Acosolo e riascolto la musica fino a quando ne riesco a cavare fuori l’immagine e la sensazione che poco a poco emerge dalla coscienza.
Riconosco che non è facile liberarsi sempre dal condizionamento culturale.
Mi succede a volte come i nomi che sfuggono in un lapsus… se ne afferra il peso, il volume, ma non la dimensione totale.
Poi, all’improvviso, qualdo meno ce lo aspettiamo, ecco che succede il prodigio.
Il merito non è nostro.
Tutto è già stato fatto e detto.
La messa in scena – ossia il dar corpo alla musica, che di per sé non lo possiede – dovrebbe avere come meta un ideale parallelismo dell’effetto spirituale, nella finalità ultima di cogliere la ragione in cui risiede l’universalità dell’opera d’arte.
La via dovrebbe essere quella di facilitare la purificazione dello sguardo dello spettatore, offrendogli la forza motivazionale ed anche la spinta creativa su cui egli stesso possa lavorare con libertà, riscattandosi dal condizionamento di un’interpretazione imposta.
Ecco perché l’interpretazione dovrebbe essere assolutamente autonoma o almeno non un “carcere”: non solo per l’interprete, ma anche o innanzitutto per lo spettatore.
Se in tutto il suo passato, l’arte è stata un modo d’esperienza individuale, in una società a cultura di massa computerizzata, sembrerebbe un vizio antiquato e “romantico” aggiudicare a qualcuno la rivelazione di qualche verità interpretativa.
Q:
Ognuno di noi, artista o semplice uomo della strada ha un sogno nel cassetto; la consapevolezza delle sue realizzazioni fa ritenere che anche Lei sia un appassionato d’opera. Qual è l’opera che costituisce il suo sogno nel cassetto?
PODA:
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Sono molto di più di un appassionato d’opera.
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Ho dedicato la mia vita all’opera
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perché solo nell’opera ho trovato un senso.
Mozart è l’autore che più amo e che meglio mi riesce perché non c’è niente da “risolvere” ed è tutto perfezione.
Ma anche Verdi lo amo molto.
Adoro "Falstaff" che ho fatto già cinque volte.
Ma il mio amore per l’opera è partito da Wagner.
Eppure il titolo che più amo è forse uno sola ed è quello che rifaccio sempre in almeno una scena delle mie produzioni.
Non lo faccio a proposito, mi scappa di mano… me ne rendo conto a distanza..
L’ho fatto e rifatto tante volte che a questo punto sarei pure imbarazzato nell’affrontarlo e ci terrei troppo.
Spero che quel titolo non arrivi mai.
Signor Poda La ringrazio per la Sua cortesia con un sentito ‘in bocca al lupo’ per il suo lavoro, con un arrivederci nuovamente in Italia, a settembre, a Torino per la prima esecuzione assoluta di ‘Leggenda’ di Alessandro Solbiati dove tornerà a collaborare con il Maestro Gianandrea Noseda.
Sig Poda, anzi Architetto Poda, di norma quando si parla di architettura si suole pensare agli interni od agli esterni di un edificio, mentre nel suo caso ritengo sia più corretto parlare di spazi. Infatti, fin dal primo allestimento –Traviata- ad oggi si è sempre proposto in qualità di regista, scenografo, coreografo, costumista, leight designer, ovvero quale totale realizzatore dello spazio dell’opera, ad esclusione della parte musicale. In un’intervista alla televisione italiana, durante la recente rappresentazione di ‘Rigoletto’ a Padova, lei si è definito un artigiano, ma se mi permette una battuta, direi un ‘artigiano dal multiforme ingegno”
PODA:
In realtà non ho mai saputo differenziare una professione dall’altra.
Per me tutto ha a che vedere con tutto -- come nella vita.
Ascolto la musica e la vedo, ne sento i sentimenti.
Pertanto non potrei mai chiedere ad altri di realizzare ciò che vedo o sento.
Mi sono fatto e formato a “modo mio”, fuori e lontano dal sistema, per cui non saprei neppure dire fino a che punto arriva la regia, la scenografia o la luce o meno la coreografia.
Non sono uno regista-scenografo e neppure uno scenografo-regista.
Ascolto la musica e creco di darvi corpo.
Sin da bambino ho cercato di raccogliere maniere, forme, mestiere e manualità per riuscirvi.
Per questo mi sento un artigiano.
Così mi succede in sartoria quando cerco la forma del costume, taglio le stoffe, oppure le dipingo, le brucio, le sfilaccio per renderle materiche o scultoriche.
Prima pensavo che bastasse dominare la drammaturgia o saper disegnare, poi mi son reso conto che non era neppure l’inizio, che bisognava saper operare direttamente sulla materia, poi (e questo soprattutto in anni recenti) ho dovuto pure superare una certa sfida tecnologica come per le luci.
Ma la vera sfida consiste nel riuscire a trasmettere una forma di visione ad altre persone che poi la trasmettano al pubblico, ossia ai cantanti, ai danzatori, ai tecnici, ai realizzatori.
E’ un metodo che mi sono formato da solo e che viene da lontano, che ha attraversato molte esperienze, molti Paesi, tante culture.
Ogni esperienza, ogni incontro ha generato un piccolo “click”, una piccola-grande scoperta, capitale sul momento, relativa nel tempo.
I passi sono stati lenti.
Piccole conquiste che unite insieme marcano un cammino, una piccola evoluzione che è stato per me anche Werdengang.
Prima è stato l’aspetto visivo, estetico, che però era innato e involontario, poi quello interno, quello sull’energia, che oggi è frose quello che più mi interessa perché è anche quello più misterioso, più ricco, più attraesnte.
Per esempio è stato molto, molto importante la scoperta del Butho, ossia della “non-danza”.
L’opera è un genere a sé, un genere per il quale mai si è elaborata una vera formula di espressione.
Vi si è applicata prima la maniera del teatro di prosa, poi del cinema, ora quella del teatro di regia (che è pura intelligenza e con l’intelligenza tutto è possibile).
Eppure nell’opera non parla, ma si canta.
Tutto viene spinto ad un grado di astrazione che non è quello della vita sveglia.
La musica, alla maniera del sogno, libera le catena del corpo e della mente.
La musica orta all’inconscio.
Non è problema di facile soluzione mettere in relazione il conscio e l’inconscio.
Viene da pensare che in un’epoca molto distante o primitiva, senza il riflesso condizionato di contaminazioni culturali, sarebbe stato più facile, perché la creazione rituale ed artistica era senza discontinuità, la poesia era canto, il canto incantesimo, il movimento era danza.
Sensazione e riflessione dovrebbero in questo caso creare una coscienza-spazio temporale, non necessariamente mentale, ma capace di superare la contrapposizione astrazione-figurazione secondo una dinamica tra fisico e psichico, movimento e immobilità, vicina, per intenderci, alla dimensione del Butoh, che ha a che fare più con la meditazione che con il teatrodanza e che fa ricerca con la dilatazione della dimensione spazio temporale, in cui sono i ricordi, la memoria delle esperienze vissute fin dalla nascita che lasciano un segno indelebile a suggerire movimenti che rivelano, come per empatia, segni o tracce del vissuto di coloro che ne vengano in contatto.
L’interprete non dovrebbe allora mostrare solo una verità ma, se l’unica verità è quella propria, profonda, diventare un catalizzatore o un tramite attraverso il quale lo spettatore si riconosca anche nella sua intimità dimenticata.
Questa concezione è evidentemente molto diversa da quella in cui il corpo dell’interprete o del danzatore esprime un’emozione o un’idea astratta.
La cosa importante non è trasformarsi in qualcuno o qualcosa, ma la metamorfosi in sé, il fatto che ci si trasformi.
Una musica può essere danzata rappresentando un’immagine o un movimento che diventerà un’immagine o un movimento “esterno”, banale e di scarso interesse.
Ma se, al contrario, si mette la bellezza dell’immagine e l’emozione della musica che evoca dentro il corpo morto in regressione emozionale, senza necessità pleonastica di movimento descrittivo, allora l’immagine vincolata alla musica sarà unica e vera.
Solo così anche il movimento sarà interno.
Ovviamente una cosa è luce, altra è pazienza.
Serve un lungo percorso di lavoro, un cammino di ricerca umile ed ostinata, che è ancora tutto da fare e che non sarà mai definitivo.
Le ambientazioni, le atmosfere che propone paiono sempre ispirate alle funzioni religiose, come anche nella sua ultima realizzazione in Italia, ovvero ‘La Forza del destino’ al Teatro Regio di Parma.
E’ affascinato dalla scenografia liturgica?
Tutto è iniziato con la liturgia, dalla fascinazione straordinaria del rito.
Ero molto, molto piccolo, ma l’incenso, quelle stoffe sontuose e mistiche consunte dal tempo eppure eterne, quell’esercizio del mistero liberarono subito la mia fantasia e mi fecero riconoscere immediatamente il mondo da cui provenivo e che non era purtroppo lo stesso degli altri bambini.
Solamente che da bambino non capivo bene se la mia vocazione fosse mistica o appena estetica.
Era qualcosa di strano.
Eppure tuto è partito di là.
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Io sono nato a Trento e al Duomo si conserva tutto l’intorno del Concilio.
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Là mi rifugiavo perché non riuscivo a giocare e comunicare con i coetanei.
Molto più tardi ho fatto “click”.
E grazie all’opera, poi, il cerchio si è compiuto.
Grazie alla musica, che libera il pensiero e le forze dello spirito.
L’opera, intesa come sommatoria di arti – e non come dissociazione egoistica di ognuna di esse – sviluppa in maniera detonante questa facoltà della musica perché permette di accogliere in un’unica, inesauribile dimensione molteplici pensieri (sia liberi che necessari, sia volontari sia inconsci) che la musica comprende e sostiene tutti insieme, permettendo a volte la completa esperienza dell’opera d’arte.
Ogni suo allestimento ha rimandi classici, di repertorio, pur contenendo sempre una nuova ed amplificata chiave di lettura; ad esempio le coreografie modernissime vanno ad incastonarsi in un impianto classico con la perfezione dell’orafo, come anche nella ‘Thais’ al Regio di Torino.
Questo suo lavoro d’incastro ha l’intenzione della contemporaneizzazione o dell’espansione del messaggio insito nell’opera?
Vorrei tanto che i miei spettacoli fossero fuori del tempo, “antichi”.
Vorrei che mantenessero validità a distanza di anni.
Per questo cerco sempre di non lasciarmi irretire dalle novità tecnologiche o dagli entusiasmi.
Ho orrore della modernità apparente: quella interna non si riconosce mai come tale.
Non dimentico che la partitura è eterna e che non esistono allestimenti definitivi.
Ogni nuovo allestimento deve essere coerente con il tempo e con la sensibilità a cui si rivolge.
Per questo cerco sempre di mantenere una corenza con il mio tempo che è e resta post-contemporaneo.
La forma classica (mi riferisco al concetto greco) è e resta il supporto, l’appiglio, la nostalgia, la certezza prima della sua caduta.
Q: Ogni artista ha un personale modo di firmare le proprie opere. Nel suo caso - quale firma - credo si possa pensare agli appesi, ai pulviscoli dorati, ai corpi seminudi aggrovigliati, alle sfere ed ai tagli di luce che assurgono a protagonisti. Quali significati o simbologie affida a questi elementi?
PODA:
I simboli, spogli di significazioni e spaesati dai loro riferimenti semantici o da ogni rinvio metaforico, sono offerti in una poetica libera ed aperta per cui l’immagine non abbia necessariamente in sé, ma riceva da chi la fruisca un significato etico o estetico.
Lo spettatore deve essere spettatore di se stesso.
La messa in scena può allora funzionare come una sorta di strumento ottico che gli permetta di scorgere ciò che, forse, da solo non avrebbe potuto vedere in se stesso.
Se la realtà da esprimere risiede non nell’apparenza del soggetto ma ad una profondità cui tale apparenza conta ben poco, il riconoscimento entro di sé, da parte dello spettatore, è prova di verità e viceversa.
L’essenzialità, l’unica opera vera, non c’è da inventarla, in quanto esiste già in ognuno di noi, ma c’è da scoprirla. Se la messa in scena è innanzitutto “messa in pratica” e consiste nel rendere visibile la musica che è spirito senza corpo, la delusione è inevitabile, come quando incontriamo una persona di cui ci ha affascinato prima la voce o come quando vediamo un film tratto da un libro amato. Sempre ci si aspetta qualcosa di diverso.
Quel che noi sentiamo della vita non lo sentiamo sotto forma di idee e quindi la sua traduzione letteraria o figurativa, cioè intellettuale, rendendocene conto, lo spiega, lo analizza, ma non lo ricrea, come fa invece la musica, in cui sembra che i suoni prendano l’inflessione delle sensazioni.
Nonostante l’arte figurativa dal Novecento in avanti si sia proclamata astratta, la pittura del secolo XIX prima e poi il cinema (sintesi dei linguaggi codificati del secolo XX) ci hanno riempito lo sguardo con immagini formali, a volte banali, che hanno abituato il pubblico ad una imitazione-interpretazione convenzionale del mondo, impoverendone la fantasia creatrice e lo spirito di pura percezione.
Questa contaminazione “narrativa”, per cui tutto viene detto, mostrato, descritto, spiegato, o al limite simbolizzato, ha soffocato lo sviluppo della conoscenza “interna” che è scoperta di sé.
Così lo spettatore si aspetta anche sul palcoscenico una cronologia conchiusa di eventi, di habitat, magari un rimando sentimentale vero e tangibile, verificabile o riconducibile al conforto dei riferimenti convenzionali.
Quel che noi chiamiamo “realtà” è un certo rapporto tra quelle sensazioni e i ricordi che ci circondano simultaneamente – rapporto che sopprime una qualsiasi visione cinematografica, la quale appunto per questo tanto più si allontana dal vero quanto più pretende di aderirvi.
Ovviamente lo spettatore non chiede tutto questo al compositore: è cosciente del fatto che è compito dell’autore impostare i destini umani e gli eventi secondo norme che valgono in ambiti poetici universali ed extratemporali, convertendo gli stessi in metafora anziché farne delle riproduzioni.
Lo spettatore sa che la meta dell’autore è la rappresentazione della verità interiore e non della realtà esteriore.
È veramente strano come oggi, in epoca post-moderna (termine usato non in contrapposizione al moderno ma designando la posizione di una cultura che, attraverso la memoria computerizzata, può muoversi su un territorio dilatato, senza frontiere spaziali e temporali), un secolo dopo il discorso indiretto libero ed il flusso di coscienza di Joyce e Proust, che avrebbero dovuto segnare un punto di non ritorno, ci si dimostri invece ancora così ancorati a leggi aristoteliche e griglie cartesiane che costituiscono un “hic sunt leones” da non varcare se non per gioco o per surrealismo, che è comunque una forma dissimulata di iperrealismo.
La problematica della messa in scena d’opera e la sua evoluzione sono d’esempio.
Il pubblico d’opera assume, molto presto in gioventù, con patto tacito, un codice che poi non discuterà mai più per il resto della vita: assurdamente accetta a priori di non lasciarsi disturbare dall’apparente attentato alla logica comune rappresentato da un genere in cui non si parla, ma si canta ed in cui i tempi musicali non coincidono con quelli reali, arrivando a situazioni estreme come quelle topiche dell’agonia esageratamente dilatata di un protagonista; o come altre più complesse quando nei concertati più personaggi e coro contrappongono contemporaneamente concetti differenti o formule reiterate, tutto in maniera assolutamente inintelligibile, per di più rese con modalità non necessariamente astratte ma realistiche.
Reagiscono, forse, solo i bambini con spudorata innocenza.
Eppure per il genere operistico non è mai stata elaborata seriamente e compiutamente una formula di rappresentazione pura e specifica: gli è stata applicata prima la convenzione del teatro di prosa, poi quella del cinema, più recentemente quella della drammaturgia forzosa che astutamente rende spiegabile e “attuale” un contenuto che non ha bisogno d’essere né compreso né modernizzato e che per genesi è già “altro”, al di là di qualsiasi moda e tempo. Persino le trasposizioni d’epoca e gli adattamenti – moderni in apparenza ma antiquati nella sostanza –, ostinandosi in giustificazioni narrative, non considerando che il mistero della vita e dell’arte consistente proprio nella non-comprensione, riaffermano ancora lo stesso vizio di fondo.
Eppure sono tollerati perché i cambi restano alla superficie senza sfondamento interdisciplinare.
Il pubblico, educato fin dal liceo a studiare le materie come discipline avulse tra loro, mai intercomunicabili, finge di scandalizzarsi ma si sente a salvo e non si accorge che quello che non funziona è ben altro.
Q: Riandando ancora alla versatile completezza del suo lavoro, come nasce ‘l’idea’ ? è il risultato di una costruzione derivante dall’ esperienza o una sorta di folgorazione che si configura in una subitanea soluzione complessiva?
PODA:
Lo ripeto sempre perché è la veità e così funziono.
Faccio come il ladro con la cassaforte: appoggio l’orecchio e aspetto il click.
In altre parole il processo è quello di neutralizzazione dell’intelligenza.
Acosolo e riascolto la musica fino a quando ne riesco a cavare fuori l’immagine e la sensazione che poco a poco emerge dalla coscienza.
Riconosco che non è facile liberarsi sempre dal condizionamento culturale.
Mi succede a volte come i nomi che sfuggono in un lapsus… se ne afferra il peso, il volume, ma non la dimensione totale.
Poi, all’improvviso, qualdo meno ce lo aspettiamo, ecco che succede il prodigio.
Il merito non è nostro.
Tutto è già stato fatto e detto.
La messa in scena – ossia il dar corpo alla musica, che di per sé non lo possiede – dovrebbe avere come meta un ideale parallelismo dell’effetto spirituale, nella finalità ultima di cogliere la ragione in cui risiede l’universalità dell’opera d’arte.
La via dovrebbe essere quella di facilitare la purificazione dello sguardo dello spettatore, offrendogli la forza motivazionale ed anche la spinta creativa su cui egli stesso possa lavorare con libertà, riscattandosi dal condizionamento di un’interpretazione imposta.
Ecco perché l’interpretazione dovrebbe essere assolutamente autonoma o almeno non un “carcere”: non solo per l’interprete, ma anche o innanzitutto per lo spettatore.
Se in tutto il suo passato, l’arte è stata un modo d’esperienza individuale, in una società a cultura di massa computerizzata, sembrerebbe un vizio antiquato e “romantico” aggiudicare a qualcuno la rivelazione di qualche verità interpretativa.
Q:
Ognuno di noi, artista o semplice uomo della strada ha un sogno nel cassetto; la consapevolezza delle sue realizzazioni fa ritenere che anche Lei sia un appassionato d’opera. Qual è l’opera che costituisce il suo sogno nel cassetto?
PODA:
*********************************************
Sono molto di più di un appassionato d’opera.
**********************************************
******************************
Ho dedicato la mia vita all’opera
*******************************
perché solo nell’opera ho trovato un senso.
Mozart è l’autore che più amo e che meglio mi riesce perché non c’è niente da “risolvere” ed è tutto perfezione.
Ma anche Verdi lo amo molto.
Adoro "Falstaff" che ho fatto già cinque volte.
Ma il mio amore per l’opera è partito da Wagner.
Eppure il titolo che più amo è forse uno sola ed è quello che rifaccio sempre in almeno una scena delle mie produzioni.
Non lo faccio a proposito, mi scappa di mano… me ne rendo conto a distanza..
L’ho fatto e rifatto tante volte che a questo punto sarei pure imbarazzato nell’affrontarlo e ci terrei troppo.
Spero che quel titolo non arrivi mai.
Signor Poda La ringrazio per la Sua cortesia con un sentito ‘in bocca al lupo’ per il suo lavoro, con un arrivederci nuovamente in Italia, a settembre, a Torino per la prima esecuzione assoluta di ‘Leggenda’ di Alessandro Solbiati dove tornerà a collaborare con il Maestro Gianandrea Noseda.
Stefano Poda directs "Trittico" at Colon
Stefano Poda (Trento, ...) è un regista teatrale, scenografo, coreografo, costumista e light-designer italiano.
Dal 1994 ha realizzato circa 70 spettacoli tra Spagna, Portogallo, Danimarca, America del Sud (Uruguay, Argentina e Brasile), America Centrale, Belgio, Bulgaria, Stati Uniti.
Al Teatro Regio di Torino firma regia, scene, costumi, luci e coreografia di Thaïs di Jules Massenet nel dicembre 2008, con la direzione musicale di Gianandrea Noseda e con Barbara Frittoli nel ruolo principale.
I costumi sono realizzati dalla Sartoria Tirelli di Roma.
Nel 2009 presenta Falstaff alla Opéra Royal de Wallonie-Liège con Ruggero Raimondi, trasmesso in 3D in 140 sale cinematografiche di USA, Italia, Spagna, Belgio, e Il concilio de' pianeti di Tomaso Albinoni con i Solisti Veneti diretti da Claudio Scimone.
Ha inoltre creato una messa in scena per il Requiem di Mozart (1999), per lo Stabat Mater di Pergolesi (2001) e per la Messa di Requiem di Gabriel Fauré (2004).
Nel dicembre 1999, nel Teatro Solis di Montevideo, smantellato durante il suo restauro, ha creato e messo in scena Il crepuscolo di un secolo su musiche dalla Messa di Requiem di Mozart, uno spettacolo di metafore teatrali, che riunisce circa 300 artisti.
Stefano Poda è autore del testo e della messa in scena de L'Isola dei Cipressi, opera teatrale per cantanti/attori/balletto/coro/orchestra, rappresentata per la prima volta nel 2002 in occasione del 105 anniversario del Teatro Nazionale di Costa Rica e ritrasmessa dal Canal 13.
Nel 2005, ha messo in scena un suo adattamento della Divina Commedia.
Delle sue opere più recenti sono stati realizzati tre DVD: Thaïs, da parte di RaiTrade/Arthaus, Falstaff da Dynamic e Il concilio de' pianeti da Metisfilm.
Produzioni
La traviata di Giuseppe Verdi (1994)
Don Giovanni di Wolfgang Amadeus Mozart (nel 1995, con quindici riprese in distinti teatri d’Europa, Centro e Sud America fino al 2006, trasmesso tre volte da Televisione Spagnola; nuovo allestimento nel 2009 in Bulgaria; ultima ripresa in febbraio 2010 per il Palm Beach Opera Festival)
Così fan tutte di Mozart (1995 a Santander in Spagna; 2010 nuova produzione a Mahon con Barbara Frittoli)
Nabucco di Verdi (che ha aperto la Stagione 1995 del Teatro San Carlo di Lisbona e ritrasmesso dalla RTP)
Die Zauberflöte di Mozart (nel 1996, rimessa in scena per altre sette volte in Europa e Sud America, trasmesso da Televisione Spagnola, dalla Rede Globo in Brasile e da Canal 4 a Montevideo)
Anna Bolena di Gaetano Donizetti (nel 1997, poi rimessa in scena a Montevideo nel ’98ed a Oviedo nel 2000; trasmessa da Canal 33 a Barcellona e da Canal 5 a Montevideo)
Falstaff di Verdi (1998, registrata dalla Televisione Spagnola; 2007 e 2008; nuovo allestimento nel 2009, Jerez de la Frontera e Opéra Royale de Wallonie-Liège)
Aida di Verdi (4 differenti allestimenti: due nel 1998 in Spagna; nel 2001 in occasione dell’inaugurazione del Nuovo Teatro del SODRE di Montevideo; nel 2005 all’aperto, con più di 1200 artisti sul palcoscenico)
Madama Butterfly di Giacomo Puccini (due differenti allestimenti. nel 1998 e nel 2002)
La serva padrona di Giovan Battista Pergolesi (1998)
Samson et Dalila di Camille Saint-Saëns (nel 1999, con Dolora Zajick)
Maria Stuarda di Donizetti (1999)
Lucia di Lammermoor di Donizetti
Macbeth di Verdi (2001, due differenti messe in scena, di cui una all’aperto)
La forza del destino di Verdi (2003)
Il trovatore di Verdi (2004)
Orfeo ed Euridice di Christoph Willibald Gluck (nel 2000)
The Medium di Gian Carlo Menotti (2000)
Mefistofele di Arrigo Boito (2001)
Faust di Charles Gounod (2003 e 2008)
Le nozze di Figaro di Mozart (2007)
Medea di Luigi Cherubini (2008)
Carmen di Georges Bizet (2008)
Thaïs di Jules Massenet (2008, al Teatro Regio di Torino)
Il concilio de' pianeti di Albinoni (2009, al Palazzo della Ragione di Padova)
Hin und Zurück di Paul Hindemith e L'Heure espagnole di Maurice Ravel come inaugurazione di stagione al Teatro delle Muse di Ancona (2010)
Rigoletto di Verdi per il Teatro Verdi di Padova, dicembre 2010
La forza del destino di Verdi come inaugurazione della stagione lirica 2011 al
Teatro Regio di Parma
Collegamenti esterni[modifica]Sito ufficiale
Riferimenti[modifica]http://www.operabase.com/listart.cgi?lang=it&name=stefano+poda&loose=E
http://www.iberkonzert.com/repertory/61/STEFANO-PODA-.html
http://www.teatroregio.torino.it/it/area-stampa/comunicati-stampa/tha%C3%AFs
http://www.libreriauniversitaria.it/regista-stefano_poda.htm
http://www.unilibro.it/find_buy/findresult/dvd_film/prodotto-dvd/regista-stefano_poda_.htm?redirectt=si
http://www.ecoditorino.org/thais-secondo-stefano-poda-e-gianandrea-noseda-al-regio-di-torino-.htm
http://www.lascalashop.it/dvd.asp?idp=7181&idg=12
http://www.teatro.org/spettacoli/recensioni/thais_11508
http://www.vaghestelledellorsa.it/?p=222
http://www.noidonne.org/articolo.php?ID=02274
http://www.rodoni.ch/OPERNHAUS/therese/Thais-Regio-EN.html
http://www.archiviostorico.corriere.it/2008/dicembre/16/Teleraccomando_co_9_081216126.shtml
http://www.yes24.com/searchCenter/searchDetailResult.aspx?txt_pd=1&txt_at=1&txt_pu=1&qauthor=Stefano%20Poda
http://www.clubdelibros.com/archiislacipreses.htm
http://www.lanacion.com.ar/nota.asp?nota_id=506334
http://www.operaliege.be/spectacles/new/73.html
Portale Biografie Portale Teatro
Estratto da "http://it.wikipedia.org/wiki/Stefano_Poda"
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Dal 1994 ha realizzato circa 70 spettacoli tra Spagna, Portogallo, Danimarca, America del Sud (Uruguay, Argentina e Brasile), America Centrale, Belgio, Bulgaria, Stati Uniti.
Al Teatro Regio di Torino firma regia, scene, costumi, luci e coreografia di Thaïs di Jules Massenet nel dicembre 2008, con la direzione musicale di Gianandrea Noseda e con Barbara Frittoli nel ruolo principale.
I costumi sono realizzati dalla Sartoria Tirelli di Roma.
Nel 2009 presenta Falstaff alla Opéra Royal de Wallonie-Liège con Ruggero Raimondi, trasmesso in 3D in 140 sale cinematografiche di USA, Italia, Spagna, Belgio, e Il concilio de' pianeti di Tomaso Albinoni con i Solisti Veneti diretti da Claudio Scimone.
Ha inoltre creato una messa in scena per il Requiem di Mozart (1999), per lo Stabat Mater di Pergolesi (2001) e per la Messa di Requiem di Gabriel Fauré (2004).
Nel dicembre 1999, nel Teatro Solis di Montevideo, smantellato durante il suo restauro, ha creato e messo in scena Il crepuscolo di un secolo su musiche dalla Messa di Requiem di Mozart, uno spettacolo di metafore teatrali, che riunisce circa 300 artisti.
Stefano Poda è autore del testo e della messa in scena de L'Isola dei Cipressi, opera teatrale per cantanti/attori/balletto/coro/orchestra, rappresentata per la prima volta nel 2002 in occasione del 105 anniversario del Teatro Nazionale di Costa Rica e ritrasmessa dal Canal 13.
Nel 2005, ha messo in scena un suo adattamento della Divina Commedia.
Delle sue opere più recenti sono stati realizzati tre DVD: Thaïs, da parte di RaiTrade/Arthaus, Falstaff da Dynamic e Il concilio de' pianeti da Metisfilm.
Produzioni
La traviata di Giuseppe Verdi (1994)
Don Giovanni di Wolfgang Amadeus Mozart (nel 1995, con quindici riprese in distinti teatri d’Europa, Centro e Sud America fino al 2006, trasmesso tre volte da Televisione Spagnola; nuovo allestimento nel 2009 in Bulgaria; ultima ripresa in febbraio 2010 per il Palm Beach Opera Festival)
Così fan tutte di Mozart (1995 a Santander in Spagna; 2010 nuova produzione a Mahon con Barbara Frittoli)
Nabucco di Verdi (che ha aperto la Stagione 1995 del Teatro San Carlo di Lisbona e ritrasmesso dalla RTP)
Die Zauberflöte di Mozart (nel 1996, rimessa in scena per altre sette volte in Europa e Sud America, trasmesso da Televisione Spagnola, dalla Rede Globo in Brasile e da Canal 4 a Montevideo)
Anna Bolena di Gaetano Donizetti (nel 1997, poi rimessa in scena a Montevideo nel ’98ed a Oviedo nel 2000; trasmessa da Canal 33 a Barcellona e da Canal 5 a Montevideo)
Falstaff di Verdi (1998, registrata dalla Televisione Spagnola; 2007 e 2008; nuovo allestimento nel 2009, Jerez de la Frontera e Opéra Royale de Wallonie-Liège)
Aida di Verdi (4 differenti allestimenti: due nel 1998 in Spagna; nel 2001 in occasione dell’inaugurazione del Nuovo Teatro del SODRE di Montevideo; nel 2005 all’aperto, con più di 1200 artisti sul palcoscenico)
Madama Butterfly di Giacomo Puccini (due differenti allestimenti. nel 1998 e nel 2002)
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Lucia di Lammermoor di Donizetti
Macbeth di Verdi (2001, due differenti messe in scena, di cui una all’aperto)
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Orfeo ed Euridice di Christoph Willibald Gluck (nel 2000)
The Medium di Gian Carlo Menotti (2000)
Mefistofele di Arrigo Boito (2001)
Faust di Charles Gounod (2003 e 2008)
Le nozze di Figaro di Mozart (2007)
Medea di Luigi Cherubini (2008)
Carmen di Georges Bizet (2008)
Thaïs di Jules Massenet (2008, al Teatro Regio di Torino)
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Sunday, June 12, 2011
Angelo Pintucci, Buenos Ayres first Luigi-and-Rinuccio
The first performance of "Trittico" at Colon was with Grassi as Luigi, but for other performances, the role was also played by Pintucci, the first Ruggero.
Angelo Pintucci, born Roma 1880, died Milano 1967.
Debuttò nel 1900 al Politeama di Terni in Barbiere di Siviglia.
Cantante eclettico passò negli anni dal Barbiere di Siviglia alla Turandot.
Si ritirò nel 1933.
He made his debut in 1900 at Politeama of Terni in Barbiere di Sivliglia. Singer eclectic passed in the years from Barbiere di Siviglia to Turandot. He withdrew in 1933.
CRONOLOGIA/CHRONOLOGY
1900
10 Terni Politeama Ternano
BARBIERE DI SIVIGLIA (Almaviva)
LE EDUCANDE DI SORRENTO di E.Usiglio (Rodolfo)
DON PASQUALE (Ernesto)
11/12 Perugia Teatro Turreno
DON PASQUALE (Ernesto)
LE EDUCANDE DI SORRENTO di E.Usiglio (Rodolfo)
BARBIERE DI SIVIGLIA (Almaviva) /
PAPA' MARTIN di A.Cagnoni (Armando)
1901
01/02 Perugia Teatro Turreno CONTESSA CLARA di T.De Angelis
03 Roma Teatro Adriano FAVORITA (Fernando)
05 L'Aquila Teatro Comunale STAGIONE
08 Lecco Teatro Sociale RIGOLETTO (Duca)
10 Terni Politeama Ternano BARBIERE DI SIVIGLIA (Almaviva)
10/12 Torino Teatro Carignano GIOCONDA (Enzo) / TRAVIATA (Alfredo) / LUCREZIA BORGIA (Gennaro)
1902
01 Perugia Teatro Pavone CONTESSA CLARA di T.De Angelis
03/04 Ferrara Teatro Tosi Borghi BOHEME (Rodolfo) / LUCIA DI LAMMERMOOR (Edgardo)
08 Cento Teatro Sociale RIGOLETTO (Duca)
10/11 Trieste Politeama Rossetti BOHEME (Rodolfo) / MIGNON (Guglielmo) / CAVALLERIA RUSTICANA (Turiddu)
1903
01 Firenze Teatro Della Pergola BOHEME (Rodolfo) / TOSCA (Cavaradossi)
01/03 Roma Teatro Costanzi MANON LESCAUT (De Grieux) / MOSE' di L.Perosi / TRAVIATA (Alfredo)
08 Imola Teatro Comunale MANON LESCAUT (De Grieux)
08 Perugia Teatro Turreno MANON (De Grieux)
Napoli Teatro San Carlo BOHEME (Rodolfo)
1904
01 Firenze Teatro Della Pergola FIGLIA DEL REGGIMENTO (Tonio)
01/03 Roma Teatro Costanzi FALSTAFF (Fenton) / GIOCONDA (Enzo) / ISAIAS di L.Mancinelli / TOSCA (Cavaradossi)
05 Livorno Teatro Goldoni TOSCA (Cavaradossi)
07 Teramo Teatro Comunale MANON LESCAUT (De Grieux)
10 Torino Teatro Carignano I RACCONTI DI HOFFMANN (Hoffmann) / RIGOLETTO (Duca)
1905
01 Pavia Teatro Fraschini TOSCA (Cavaradossi)
03 Livorno Teatro Goldoni MANUEL MENENDEZ di L.Filiasi
03 Livorno Teatro Rossini AMICO FRITZ (Fritz)
09/10 Vigevano Teatro Cagnoni TOSCA (Cavaradossi) / TRAVIATA (Alfredo)
11 Cremona Politeama Verdi BOHEME (Rodolfo) / LUCREZIA BORGIA (Gennaro)
12 Pavia Teatro Fraschini BALLO IN MASCHERA (Riccardo) / GIOCONDA (Enzo)
1906
03 Udine Teatro Minerva FEDORA (Loris)
04 Macerata Società Filarmonica TOSCA (Cavaradossi)
05 Macerata Teatro Lauro Rossi TOSCA (Cavaradossi)
09/11 Città del Messico Teatro Arbeu AMICO FRITZ (Fritz) / DANNAZIONE DI FAUST (Faust) / FEDORA (Loris) / TOSCA (Cavaradossi) / LA LEGGENDA DI RUDEL / WERTHER (Werther)
1907
09 Città del Messico Teatro Arbeu IRIS (Osaka)
10 Città del Messico Circo Orrin IRIS (Osaka)
12 Genova Politeama Genovese MARCELLA di U.Giordano
1908
01 Padova Teatro Verdi MANON (De Grieux)
09/10 Varese Teatro Sociale TOSCA (Cavaradossi) / GIOCONDA (Enzo)
11 Torino Politeama Chiarella IL GRILLO DELO CODOLARE di R.Zandonai / MARIA DI ROHAN (Riccardo)
1909
01 Torino Teatro Regio GIOCONDA (Enzo) / UN RACCONTO D'INVERNO di K.Goldmark (Florizel)
04 Faenza Teatro Masini WERTHER (Werther)
04 Pietroburgo Nuovo Conservatorio FAUST (Faust) / TRAVIATA (Alfredo)
08/09 Senigallia Teatro Fenice WERTHER (Werther) / FAUST (Faust)
09 Foligno Teatro Piermarini TOSCA (Cavaradossi)
09/10 Trieste Politeama Rossetti WERTHER (Werther) / MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / WALLY (Hagenbach)
11 Fiume Teatro Verdi WERTHER (Werther)
12 Barcellona Teatro Liceo ERNANI (Ernani) / MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / RIGOLETTO (Duca) / TOSCA (Cavaradossi)
Torino Teatro Regio UN RACCONTO D'INVERNO di K.Goldmark (Florizel)
******************
1910
05/08 Buenos Ayres
Teatro Colon
TRAVIATA (Alfredo)
CRISTOFORO COLOMBO (Guevara)
GIOCONDA (Enzo)
MEFISTOFELE (Faust)
LINDA DI CHAMONIX (Visconte)
BORIS GODUNOV (Grigori)
IL BATTISTA di G.Fino (Gesù)
10 Alessandria Teatro Municipale MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
1911
04 Odessa Teatro Municipale TRAVIATA (Alfredo) / DANNAZIONE DI FAUST (Faust)
05/08 Buenos Ayres
Teatro Colon
MANON LESCAUT (De Grieux)
MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
EUGENIO ONEGHIN (Lewski)
09 San Paolo Teatro Municipal MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / MANON LESCAUT (De Grieux)
11 Montevideo Teatro Solis RIGOLETTO (Duca)
12 Torino Teatro Regio MEFISTOFELE (Faust)
1912
02/04 Fiume Teatro Verdi WERTHER (Werther) / I MAESTRI CANTORI DI NORIMBERGA (Walter) / ROMEO et JULIETTE (Romeo)
10 Trieste Politeama Rossetti MARIA DI ROHAN (Riccardo)
12 Trieste Teatro Verdi ROMEO et JULIETTE (Romeo)
12 Roma Teatro Costanzi MARIA DI ROHAN (Riccardo)
1913
01 Mantova Teatro Sociale AMORE DEI TRE RE (Avito)
02 Verona Teatro Ristori WERTHER (Werther)
02 Karkov Teatro Mussura BALLO IN MASCHERA (Riccardo) / ERNANI (Ernani)
03 Odessa Teatro Municipale BARBIERE DI SIVIGLIA (Almaviva) / DON PASQUALE (Ernesto) / ERNANI (Ernani) / GIOCONDA (Enzo) / RIGOLETTO (Duca)
04 Kiev Teatro Nazionale CONCERTO
1914
01 Pietroburgo Narowni Doma BALLO IN MASCHERA (Riccardo) / BARBIERE DI SIVIGLIA
(Almaviva) / CAVALLERIA RUSTICANA (Turiddu) / DEMON di A.Rubistein / ERNANI (Ernani) / LAKME' / PAGLIACCI (Canio) / TOSCA (Cavaradossi)
04 Havana Teatro Peyret BOHEME (Rodolfo) / CAVALLERIA RUSTICANA (Turiddu) / MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / MEFISTOFELE (Faust) / RIGOLETTO (Duca) / TOSCA (Cavaradossi)
1915
01 Sanremo Teatro del Casinò MANON LESCUAT (De Grieux)
Treviso Teatro Sociale MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
***********************
1919
06
Buenos Ayres
Teatro Colon
"GIANNI SCHICCHI" (Puccini) ('Rinuccio') -- performance of "Il Trittico" (third panello).
"IL TABARRO" (Puccini) ('Luigi') -- performance of "Il Trittico" (first panello).
PETRONIO di C.Gaito (Petronio)
12 Venezia Teatro Malibran TRAVIATA (Alfredo)
1920
04 Como Politeama FAUST (Faust)
04 Lugano Teatro Apollo TOSCA (Cavaradossi)
09 Milano Teatro Dal Verme TOSCA (Cavaradossi)
10 Rovigo Teatro Sociale FAUST (Faust)
1921
03 Cesena Teatro Comunale BOHEME (Rodolfo)
04 Venezia Teatro La Fenice MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
09 Lucca Teatro Del Giglio FAUST (Faust)
10 Torino Politeama Chiarella TRAVIATA (Alfredo)
1922
01 Bari Teatro Petruzzelli MANON LESCAUT (De Grieux)
02 Cesena Teatro Comunale MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
03 Padova Teatro Verdi FAUST (Faust)
05 Bergamo Teatro Donizetti LA VITA DI SAN DOMENICO di P.Dentella
08 Badia Polesine Politeama Piana MANON LESCAUT (De Grieux) / WALLY (Hagenbach)
10 Trieste Politeama Rossetti MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / TOSCA (Cavaradossi)
12 Barcellona Teatro Liceo FAUST (Faust) / RIGOLETTO (Duca)
1923
02 Ravenna Teatro Mariani WERTHER (Werther)
02 Forlì Teatro Comunale WERTHER (Werther)
03 Ferrara Teatro Comunale WERTHER (Werther)
Finale Emilia Teatro Sociale WALLY (Hagenbach)
1924
03 Havana Teatro Nacional MANON (De Grieux) / RIGOLETTO (Duca)
05 Bogotà Teatro Nacional STAGIONE
10 Udine Teatro Sociale BOHEME (Rodolfo)
10 Venezia Teatro Malibran MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
11 Venezia Teatro La Fenice BOHEME (Rodolfo)
1925
09 Milano Teatro Carcano BOHEME (Rodolfo) / TOSCA (Cavaradossi)
Bielefeld Stadt RIGOLETTO (Duca) / TOSCA (Cavaradossi)
Verona Teatro Filarmonico DANNAZIONE DI FAUST (Faust)
1926
04 Venezia Teatro La Fenice MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
09 Lucca Teatro Del Giglio LORELEY (Walter)
Bologna Teatro Duse BOHEME (Rodolfo) / MEFISTOFELE (Faust)
Pola Teatro Ciscutti FAUST (Faust)
Vigevano Teatro Cagnoni MANON LESCAUT (De Grieux)
1927
03 Nice Palais Mediterranee AMORE DEI TRE RE (Avito) / BOHEME (Rodolfo) / IRIS (Kyoto) / LUCIA DI LAMMERMOOR (Edgardo) / MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / TRAVIATA (Alfredo)
09 Milano Teatro Dal Verme MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
1928
01 Novara Teatro Coccia MEFISTOFELE (Faust) / TURANDOT (Calaf)
1929
07 Lima Teatro Forero MEFISTOFELE (Faust)
1930
09 Bagnacavallo Teatro Sociale WALLY (Hagenbach)
1931
01 Novara Teatro Coccia TURANDOT (Calaf)
03 Nice Palais Mediterranee BALLO IN MASCHERA (Riccardo) / ERNANI (Ernani)
07 Torino Eiar L'OSPITE INATTESO di R.Pick Mangiagalli (Sigismondo) / RESURREZIONE di F.Alfano (Dimitri)
12 Malta Teatro Reale I RACCONTI DI HOFFMANN (Hoffmann)
1932
01 Malta Teatro Reale IRIS (Osaka) / MADAME SANS-GENE
04 Roma Teatro Adriano IRIS (Osaka)
Roma Eiar IL DIAVOLO DEL CAMPANILE di A.Lualdi (Tallio) / LA RONDINE (Ruggero)
Torino Eiar LA RONDINE (Ruggero)
1933
03 Mulhouse Teatro Opera STAGIONE
04 Prato Teatro Metastasio TRAVIATA (Alfredo)
06 Genova Politeama Genovese BOHEME (Rodolfo)
11 Angers Teatro Municipal STAGIONE
11 Rennes Opera STAGIONE
12 Forlì Teatro Comunale FAUST (Faust)
Napoli Teatro San Carlo TOSCA (Cavaradossi) / TURANDOT (Calaf)
Roma Eiar LE NOZZE ISTRIANE di A.Smareglia (Lorenzo)
Torino Eiar IL DIAVOLO DEL CAMPANILE (Tallio) / IL GOBBO DEL CALIFFO di N.Casavola (Innamorato) / SOCRATE IMMAGINARIO di G.Paisiello (Ippolito)
DISCOGRAFIA/DISCOGRAPHY
EDISON RECORD / CILYNDERS
B 100 STABAT MATER (Rossini): Cujus animam
B 112 CARMEN: Il fior
GRAMOPHONE RECORD
52257 AFRICANA: O paradiso
52258 TOSCA: Recondita armonia
52326 TOSCA: Recondita armonia
52817 FRA' DIAVOLO: Duo dei briganti Corradetti Ferruccio
54004x RIGOLETTO: Bella figlia dell'amore Corradetti Ferruccio / Colombati Virginia / Casini Rita
54007 TRAVIATA: Prendi questa è l'immagine Corradetti Ferruccio / Adami Bice
54049 BARBIERE DI SIVIGLIA: Che invenzione prelibata Corradetti Ferruccio
54050 BARBIERE DI SIVIGLIA: Pace e gioia Corradetti Ferruccio
54051 DON PAQUALE: Sogno soave e casto Corradetti Ferruccio
54079 TRAVIATA: Se una pudica vergine Corradetti Ferruccio / Adami Bice
54144 BARBIERE DI SIVIGLIA: Ah! Che d'amore Corradetti Ferruccio
92073 FRA' DIAVOLO: Duo dei briganti Corradetti Ferruccio
94011 BARBIERE DI SIVIGLIA: Ah! Che d'amore Corradetti Ferruccio
X 94019 BARBIERE DI SIVIGLIA: Pace e gioia Corradetti Ferruccio
ODEON FONOTIPIA RECORD
7123 MANON LESCAUT: Tra voi belle
37170 MEFISTOFELE: Giunto sul passo estremo
37171 CAVALLERIA RUSTICANA: Addio alla madre
37175 BARBIERE DI SIVIGLIA: Numero quindici Corradetti Ferruccio
37176 BARBIERE DI SIVIGLIA: Voi dovreste travestirvi Corradetti Ferruccio
37184 ELISIR D'AMORE: Una furtiva lagrima
37187 DON PASQUALE: Serenata
37188 CRISPINO E LA COMARE: Bella siccome un angelo
37209 PESCATORI DI PERLE: Della mia vita
37292 LOHENGRIN: Mercè mercè
37310 BOHEME (Leoncavallo): Io non ho che una povera stanzetta
37319 MANON: Sogno
37324 WERTHER: Ah! Non mi ridestar
37327 LOHENGRIN: Dì non t'incantan
37328 FRA' DIAVOLO: Agnese la zitella
PATHE' RECORD
88185 MADAMA BUTTERFLY: Addio fiorito asil 10424
88186 WALLY: M'hai salvato 10426
88187 LORELEY: No, non sogno 10426
88188 BOHEME: Che gelida manina 10425
88189 BOHEME: Mimì è una civetta 10425
88191 AFRICANA: O paradiso 10424
??? LOHENGRIN: Dì non t'incantan 10127
??? WERTHER: O natura 10127
Angelo Pintucci, born Roma 1880, died Milano 1967.
Debuttò nel 1900 al Politeama di Terni in Barbiere di Siviglia.
Cantante eclettico passò negli anni dal Barbiere di Siviglia alla Turandot.
Si ritirò nel 1933.
He made his debut in 1900 at Politeama of Terni in Barbiere di Sivliglia. Singer eclectic passed in the years from Barbiere di Siviglia to Turandot. He withdrew in 1933.
CRONOLOGIA/CHRONOLOGY
1900
10 Terni Politeama Ternano
BARBIERE DI SIVIGLIA (Almaviva)
LE EDUCANDE DI SORRENTO di E.Usiglio (Rodolfo)
DON PASQUALE (Ernesto)
11/12 Perugia Teatro Turreno
DON PASQUALE (Ernesto)
LE EDUCANDE DI SORRENTO di E.Usiglio (Rodolfo)
BARBIERE DI SIVIGLIA (Almaviva) /
PAPA' MARTIN di A.Cagnoni (Armando)
1901
01/02 Perugia Teatro Turreno CONTESSA CLARA di T.De Angelis
03 Roma Teatro Adriano FAVORITA (Fernando)
05 L'Aquila Teatro Comunale STAGIONE
08 Lecco Teatro Sociale RIGOLETTO (Duca)
10 Terni Politeama Ternano BARBIERE DI SIVIGLIA (Almaviva)
10/12 Torino Teatro Carignano GIOCONDA (Enzo) / TRAVIATA (Alfredo) / LUCREZIA BORGIA (Gennaro)
1902
01 Perugia Teatro Pavone CONTESSA CLARA di T.De Angelis
03/04 Ferrara Teatro Tosi Borghi BOHEME (Rodolfo) / LUCIA DI LAMMERMOOR (Edgardo)
08 Cento Teatro Sociale RIGOLETTO (Duca)
10/11 Trieste Politeama Rossetti BOHEME (Rodolfo) / MIGNON (Guglielmo) / CAVALLERIA RUSTICANA (Turiddu)
1903
01 Firenze Teatro Della Pergola BOHEME (Rodolfo) / TOSCA (Cavaradossi)
01/03 Roma Teatro Costanzi MANON LESCAUT (De Grieux) / MOSE' di L.Perosi / TRAVIATA (Alfredo)
08 Imola Teatro Comunale MANON LESCAUT (De Grieux)
08 Perugia Teatro Turreno MANON (De Grieux)
Napoli Teatro San Carlo BOHEME (Rodolfo)
1904
01 Firenze Teatro Della Pergola FIGLIA DEL REGGIMENTO (Tonio)
01/03 Roma Teatro Costanzi FALSTAFF (Fenton) / GIOCONDA (Enzo) / ISAIAS di L.Mancinelli / TOSCA (Cavaradossi)
05 Livorno Teatro Goldoni TOSCA (Cavaradossi)
07 Teramo Teatro Comunale MANON LESCAUT (De Grieux)
10 Torino Teatro Carignano I RACCONTI DI HOFFMANN (Hoffmann) / RIGOLETTO (Duca)
1905
01 Pavia Teatro Fraschini TOSCA (Cavaradossi)
03 Livorno Teatro Goldoni MANUEL MENENDEZ di L.Filiasi
03 Livorno Teatro Rossini AMICO FRITZ (Fritz)
09/10 Vigevano Teatro Cagnoni TOSCA (Cavaradossi) / TRAVIATA (Alfredo)
11 Cremona Politeama Verdi BOHEME (Rodolfo) / LUCREZIA BORGIA (Gennaro)
12 Pavia Teatro Fraschini BALLO IN MASCHERA (Riccardo) / GIOCONDA (Enzo)
1906
03 Udine Teatro Minerva FEDORA (Loris)
04 Macerata Società Filarmonica TOSCA (Cavaradossi)
05 Macerata Teatro Lauro Rossi TOSCA (Cavaradossi)
09/11 Città del Messico Teatro Arbeu AMICO FRITZ (Fritz) / DANNAZIONE DI FAUST (Faust) / FEDORA (Loris) / TOSCA (Cavaradossi) / LA LEGGENDA DI RUDEL / WERTHER (Werther)
1907
09 Città del Messico Teatro Arbeu IRIS (Osaka)
10 Città del Messico Circo Orrin IRIS (Osaka)
12 Genova Politeama Genovese MARCELLA di U.Giordano
1908
01 Padova Teatro Verdi MANON (De Grieux)
09/10 Varese Teatro Sociale TOSCA (Cavaradossi) / GIOCONDA (Enzo)
11 Torino Politeama Chiarella IL GRILLO DELO CODOLARE di R.Zandonai / MARIA DI ROHAN (Riccardo)
1909
01 Torino Teatro Regio GIOCONDA (Enzo) / UN RACCONTO D'INVERNO di K.Goldmark (Florizel)
04 Faenza Teatro Masini WERTHER (Werther)
04 Pietroburgo Nuovo Conservatorio FAUST (Faust) / TRAVIATA (Alfredo)
08/09 Senigallia Teatro Fenice WERTHER (Werther) / FAUST (Faust)
09 Foligno Teatro Piermarini TOSCA (Cavaradossi)
09/10 Trieste Politeama Rossetti WERTHER (Werther) / MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / WALLY (Hagenbach)
11 Fiume Teatro Verdi WERTHER (Werther)
12 Barcellona Teatro Liceo ERNANI (Ernani) / MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / RIGOLETTO (Duca) / TOSCA (Cavaradossi)
Torino Teatro Regio UN RACCONTO D'INVERNO di K.Goldmark (Florizel)
******************
1910
05/08 Buenos Ayres
Teatro Colon
TRAVIATA (Alfredo)
CRISTOFORO COLOMBO (Guevara)
GIOCONDA (Enzo)
MEFISTOFELE (Faust)
LINDA DI CHAMONIX (Visconte)
BORIS GODUNOV (Grigori)
IL BATTISTA di G.Fino (Gesù)
10 Alessandria Teatro Municipale MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
1911
04 Odessa Teatro Municipale TRAVIATA (Alfredo) / DANNAZIONE DI FAUST (Faust)
05/08 Buenos Ayres
Teatro Colon
MANON LESCAUT (De Grieux)
MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
EUGENIO ONEGHIN (Lewski)
09 San Paolo Teatro Municipal MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / MANON LESCAUT (De Grieux)
11 Montevideo Teatro Solis RIGOLETTO (Duca)
12 Torino Teatro Regio MEFISTOFELE (Faust)
1912
02/04 Fiume Teatro Verdi WERTHER (Werther) / I MAESTRI CANTORI DI NORIMBERGA (Walter) / ROMEO et JULIETTE (Romeo)
10 Trieste Politeama Rossetti MARIA DI ROHAN (Riccardo)
12 Trieste Teatro Verdi ROMEO et JULIETTE (Romeo)
12 Roma Teatro Costanzi MARIA DI ROHAN (Riccardo)
1913
01 Mantova Teatro Sociale AMORE DEI TRE RE (Avito)
02 Verona Teatro Ristori WERTHER (Werther)
02 Karkov Teatro Mussura BALLO IN MASCHERA (Riccardo) / ERNANI (Ernani)
03 Odessa Teatro Municipale BARBIERE DI SIVIGLIA (Almaviva) / DON PASQUALE (Ernesto) / ERNANI (Ernani) / GIOCONDA (Enzo) / RIGOLETTO (Duca)
04 Kiev Teatro Nazionale CONCERTO
1914
01 Pietroburgo Narowni Doma BALLO IN MASCHERA (Riccardo) / BARBIERE DI SIVIGLIA
(Almaviva) / CAVALLERIA RUSTICANA (Turiddu) / DEMON di A.Rubistein / ERNANI (Ernani) / LAKME' / PAGLIACCI (Canio) / TOSCA (Cavaradossi)
04 Havana Teatro Peyret BOHEME (Rodolfo) / CAVALLERIA RUSTICANA (Turiddu) / MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / MEFISTOFELE (Faust) / RIGOLETTO (Duca) / TOSCA (Cavaradossi)
1915
01 Sanremo Teatro del Casinò MANON LESCUAT (De Grieux)
Treviso Teatro Sociale MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
***********************
1919
06
Buenos Ayres
Teatro Colon
"GIANNI SCHICCHI" (Puccini) ('Rinuccio') -- performance of "Il Trittico" (third panello).
"IL TABARRO" (Puccini) ('Luigi') -- performance of "Il Trittico" (first panello).
PETRONIO di C.Gaito (Petronio)
12 Venezia Teatro Malibran TRAVIATA (Alfredo)
1920
04 Como Politeama FAUST (Faust)
04 Lugano Teatro Apollo TOSCA (Cavaradossi)
09 Milano Teatro Dal Verme TOSCA (Cavaradossi)
10 Rovigo Teatro Sociale FAUST (Faust)
1921
03 Cesena Teatro Comunale BOHEME (Rodolfo)
04 Venezia Teatro La Fenice MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
09 Lucca Teatro Del Giglio FAUST (Faust)
10 Torino Politeama Chiarella TRAVIATA (Alfredo)
1922
01 Bari Teatro Petruzzelli MANON LESCAUT (De Grieux)
02 Cesena Teatro Comunale MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
03 Padova Teatro Verdi FAUST (Faust)
05 Bergamo Teatro Donizetti LA VITA DI SAN DOMENICO di P.Dentella
08 Badia Polesine Politeama Piana MANON LESCAUT (De Grieux) / WALLY (Hagenbach)
10 Trieste Politeama Rossetti MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / TOSCA (Cavaradossi)
12 Barcellona Teatro Liceo FAUST (Faust) / RIGOLETTO (Duca)
1923
02 Ravenna Teatro Mariani WERTHER (Werther)
02 Forlì Teatro Comunale WERTHER (Werther)
03 Ferrara Teatro Comunale WERTHER (Werther)
Finale Emilia Teatro Sociale WALLY (Hagenbach)
1924
03 Havana Teatro Nacional MANON (De Grieux) / RIGOLETTO (Duca)
05 Bogotà Teatro Nacional STAGIONE
10 Udine Teatro Sociale BOHEME (Rodolfo)
10 Venezia Teatro Malibran MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
11 Venezia Teatro La Fenice BOHEME (Rodolfo)
1925
09 Milano Teatro Carcano BOHEME (Rodolfo) / TOSCA (Cavaradossi)
Bielefeld Stadt RIGOLETTO (Duca) / TOSCA (Cavaradossi)
Verona Teatro Filarmonico DANNAZIONE DI FAUST (Faust)
1926
04 Venezia Teatro La Fenice MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
09 Lucca Teatro Del Giglio LORELEY (Walter)
Bologna Teatro Duse BOHEME (Rodolfo) / MEFISTOFELE (Faust)
Pola Teatro Ciscutti FAUST (Faust)
Vigevano Teatro Cagnoni MANON LESCAUT (De Grieux)
1927
03 Nice Palais Mediterranee AMORE DEI TRE RE (Avito) / BOHEME (Rodolfo) / IRIS (Kyoto) / LUCIA DI LAMMERMOOR (Edgardo) / MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton) / TRAVIATA (Alfredo)
09 Milano Teatro Dal Verme MADAMA BUTTERFLY (Pinkerton)
1928
01 Novara Teatro Coccia MEFISTOFELE (Faust) / TURANDOT (Calaf)
1929
07 Lima Teatro Forero MEFISTOFELE (Faust)
1930
09 Bagnacavallo Teatro Sociale WALLY (Hagenbach)
1931
01 Novara Teatro Coccia TURANDOT (Calaf)
03 Nice Palais Mediterranee BALLO IN MASCHERA (Riccardo) / ERNANI (Ernani)
07 Torino Eiar L'OSPITE INATTESO di R.Pick Mangiagalli (Sigismondo) / RESURREZIONE di F.Alfano (Dimitri)
12 Malta Teatro Reale I RACCONTI DI HOFFMANN (Hoffmann)
1932
01 Malta Teatro Reale IRIS (Osaka) / MADAME SANS-GENE
04 Roma Teatro Adriano IRIS (Osaka)
Roma Eiar IL DIAVOLO DEL CAMPANILE di A.Lualdi (Tallio) / LA RONDINE (Ruggero)
Torino Eiar LA RONDINE (Ruggero)
1933
03 Mulhouse Teatro Opera STAGIONE
04 Prato Teatro Metastasio TRAVIATA (Alfredo)
06 Genova Politeama Genovese BOHEME (Rodolfo)
11 Angers Teatro Municipal STAGIONE
11 Rennes Opera STAGIONE
12 Forlì Teatro Comunale FAUST (Faust)
Napoli Teatro San Carlo TOSCA (Cavaradossi) / TURANDOT (Calaf)
Roma Eiar LE NOZZE ISTRIANE di A.Smareglia (Lorenzo)
Torino Eiar IL DIAVOLO DEL CAMPANILE (Tallio) / IL GOBBO DEL CALIFFO di N.Casavola (Innamorato) / SOCRATE IMMAGINARIO di G.Paisiello (Ippolito)
DISCOGRAFIA/DISCOGRAPHY
EDISON RECORD / CILYNDERS
B 100 STABAT MATER (Rossini): Cujus animam
B 112 CARMEN: Il fior
GRAMOPHONE RECORD
52257 AFRICANA: O paradiso
52258 TOSCA: Recondita armonia
52326 TOSCA: Recondita armonia
52817 FRA' DIAVOLO: Duo dei briganti Corradetti Ferruccio
54004x RIGOLETTO: Bella figlia dell'amore Corradetti Ferruccio / Colombati Virginia / Casini Rita
54007 TRAVIATA: Prendi questa è l'immagine Corradetti Ferruccio / Adami Bice
54049 BARBIERE DI SIVIGLIA: Che invenzione prelibata Corradetti Ferruccio
54050 BARBIERE DI SIVIGLIA: Pace e gioia Corradetti Ferruccio
54051 DON PAQUALE: Sogno soave e casto Corradetti Ferruccio
54079 TRAVIATA: Se una pudica vergine Corradetti Ferruccio / Adami Bice
54144 BARBIERE DI SIVIGLIA: Ah! Che d'amore Corradetti Ferruccio
92073 FRA' DIAVOLO: Duo dei briganti Corradetti Ferruccio
94011 BARBIERE DI SIVIGLIA: Ah! Che d'amore Corradetti Ferruccio
X 94019 BARBIERE DI SIVIGLIA: Pace e gioia Corradetti Ferruccio
ODEON FONOTIPIA RECORD
7123 MANON LESCAUT: Tra voi belle
37170 MEFISTOFELE: Giunto sul passo estremo
37171 CAVALLERIA RUSTICANA: Addio alla madre
37175 BARBIERE DI SIVIGLIA: Numero quindici Corradetti Ferruccio
37176 BARBIERE DI SIVIGLIA: Voi dovreste travestirvi Corradetti Ferruccio
37184 ELISIR D'AMORE: Una furtiva lagrima
37187 DON PASQUALE: Serenata
37188 CRISPINO E LA COMARE: Bella siccome un angelo
37209 PESCATORI DI PERLE: Della mia vita
37292 LOHENGRIN: Mercè mercè
37310 BOHEME (Leoncavallo): Io non ho che una povera stanzetta
37319 MANON: Sogno
37324 WERTHER: Ah! Non mi ridestar
37327 LOHENGRIN: Dì non t'incantan
37328 FRA' DIAVOLO: Agnese la zitella
PATHE' RECORD
88185 MADAMA BUTTERFLY: Addio fiorito asil 10424
88186 WALLY: M'hai salvato 10426
88187 LORELEY: No, non sogno 10426
88188 BOHEME: Che gelida manina 10425
88189 BOHEME: Mimì è una civetta 10425
88191 AFRICANA: O paradiso 10424
??? LOHENGRIN: Dì non t'incantan 10127
??? WERTHER: O natura 10127
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